최적화된 환경에서 다시 본 <옥자>

(Okja, Dolby Atmos, 2017)


봉준호 감독의 신작 '옥자'를 다시 보았다. 이미 리뷰 글을 통해 '옥자'에 대해 한 번 이야기를 했던 것처럼, 다른 넷플릭스 오리지널 영화들처럼 집에서 즐겨볼 수도 있었으나 동시에 극장 상영을 한다면야 이 기회를 놓칠 이유가 없었기 때문에 개봉일에 맞춰 다른 개봉 영화들처럼 극장을 찾아 관람을 했었다. 오히려 극장에서 한 번 보고 나서 글을 쓸 때 명확히 기억이 나질 않거나 다시 보고 싶은 장면들을 집에 와서 바로 넷플릭스로 다시 볼 수 있어서 편리한 점도 있던 옥자의 동시 상영에 대한 경험이었다.


그런데 그렇게 이미 두 번 아닌 두 번의 감상을 했음에도 또 한 번 극장에서 '옥자'를 보게 된 이유는 다름 아닌 그 영화가 상영되는 극장과 소스의 환경 때문이었다. 같은 영화를 여러 번 반복해서 보길 즐기는 입장이긴 하지만, 그럼에도 역시 영화를 볼 때 가장 중요한 것은 첫 번째 경험 그리고 어떤 환경에서 감상하느냐 하는 것이다. 그렇기 때문에 좋아하는 영화는 집에서 멀리 떨어진 곳의 극장이라 하더라도 일부러 힘들게 찾아가 관람을 하곤 하는데, 그건 모두 첫 번째 관람을 내가 선택할 수 있는 가장 최적의 환경에서 하고 싶기 때문이다. 봉준호 감독의 '옥자'의 경우 비록 첫 번째 관람 시에는 내가 선택할 수 있는 것 가운데 최적의 선택이었던 '극장 상영' 자체를 선택하는 것에 만족할 수 밖에는 없었으나, 더 좋은 환경에서 관람할 수 있는 기회가 있다니 이 기회를 뿌리치기가 어려웠던 것이 사실이다.


블루레이 타이틀 리뷰를 오랜 기간 해온 리뷰어로서 돌비 애트모스 (Dolby Atmos) 사운드 시스템은 아주 익숙한 편인데, '옥자'를 바로 이 돌비 애트모스 사운드로 감상할 수 있는 기회가 생겨서 파주에 위치한 명필름 아트센터를 지난 주말 찾게 되었다. 참고로 파주 명필름 아트센터는 지인의 사무실이 근처에 있어서 몇 번 방문해 본 적이 있었는데, 카페를 즐기거나 다른 구경을 해 본 것과는 달리 정작 영화를 관람하게 된 것은 이번이 처음이었다. 역시나 소문대로 영화 감상에 아주 쾌적한 환경이었고, 이번에 감상한 돌비 애트모스 사운드를 비롯해 상영 시스템도 깔끔해서 영화 감상에 더할 나위 없이 편안한 환경이었다. 파주라는 거리를 감안할 때 자주 방문하기는 어려운 것이 사실이나, 이번 '옥자'의 경우처럼 돌비 애트모스 사운드로 상영되는 작품을 관람하고자 할 때는 먼 거리를 달려 방문한 보람이 충분히 느껴질 만한 극장 환경이었다.





영화 상영에 앞서 간단히 돌비 관계자 분이 나와서 돌비 애트모스 사운드 시스템에 대한 설명과 상영될 영화 '옥자'의 사운드에 대해 소개하는 시간이 있었다. 돌비 애트모스 사운드가 다른 사운드 포맷들과 가장 차별되는 점이라면 스피커를 활용함에 있어 단순한 채널의 개념이 아니라, 객체 기반의 개념으로 활용 가능하다는 점이다. 즉, 5.1 채널, 7.1 채널 등과 같이 리어와 서라운드, 우퍼 등으로 이뤄져 각각의 채널에 위치에 맞는 사운드를 분리해 제공하는 것과는 달리, 천장을 비롯해 좌우 후면에 이르기까지 훨씬 더 많은 수의 스피커들 하나하나를 독립적으로 활용하여 각각의 원하는 위치에 감독이 원하는 사운드를 담아낼 수 있다는 얘기다.

 

아주 단순화시켜서 말하자면 화면에서 소리의 움직임이 전후 좌우로 이동할 때 다른 사운드 시스템에 비해 훨씬 더 여백 없이 자연스럽게 공간을 휘감을 수 있다는 것이고, 궁극적으로 영화를 만든 감독의 본래 의도를 현재로서는 가장 제대로, 디테일하게 구현할 수 있는 시스템이 돌비 애트모스 사운드라고 말할 수 있겠다. 실제로 봉준호 감독 역시 명필름 아트센터를 찾아 '옥자'를 관람하고는 자신의 의도에 가장 부합하는 사운드를 들려주었다며 크게 만족했다고 한다.





그렇게 돌비 애트모스로 다시 보게 된 '옥자'는 조금의 과장을 더해 처음 보았을 때와는 조금 달라진 영화였다. 확실히 사운드의 장악력이 압도적이다 보니 장면이 전하고자 하는 의도와 감정이 더 짙게 느껴졌으며, 특히 영화의 여러 추격과 액션 시퀀스를 좀 더 효과적으로 감상할 수 있었다. 이를테면, 초반 미자가 산을 내려와 미란도 본사에서 트럭을 쫓는 시퀀스는 좌우보다는 상하의 움직임이 많은 장면인데, 스크린을 기준으로 전후로 이동하는 사운드가 확실히 더 귀에 느껴졌으며, 인트로 장면에서 흐르던 수록곡 역시 전체적으로 하나의 사운드로 섞여 들린다기보다는 독립적으로 들리는 동시에 공간감 있게 펼쳐지고 있어서 오히려 더 장면에 잘 녹아드는 느낌이었다.


그리고 확실히 보통의 사운드로 감상할 때보다는 공간감과 거리감이 탁월해서 인물들이 거리를 두고 대화를 나누거나 또는 인물을 중심으로 거리를 두고 떨어져 있는 곳에서 들려오는 사운드들의 거리감이 좀 더 선명하게 전달되었다. 또한 많은 이들이 지적하지 않는 부분인데, 오히려 이렇게 전체적인 사운드의 공간감이 느껴지는 것에 비례해 센터에서 전달되는 대사 전달이 훨씬 더 선명해진 것을 느낄 수 있었다.





마지막으로 이번 상영에서는 감상할 수 없었지만 '옥자'는 돌비 애트모스로 제작된 것은 물론, 돌비의 새로운 이미지 기술인 돌비 비전 (Dolby Vision)으로도 제작되었다. 2017년 출시된 LG OLED TV 모든 모델, 마찬가지로 올해 출시한 LG의 스마트폰인 LG G6이 돌비 비전을 지원하고 있으며 넷플릭스 프리미엄 요금제를 이용하고 있다면 돌비 비전으로 스트리밍이 가능하다. 참고로 돌비 비전은 HDR 기술을 통해 더 선명한 색상과 명암, 밝기 그리고 깊은 블랙과 입체감을 제공하는 포맷으로 마치 돌비 애트모스가 그러했듯이 돌비 비전까지 더해진 '옥자'를 경험해 본다면 또 어떤 감흥을 선사할지 기대가 되지 않을 수 없다.




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)

본문에 사용된 모든 스틸컷/포스터 이미지는 인용의 목적으로만 사용되었으며,

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이 포스팅은 돌비 코리아로부터 소정의 원고료를 지원받아 작성되었습니다



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옥자 (Okja, 2017)

부조화의 조화까지는 도달하지 못한 아쉬움


넷플릭스를 통해 제작되어 더 큰 화제, 아니 영화 외적인 요소로 더 많은 말들이 먼저 오갔던 봉준호 감독의 신작 ‘옥자’. 결론부터 말하자면 ‘옥자’는 봉준호 감독의 필모그래피를 종합하는 성격이 강한 동시에, 전작 ‘설국열차’가 그러했듯이 근본적으로 해외 시장을 기반으로 만든 한국영화라 할 수 있겠다. 어떤 감독의 세계관을 집대성한 성격의 작품들의 경우 아주 분명하게 장단점이 드러나곤 하는데 ‘옥자’ 역시 그러하다. 전체적으로 스토리와 구성 측면에서 ‘괴물’, ‘플란다스의 개’와 겹쳐지는 부분이 상당히 많은데, 아무래도 장점들만 (꼭 장점들만 가져왔다고 보기는 어렵지만) 뽑아 하나로 다시 합쳐지는 과정을 겪다 보니 각각의 깊이는 떨어질 수 밖에는 없고, 순간순간의 매력은 여전하지만 큰 그림으로 보았을 때 헐거워지는 측면이 발생한다. 재료가 너무 다양한 탓에. 그리고 그 재료들이 너무 매력적이었던 탓일까. 그 재료 하나하나는 다른 완제품의 맛과 대등할 정도로 매혹적이었지만, 모두를 버무린 ‘옥자’라는 요리의 맛은 오히려 조금 싱거운 맛이었다. 차라리 섞어 먹지 말고 따로 하나 씩 먹어볼까 하는 생각이 들 정도로.


본인은 별로 좋아하지 않는 것으로 알고 있지만 ‘봉테일’이라는 그의 별명은 그의 팬들과 관객들로 하여금 그의 영화를 볼 때 무의식적으로 디테일을 찾는 것에 집중하게 만들었고, 이점 역시 초반에는 봉준호라는 감독의 세계관에 매력을 느끼게 하고 더 관심을 갖게 하는 장점으로 작용했지만 오히려 시간이 갈수록 그의 작품을 제대로 감상하는 것을 막는 걸림돌로 작용하는 듯하다. ‘옥자’라는 제목과 슈퍼돼지 그리고 글로벌한 세계관은 그 자체로 이질감을 주는데, 이건 봉준호 영화가 항상 선호하는 방식이다. 어울릴 것 같지 않은 것들의 조화를 억지로 만들어 내기보다는 부조화 그 자체를 아슬아슬하게 버무려내는 기술, 그리고 크기로만 따지자면 비교가 되지 않는 거대한 음모 혹은 이야기 속에 원치 않게 놓여 버린 소시민 주인공. 마지막으로 그 주인공이 거대한 이야기 속에서 선택 혹은 마주하게 되는 극도로 현실적인 결말. 이러한 봉준호 세계관의 익숙함은 ‘옥자’에도 그대로 반영된다. 



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이러한 봉준호의 영화적 구조가 반복되었음에도 매번 매력적인 스토리텔링이 가능했던 것은 그 커다란 구조적 세계관과 디테일한 설정들의 유기적인 연결 고리와 조화 때문이었다. 봉준호의 이야기들은 ‘그래서 결국 어떻게 될까?’를 궁금하게 만드는 영화라기보다는 순간순간에 흥미를 느끼는 중에 나도 모르게 결론에 달해 있을 정도로 그 과정의 리듬과 긴장감을 즐길 수 있었다. 관객의 대부분이 이미 결말을 알고 있는 ‘살인의 추억’과 같은 영화가 대표적이다. 대한민국에서 가장 유명한 미제사건을 주제로 했지만 관객은 자기도 모르는 사이에 ‘이거 혹시 범인이 잡혔었나?’라고 착각을 하게 될 정도로 과정의 치밀함과 영화 만의 스토리텔링에 완전히 빠져들게 된다. 


‘옥자’ 역시 영화가 시작하고 얼마 되지 않아 이야기의 구조를 파악하게 되면 어렵지 않게 전개 과정을 예상할 수 있게 된다. 더군다나 ‘옥자’는 가축이 아닌 가족으로서 등장하는 ‘옥자’라는 슈퍼돼지 캐릭터를 통해 아주 직접적으로 자본주의 시스템과 이를 소비하는 방식에 대한 메시지를 드러내고 있는 영화이기 때문에, 숨은 메시지를 어렵게 찾아낼 여지도 많지 않다. 그렇다면 결국 봉준호의 영화들이 매번 그래 왔던 것처럼 그 과정에서 다시 한번 다 알고 있는 얘기라고 생각하고 있는 관객들을, 알지만 사실 모르는 미지의 세계로 끌어당겨야 하는데 이 영화는 그 유혹의 강도가 솔직히 그리 강하지 못하다. 익숙한 이야기들은 익숙한 대로 마무리되고 그 과정의 리듬 감도 많이 떨어지는 편이다. 



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오프닝 크레디트를 보며 유명한 배우들의 이름과 스텝들의 이름들 가운데서 개인적으로 더 주목했던 이름은 음악을 맡은 정재일이었는데, 본래 그의 팬이었기에 그가 맡은 영화 음악에 대해서도 기대가 컸다 (크레디트 상으로는 정재일 외에 젬마 번즈가 함께 참여한 것으로 되어 있다). 하지만 ‘옥자’의 음악은 무엇을 말하고자 하는지는 너무도 분명해 보였으나, 그래서 너무 직접적이고 오히려 장면 자체를 설명하려 드는 아쉬운 부분이었다. 흔히 장면의 감성과 정반대 되는 음악을 선곡해 그 감정을 더 극대화시키곤 하는데, ‘옥자’의 음악 역시 그러한 시도를 하고 있으나 결과는 ‘그런 시도를 하려 했구나’라는 것을 알게 되는 것에 그칠 뿐이었다. 


앞서 봉준호의 영화들이 어울리지 않는 인물들, 세계관들을 동시에 가져와 균열에 가까운 부조화를 만들어 내는 것이 매력이라고 했는데, ‘옥자’의 몇몇 장면들과 음악은 아쉽지만 그저 균열과 이질감에서 멈춰버린 경우가 많았다. 이건 아마도 더 많은 관객, 그러니까 더 다양한 나라의 관객들을 상대하고 있다는 걸 감독은 물론 모든 스텝들이 인지한 상태에서 제작되었기 때문에 발생하게 된 일종의 부담감의 산물이 아닐까 싶다. 이러한 부담감(기대감)이 없을 땐 오히려 본인이 원하는 100%의 색깔을 내는 것에 더 집중하게 되는데, 좀 더 대중적인 색깔, 더 많은 색깔을 포용해야 된다는 의도가 오히려 한 두 가지 색을 분명히 낼 때보다 여러 측면에서 흐려진 결과물을 만들어 낸 것이 아닌가 싶다.



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‘옥자’에는 몇 번의 빠른 전개 시퀀스가 등장한다. 수평으로 수직으로 인물들이 추격의 형태로 이동하는 장면들은 이 장면 이전까지 끌고 오던 이야기의 긴장감을 배가 시키며 그대로 속도감을 더해 단 번에 다음 단계로 이동시키는 기능을 해야 하는데, ‘옥자’의 경우는 그 이전에도 확실한 매력을 보여주지 못한 탓도 컸지만 결정적으로 빠른 속도로 진행되는 추격의 장면들이 그리 인상적이지 못했다. 그 사이사이에 들어 있는 빛나는 유머들이 오히려 안타까울 정도로, 그 시퀀스가 끝나고 난장판이 된 채 남겨진 배경을 보면 ‘휴~’하며 잠시 가슴을 쓸어내리며 숨을 돌리기보다는 조금 허무한 감정이 들뿐이었다. 캐릭터들의 경우도 만화 속에 등장하는 인물들이 연상될 정도로 전형적으로 과장된 인물들이 많았는데, 본래 좋아하던 배우들이어서 더 아쉬움이 느껴졌다. 배우들의 연기가 아쉬웠던 것도 아니고, 그 과장됨을 통해 무엇을 말하고자 하는지도 이해되었지만, 서두에 이야기했던 것처럼 그 의도가 영화 전체와 자연스럽게 녹아들지는 못하는 것 같았다.


아쉬운 마음에 이야기를 하다 보니 어째 느끼는 것보다 더 별로라고 하는 것 같은 글이 되어버렸지만, 그건 진심으로 별로여서라기보다는 더 좋을 수 있었는데 하는 아쉬움 때문이다. ‘옥자’에서도 여전히 장면의 디테일, 설정의 디테일 하나하나는 매력적이다. 그리고 봉준호가 이 이야기를 통해 영화에서 결론을 낸 방식 역시 여전히 의미 심장하고 앞으로의 고민과 옅은 희망을 동시에 느끼게 만든다. 모두를 계몽하려고 노력하다가 실패하는 것은 오히려 쉽다. 하지만 긍정적인 변화를 위해 현실적인 (그것이 절반 이상의 실패 혹은 극소수의 승리라 할지라도)한 걸음 걷는 것을 택하는 봉준호 세계관의 결말은 이번에도 많은 것을 생각해보게 만든다.



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마지막으로 영화를 봤던 이 날, 삼겹살을 저녁으로 먹자는 말에 단호히 거절할 수 있었던 건 순전히 ‘옥자’ 때문이었다. 적어도 한 동안은 어쩔 수 없이 먹지 못하지 않을까. 바로 채식주의자가 되기로 결심하지는 못해도, 적어도 한동안은 고기를 먹지 않는(못하는) 것이, 이 영화와 마찬가지로 내가 선택할 수 있었던 가장 현실적인 선택일 것 같다.




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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해무 (海霧, 2014)

내 몰린 이들의 잔혹극


봉준호 감독의 '살인의 추억' 각본을 썼던 심성보 감독이 각본과 연출을 맡고 봉준호 감독이 기획과 제작을 담당한 영화 '해무'를 보았다. 국내 영화 계는 특히나 어떤 스타일의 영화가 갑자기 집중적으로 쏟아져 나오곤 하는데, 이번 여름은 바다를 배경으로 한 두 글자 제목의 영화가 쏟아져 나오고 있다. 이미 엄청난 기세로 기록을 모조리 갈아 치우고 있는 '명량'과 헐리우드 스타일을 가져온 여름 오락 영화 '해적', 그리고 이 작품 '해무'가 그렇다. 개인적으로 조금 다른 분류이기는 하지만 여기에 포함되지 않았던 '군도'를 제외한다면 세 작품 중에 가장 기대한 영화는 바로 '해무'였다. 봉준호 라는 이름을 빼더라도 영화의 시놉시스나 장르를 보았을 때 가장 흥미를 끄는 작품이었기 때문이다. 결론적으로 심성보 감독의 '해무'는 어쩔 수 없이 벼랑 끝으로 몰린 이들이 서로 뒤엉켜 벌이는 잔혹하고도 슬픈 이야기를 담고 있었다.



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'해무'는 기본적으로 한정된 공간 (바다 위 고기잡이 배)을 배경으로 한정된 인물들 사이에서 벌어지는 사건을 그리고 있다. 여기에 배경으로는 IMF시기를 다루고 있어 경제적으로 위기에 처한 선장과 선원들의 이야기와 역시 경제적인 이유로 목숨을 걸고 밀항을 시도하는 조선족의 이야기를 겹쳐 놓는다. 이렇게 '그럴 수 밖에 없는' 인물들의 이유를 배경으로 가볍게 설명한 영화는 바로 먼 바다로 나가 중심 사건을 진행한다. 각 캐릭터들의 이야기가 모두 설명되기에는 조금 부족한 시간일 수 밖에는 없었는데, 그래도 비교적 각자의 배경을 짧게 소개한 탓에 큰 무리 없이 녹아드는 편이고 무엇보다 이들이 처하게 되는 상황의 특성 상 이성적인 판단을 유지하기 힘든 일들이 벌어지기 때문에, 그 상황에 빗대어 각각을 바라보는 편이 흥미로웠다.


여기저기 녹이 쓸고 비린내가 진동하며 기능적으로도 수리할 곳이 많은 이 배(전진호)는 영화의 또 다른 주인공이라고 할 수 있을 텐데, 확실히 이미지 적인 측면에서는 영화의 분위기에 딱 걸 맞는 도구였다고 생각된다. 특히 기관실의 미장센은 갑판 위와 확실히 구별되는 이미지로 공포스런 분위기를 연출하는 데에 효과적으로 활용된다.계단과 계단 아래, 쇠와 철로 된 파이프들로 인해 보이지 않는 공간이 생겨남으로서 관객에게 긴장감을 전달하고 있다.



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그리고 '해무'의 또 다른 흥미로운 점은 선장을 포함해 여섯 명의 선원들이 가끔은 하나의 공동체처럼도 보이지만 사실은 다 각자의 욕망이 존재한다는 점이었다. 쉽게 생각하면 김윤석이 연기한 선장 혼자 사이코 처럼 볼 수 있지만, 사실은 그도 그렇게 된 데에 아무런 이유가 없다고 보긴 힘들고 (그가 전진호를 마치 사람처럼 대하는 마지막 장면에서는 그래서 이상하다기 보다는 안쓰러움이 느껴졌다), 김상호가 연기한 갑판장 캐릭터 역시 조직과 대의라는 것에 함몰된 인물을 엿볼 수 있었으며, 이 사고 속에서도 자신의 욕망을 채우는 것에만 몰두하는 이희준이 연기한 캐릭터 역시 전체적으로 이 이야기를 풍부하게 하는 데에 효과적이었다. 오히려 이렇게 보면 박유천이 연기한 주인공 캐릭터가 영화적으로 보았을 때는 가장 설득력이 떨어진 것처럼 보이기도 하는데, 한 편으론 그가 홍매 (한예리)에게 가졌던 감정이 인간 애인지 사랑인지 조금은 모호한 것이 이 작품에는 더 어울렸던 것 같다.



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'해무'가 더 깊은 몰입도를 전달하는 데에는 영화 음악의 공도 빼놓을 수 없겠다. '해무'의 영화 음악은 정재일이 담당했는데 긱스 출신으로 천재 소년이라는 수식어가 따라다녔던 그 정재일이 맞다. 정재일의 음악 스펙트럼이야 워낙 넓다 보니 영화 음악도 나쁠 것이라는 생각은 하지 않았지만, 기대보다도 더 멋진 영화 음악을 만들어 낸 것 같다. 바다라는 배경과 그 위에 홀로 떠 있는 배라는 한정적 공간의 분위기를 공포스러우면서도 긴장감 넘치게 만드는 데에는 음악의 힘이 컸고, 전체적으로 영화가 담고 있는 슬픔을 과장하지 않으면서도 음악의 표현 범위 내에서 가장 고급스러운 방식으로 감정을 표현해 낸 듯한 인상을 받았다. 근래 나온 한국 영화의 사운드 트랙 (스코어) 가운데 단연 인상적인 음반이었다.



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마지막으로 조금 아쉬운 점이라면, 말로 다 설명하기는 어렵지만 분명 '해무'는 끝까지 다 보여준 영화는 맞는데 기분은 뭔가 더 갈 때까지 가 봤더라면 어땠을까 하는 뒷맛이 남는 영화이기도 했다. 이야기 자체는 더 공포나 스릴러로 갈 수 있는 여지가 많은 구조라 아마도 그랬던 것 같다. 하지만 '해무'의 이야기는 본래 장르적이기 보다는 그 가운데 시대의 고통 속에서 어쩔 수 없이 사지로 내 몰릴 수 밖에는 없었던 각자의 이야기를 하나로 담는 데에 더 주목하고 있는 작품이라는 점에서, 이 잔혹극은 더 슬프게 다가왔다.



1. 이제야 관객들이 한예리 라는 이름을 기억할 수 있게 되겠네요!

2. 트위터에도 썼지만 이희준과 한예리가 함께 출연하다 보니 '환상속의 그대'를 떠올리지 않을 수 없더군요. 그래서 극 중 이희준의 집착이 왠지 이유 있게 느껴졌다는 ㅎ

3. 본래는 극단 연우무대의 작품이 원작으로 알고 있는데, 연극 무대에서는 이 작품이 어땠을지 궁금해지네요.




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 
  
본문에 사용된 모든 스틸컷/포스터 이미지는 인용의 목적으로만 사용되었으며,
모든 이미지의 권리는 (주)해무 에 있습니다.



요 근래는 제대로 된 블루레이 지름이 참 뜸했었는데, 지난 주에 오랜만에 프랑스 아마존에서 주문한 '설국열차 블루레이 한정판'이 다행히도 무사히 도착했다. 이미 지른 분들의 소감을 빌리자면 프랑스 아마존의 배송 상태가 좋지 못하다는 이야기가 많아 좀 걱정을 했었는데, 다행히도 아무런 파손 없이 양품을 받을 수 있었다. 설국열차 블루레이는 국내에도 정식으로 발매될 예정이지만, 좋아하는 작품이기도 하고 프랑스 버전이 소장가치가 높아 보이기에 주저 없이 지름.



이번 한정판엔 총 두 가지의 아트북이 수록되었는데 첫 번째는 영화의 인물 들과 스텝들 소개 등 기본적인 내용들을 담고 있는 아트북을 먼저 만나볼 수 있다. 사진들의 퀄리티도 좋고, 분량도 적지 않아 만족감이 높음.



두 번째 아트북은 Jean-Marc Rochette의 컨셉 일러스트 들이 수록되어 있다. 이 역시 퀄리티 높은 작품들이라 충분한 소장가치를 느낄 수 있음.



그리고 스틸북. 스틸북 디자인이 정말 잘 빠졌다. 스틸북 만으로도 사고 싶은 욕구가 강했었는데 막상 손에 쥐고 나니 더 만족.



타이틀은 코드B에 자막도 프랑스어 뿐이지만 설국열차를 좋아하는 이들이라면 소장용으로 나쁘지 않을듯.

참고로 국내에서는 아트서비스를 통해 정식 출시될 예정인데, 국내에도 역시 아트북 등을 포함한 한정판 출시 계획이 있다고 하니 기대가 된다.



글 / 사진 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)  
 


  1. 익명 2014.06.04 13:39

    비밀댓글입니다

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2014.06.04 22:18 신고

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설국열차 (Snowpiercer, 2013)

질서와 균형, 굴레를 벗어나



봉준호 감독의 신작이자 그의 첫 번째 헐리웃 진출작 '설국열차 (Snowpiercer, 2013)'를 보았다. 두 번 보았다. 사실 이 작품은 비슷한 시기에 헐리웃을 통해 선보였던 박찬욱, 김지운 감독의 작품과는 달리 대규모 예산이 투입된 작품이자 초호화 캐스팅으로, 상대적으로 더 큰 기대감을 가졌던 작품임을 부정할 수는 없을 것이다. 수 년 전에 구입했던 원작 만화도 일부러 개봉 전 보지 않은 것은, 오롯이 봉준호의 영화를 즐기고 싶었기 때문이기도 했다. 그렇게 큰 기대를 안고 본 '설국열차'는 봉준호 감독의 신작이라는 점을 감안한다면 '역시'와 '하지만'이 공존하는 작품이었다. 그래서 두 번을 연달아 보았는지도 모르겠는데, 결론적으로는 '역시' 생각할 거리와 이야기할 거리를 여럿 생산해 냈다는 점 만으로도 만족스러운 작품이었다.


(내용에 관한 스포일러가 있을 수 있습니다)



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지구 온난화를 막기 위해 개발한 프로젝트가 오히려 빙하기를 가져오게 되 인류가 오로지 영원히 달리는 열차 안에 존재하게 된다는 영화의 배경은, 이 영화가 담고 있는 테마를 그대로 보여주는 서두 이기도 하다. 꼬리 칸에 살고 있는 빈민들이 반란을 일으켜 맨 앞 칸으로 전진해 이 체제를 운영하고 있는 이를 향해 도전한다는 이야기는 얼핏 체제 전복의 텍스트로 보기 쉽지만, 사실 이 영화가 말하고자 하는 건 이 보다는 오히려 질서와 균형 그 자체와 이를 벗어나려는 시도 자체라고 볼 수 있을 것이다. 반대로 얘기하자면 체제 전복을 꿈꾸는 주인공들의 이야기로 보기에는 맥락이 맞지 않는 부분들이 많다는 것이며, 인물들이나 한 칸 한 칸 전진할 때 마다 등장하는 그 다음 칸의 모습 역시 꼬리 칸의 모습과 상대적인 위치에 있다고 보기 힘든 모습을 하고 있다는 점이다. 이 영화를 보며 흥미로웠던 지점은, 주인공 커티스를 중심으로 한 꼬리 칸 사람들의 분노나 억울함의 표출 등이 아니라 (만약 이것이 포인트였다면 영화는 없는 시간을 할애해서 라도 꼬리 칸 사람들의 고통을 초반에 더 묘사해야만 했을 것이다), 전진할 때마다 더 확고해지는 균형과 질서에 관한 메시지였다.



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맨 뒤에서 부 터 맨 앞 까지 한 칸 씩 전진한다는 설정은, 마치 만화에서 자주 등장하는 설정처럼 한 칸 씩 전진할 때마다 더 강력한 적과의 대결이 기다리고 있다 거나 더 혹독한 조건을 만나게 돼, 결국 최종 보스와의 결투(?)를 자연스레 고대 하게 되는데, '설국열차'의 내용은 이와는 전혀 다르다고 해도 무방할 것이다. 한 칸 한 칸 전진하는 것은 맞지만, 엄밀히 따지면 꼬리 칸과 맨 앞 쪽 엔진 칸의 사람들만 서로를 인지하고 반응할 뿐 중간에 위치한 다양한 사람들은 이 반란이나 억압에는 전혀 관심조차 없다. 만약 이 영화가 계급 사회에 관한 이야기를 그리려 했다면 열차 칸이 엔진 칸에 가까워 질 수록 상하 관계를 더 분명히 했을 텐데, 영화는 초반 꼬리 칸 사람들이 멀리 나마 볼 수 있었던 그 영역을 넘어서는 순간 전혀 다른 분위기의 세계를 등장 시킨다.



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그냥 중간 이라고 만 표현해도 될 정도로 꼬리 칸의 주인공들이 엔진 칸으로 전진하는 과정 중에 만나게 되는 풍경들은, 그 과정 정도로만 묘사될 뿐이다. 그러니까 여기에는 그 칸의 성격에 따른 이슈나 담론이 발생하는 것이 아니라, 그냥 커티스 일행과 이를 막으려는 윌포드가 보낸 이들이 부딪히는 배경 장소로 밖에는 활용되지 않고 있는 것이다. 그런데 바로 그 점이 오히려 생각할 거리를 던진다. 균형과 질서에 대해 이야기하는 이 영화는 여러 번 극 중 인물들의 대사를 통해 '각자의 자리를 지키는 것'에 대한 이야기를 하는데, 그런 측면에서 보았을 때 이 다양한 중간 칸 사람들의 모습은 자신의 역할을 자신의 자리에서 충실히 하고 있는 것으로 보인다. 즉, 클럽에서 파티를 하고 약에 취하고(크로놀), 고급 식사를 즐긴다던가 여유롭게 사우나나 뜨개질을 즐기는 모습들은 '잘못된' 것으로 묘사되기 보다는, 오히려 주인공 일행이 극 중 겪었던 것처럼 당황스러울 정도의 의아함을 주기는 하지만 정상적인 것으로 묘사된다. 그것은 다시 말해 이 질서가 반드시 깨야 할 것이라든지, 잘못된 것이라는 일방적인 판단을 유보하게 만든다.


후반부 드디어 윌포드를 만난 커티스는 윌포드에게 이 계속 달려야만 하는 열차의 균형을 위해 질서 유지에 대한 거대한 이야기를 듣게 되는데, 사실 따지고 보면 윌포드의 논리에 어느 정도 수긍이 가는 편이다.  그렇게 윌포드를 증오 했던 커티스조차 그의 제안을 따라 그의 자리를 맡는 것이 이 질서를 유지하는 데에 더 나은 결정이라고 생각했을 정도로, 이것은 굉장히 위험한 결정인 동시에 그럼에도 그것이 가장 다수를 만족 시키는 방법 이라고도 할 수 있을 것이다. 입장을 바꿔서 생각한다면 윌포드의 이 방법은 쉽게 말해 맘에는 안 들지만 그 것 밖에는 없었을지도 모르겠다고 인정할 수 있다는 얘기다.


영화가 이 메시지에 더 힘을 실어주기 위해 든 비유는 바로 수족관의 비유였다. 자연(自然) 상태가 아닌 한정된 상황에서 개체의 수를 유지하기 위해서는 어쩔 수 없이 인위적인 조정과 관리가 필요하다는 얘기였는데, 윌포드는 바로 이 원리를 열차의 모든 칸에 적용하여 남은 인류를 유지할 수 있었던 것이다. 그리고 이것은 부정할 수 없는 영화 속 사실이기도 하다. '설국열차'는 이렇듯 이쪽 끝에서 다른 쪽 끝으로, 구세대를 청산하고 새로운 세대로만 가자는 단순한 텍스트는 아니다. 좀 더 풀어서 이야기하자면 구세대의 상황과 논리를 충분히 인정하면서도 (그럼에도 불구하고) 전혀 다른 새로운 세대로 나아가야만 한다는 메시지를 담고 있다. 만약 '설국열차'가 오롯이 커티스의 이야기였다면 영화는 더 단순 했을 테지만, 이 영화엔 커티스의 전진을 돕기도 방해하기도 하는 존재가 있었으니 바로 남궁민수와 그의 딸 요나가 그 주인공이다. 그들에 대한 이야기는 곧 다시 하기로 한다.



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'설국열차'를 보는 내내 워쇼스키의 '매트릭스'를 떠올렸는데, 두 작품의 전하고자 하는 바는 한 편으론 비슷하지만 잘 따져보면 전혀 다른 이야기라고 할 수 있을 것이다. 자연스럽게 '매트릭스'를 떠올렸던 건 열차라는 작은 세계(하지만 곧 인류 그 자체)가 존재하기 위한 균형과 질서로서 성립되는 각 인물들과 열차 칸 들의 성격 때문이었는데, 윌포드는 마치 아키텍트와 같이 감정적이기 보단 전체를 냉정하게 바라보는 신과 같은 존재로 볼 수 있겠지만 그렇다고 해서 커티스를 네오와 같은 구세주로 보기는 어려울 것이다. 이것이 이 영화가 구원이나 체제 전복, 계급 사회 등에 관한 이야기를 하는 영화가 아니라는 이유이기도 한데, 커티스는 오히려 이 거대한 질서의 균형을 위해 반드시 필요한 존재라고, 거대한 톱니 바퀴가 돌아가기 위한 제법 큰 또 다른 톱니 바퀴였다고 할 수 있을 것이다. 사실 이런 형태의 영화에서 이 자체가 반전이라고 보기는 어려운데 (윌포드와 길리엄이 같은 지향 점을 공유하고 있는 동지였다는 점이나, 결국 이 거대한 질서를 위해 커티스가 윌포드의 후계자로 사실상 길러져 온 것 자체 말이다), 이 영화가 비슷한 이야기를 다룬 다른 작품들과 조금 달랐던 건 바로 그 다음, 그 다음의 선택이었다.



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보통 이러한 구조의 이야기를 그린 영화들의 결말을 보면, 무언가 자신이 해결할 수 있다고 믿었던 주인공이 결국 제자리를 맴돌고 있었다 거나 아무것도 할 수 없다는 사실에 도달했을 때 그 허무함의 충격으로 메시지를 주는 경우가 많았다면, '설국열차'는 여기서 그치지 않고 이 상황에서 힘겹게 발휘된 주인공의 자유 의지를 통해 굴레를 벗어난 새로운 세상의 희망을 꿈꾸고 있다. 앞서 이야기했던 것처럼 이 영화가 정말 현 시대의 암울함이나 미래의 어두운 면을 다루려 했다면, 아마 관객의 지지를 받았던 커티스가 결국 종극에 다다랐을 때 윌포드의 논리에 수긍할 수 밖에 없어 또 다른 윌포드가 되고 마는, 그래서 열차는 계속 달리고 남은 인류는 또 다음 사이클을 기다리게 되는 것으로 끝을 맺었을 것이다. 하지만 '설국열차'는 이를 선택하지 않았다. 이제 앞서 잠시 뒤로 미뤄둔 남궁민수와 요나에 대한 이야기를 꺼낼 때다.



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극 중 남궁민수는 윌포드를 무찌르거나 엔진 칸을 차지하는 것 대신, 열차 밖을 탈출하고자 하는 계획을 말미에 드러내는데, 이를 얘기하기 위해서는 극 중에서도 설명했던 이누이트 족 여인에 대한 이야기부터 시작해야 할 것이다. 극 중에서는 구체적으로 묘사되지 않지만 봉준호 감독은 인터뷰를 통해 요나의 어머니, 그러니까 남궁민수의 부인이 바로 이누이트 족 여인이라는 점을 밝혔는데, 극 중 남궁민수가 열차 밖을 나가야겠다는 계획을 세우게 된 데에는 아마도 그 여인의 행동이 가장 큰 영향을 미쳤을 것이다. 그녀가 열차 밖을 나가 몇 발자국 못가 죽음에 이르렀을 때 바로 깨닫게 된 것은 아니겠지만, 분명 그녀의 죽음으로 인해 오히려 전혀 가능하다고 믿지 않았던 그 가능성에 대해 조금씩 생각해 보게 되는 계기가 되었을 것이다 (그로 인해 눈이 녹고 있는 지를 확인해 봐야겠다는 생각 자체도 하게 되었을 것이다).


그런데 이 작품이 더 흥미로운 건, 영화가 허락한 열차 밖 세상의 주인공은 커티스는 물론이요 남궁민수도 아닌, 이 열차에서 태어난 요나와 열차의 동력으로 활용되었던 또 다른 어린 아이라는 점이다. 이 작품은 송강호와 고아성이 부녀 관계로 다시 등장하는 것 외에도 결말 부분에 있어서 봉준호 감독의 전작 '괴물'을 떠올리게 하는데, 남겨진 아이라는 테마 때문일 것이다. 요나와 또 다른 아이에게만 생존 가능한 기차 밖 세상을 허락했다는 건, 이 영화가 어른이나 기성 세대가 저지른 잘못에 대한 반성의 의미를 내포하고 있다고 볼 수 있을 것이다. 한 편으론 무서울 정도로 엄격한 반성의 잣대인데, 자신의 잘못을 반성하고 더 많은 사람들과 함께 더 나은 삶을 꿈꿨던 커티스에게도, 오래 전부터 열차 밖 세상의 가능성을 꿈꿨던 남궁민수에게도 허락하지 않았던 것은, 한 편으론 새로운 세대가 중심이 된 새로운 세상을 허락하지 않았다는 의미도 될 수 있겠지만, 반대로 생각해보자면 오히려 진심으로 반성하고 잘못을 씻을 수 있는 기회를 제공했다는 긍정의 의미로도 볼 수 있을 것이다. 특히 극 중 커티스가 내내 자신의 오래된 잘못으로 인해 고통 받고 스스로를 옥죄었다는 점을 떠올려 본다면, 이 결말은 그들에게 진정한 속죄의 기회를 준 것이라고 봐도 좋을 것이다.



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'설국열차' 에서 개인적으로 가장 움찔 하게 되었던 장면은 말미에 남궁민수가 급박한 상황에서 부탁을 하게 되는데, 요나가 정색한 얼굴로 '싫어'라고 얘기하는 장면이었다. 그냥 요나의 성격이 좀 이상하고 유별나서 그런 것이라고 대수롭지 않게 생각할 수도 있겠지만, 그 동안 비교적 아버지를 잘 따랐던 요나가 극적인 순간에 와서 아주 단호하게 정 반대의 감정 표현을 하는 장면은, 마치 영화의 결말이 그러하듯 새로운 시대에는 남궁민수와 함께 할 수 없음을 암시하는 듯 했다. 


'설국열차'는 결국 구세대의 종말과 새로운 세대의 시작을 담은 작품이다. 영화의 배경이 된 빙하기라는 것 자체가 한 시대의 결말이자 새로운 시대를 준비하는 과정의 의미를 담고 있는 것처럼, 이 영화는 구세대가 스스로 자초한 빙하기로부터 시작해 그들의 종말(설국열차는 다양한 소품들을 통해 멸종, 종말에 대해 자주 언급한다)을 이야기한다. 그리고 앞서 언급 했던 것처럼 여기서 그치지 않고 그 종말의 과정에서 멸종되지 않고 살아 남은 새로운 세대의 시작을 희망하는 것으로 결론을 내린다. 이 영화의 마지막은 분명 희망적이다. 혹자는 그렇게 살아남은 어린아이들의 앞에 또 다른 먹이 사슬의 상위 포식자인 북극곰이 등장한 것을 두고, 절망적인 결말이라고 얘기하기도 하는데, 이 영화가 러닝 타임 내내 보여주었던 구세대의 종말 만으로도 이 영화의 결말이 맞은 상황은 분명 싸워서 이겨내 살아볼 가치가 있는 새로운 희망의 시대일 것이다. 봉준호의 '설국열차'는 그렇게 질서와 균형을 이야기하는 가운데 굴레를 벗어난 희망에 대해 이야기하는 작품이다.




ⓒ 모호필름. All rights reserved


1. 봉준호 감독의 영화가 흥미로운 건 항상 여러 담론을 이끌어 낼 수 있는 여지가 있다는 점 그 자체에요. 봉준호 감독이 이를 의도하지 않았다고 하더라도 말이죠.


2. 세계관이나 디자인 적인 측면에서 게임 '바이오 쇼크'가 연상되는 장면들이 많았어요.


3. 개인적으로는 틸타 스윈튼의 연기야 뭐 더 말할 필요 없이 만족스러웠지만, 출연하는지도 잘 몰랐던 앨리슨 필의 등장이 더 반가웠어요! 캐릭터도 마음에 들고!


4. 좀 아쉬운 점이라면 액션 연출이 조금은 진부한 느낌이었고, 영화 음악은 거의 도움이 되지 못하는 듯 했어요.


5. 뭔가 더 할 얘기가 있었던 것 같은데 다 정리가 안되네요 ㅎ 기회가 되면 봉감독님 만나서 직접 인터뷰도 하고 얘기 나누고 싶네요!! ㅎㅎ


6. 마지막은 <설국열차> 관련 제가 시도한 인증샷 들 ㅋㅋ




프로틴 블록과 함께 한 진정한 4D 관람 인증샷!



'Are you 냄궁민수?'





글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  

본문에 사용된 모든 스틸컷/포스터 이미지는 인용의 목적으로만 사용되었으며,
모든 이미지의 권리는 모호필름 에 있습니다.


 


  1. Favicon of http://sinnanjyou.tistory.com BlogIcon 제이유 2013.08.07 14:35

    ㅋㅋㅋㅋㅋㅋ 열심히 읽어내려오다가 마지막에 빵! ㅎㅎ
    저도 단백질 블록을 챙겨들고 갔어야 했는데...
    근데..저 진동벨은 예상밖이네요. ㅋ



현 시점에서 가장 기다려지는 작품 중 하나인 봉준호 감독의 헐리웃 데뷔작 '설국열차 (Snowpiercer)'의 새로운 캐릭터별 스틸컷이 공개되었습니다. 이번 캐릭터 스틸은 예전 홈페이지를 통해 신청을 받았던 여권에 포함된 컷들인데, 이렇게 웹상으로도 함께 공개가 되었네요.


저도 신청했었는데 아직 도착을 안 해서 오매불망 기다리고 있는 중 ㅠㅠ

저도 얼른 여권이랑 티켓 수령하고 공식카페에도 가입하고 싶어요!

주변을 확인해본 결과 받으신 분들과 못 받으신 분들이 적절히(?) 섞여 있는 걸 보니, 양이 많아 순차적으로 발송이되고  있는 듯 합니다.


아... 스틸컷 들을 보니 영화가 어떨지 더욱 더 기대되네요!












이런 캐스팅을 한 작품에서 만날 수 있다니, 더 나아가 봉준호 감독 작품에서 만나볼 수 있다니.. 다시 생각해봐도 믿기 어려운 일인 것 같 아요. 영화를 보고 난 뒤에야 실감할 수 있을 듯.



얼른 도착해라! 설국열차 탑승권!




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

 



  1. jolgaewang 2013.08.07 10:15

    도착해라 설국 리뷰!! 리뷰 보고싶어요 아쉬타카님



팝 칼럼니스트 김태훈의 저서 '김태훈의 랜덤 워크'를 읽던 중 한 문장이 하나의 글감을 제공했다. 그는 1960년대를 두고 '지미 헨드릭스와 제니스 조플린이 신보를 발표하고, 고다르와 트뤼포의 신작을 극장에서 만나볼 수 있었던 시대'라
고 이야기했는데, 개인적으로도 이런 비슷한 생각을 한적이 많았던 터라 공감이 많이 되는 구절이었다. 나도 가끔, '영웅본색', '첩혈쌍웅' 등 홍콩 느와르의 전성기를 이끌던 그 당시 개봉관에서 이 주윤발을 보았더라면 어땠을까, 비틀즈라는 밴드의 시작부터 마지막을 지켜볼 수 있었으면 어땠을까, 무하마드 알리의 경기를 TV라이브로 즐겼다면 어땠을까, '스타워즈 - 에피소드 5'의 그 유명한 대사를 개봉 당시 실제로 들었더라면 과연 그 충격이 어땠을까 등 비디오나 후일담으로 전해들은 전설의 이야기들을 리얼타임으로 즐길 수 있었다면 얼마나 행복했을까 생각해보곤 했었다.

매번 이런 생각은 이렇듯 부러움에서 그치곤 했는데 오늘은 무슨일인지, 그간 내가 살아온 시대를 돌아보게 했다. 그러고보니 내가 살아온 길지 않은 이 시대도 충분히 아름다운, 아니 후세에 누군가는 지금의 나처럼 반드시 부러워할 만한 시대를 살아왔다는 것을 새삼 느낄 수 있었다.




영화를 되돌아본다면, 피터 잭슨의 '반지의 제왕' 3부작과 워쇼스키 형제의 '매트릭스' 3부작을 모두 극장에서 즐길 수 있었으며, 앞서 부러워했던 '스타워즈' 시리즈의 프리퀄 3부작 역시 전야제라는 행사를 통해 팬들이 모여 그 유명한 오프닝롤이 등장할 때 극장에서 환호를 보내며 즐길 수 있었다 (이 얼마나 축복인가!). 그 뿐인가 '메멘토'부터 시작해 '인썸니아' '프레스티지' 그리고 '다크나이트'로 이어지는 크리스토퍼 놀란의 시작과 성장을 아직도 지켜보는 중이며, 코엔 형제라는 세기의 천재 감독의 영화를 개봉관에서 만나볼 수 있는 동시에 레오나르도 디카프리오가 소년에서 남자로 변해가는 과정을 하나도 빠짐없이 목격할 수 있었다. 또한 이소룡의 영화를 비록 극장에서 즐기지 못했지만, 우리에겐 성룡이라는 형님을 모실 수 있었으며, 박찬욱, 봉준호, 홍상수 같은 우리 감독들의 세계적인 작품도 안방에서 즐길 수 있었다. 아, 그리고 장국영이라는 별을 갖을 수 있었고 미야자키 하야오와 스튜디오 지브리의 작품들, 픽사라는 영민한 스튜디오, 에반게리온이라는 걸작을 무려 극장에서 만나볼 수 있었다.

사실 이걸 하나하나 말하자면 절대 다 말할 수 없을 정도로 우리는 현재에 많은 행복을 누리고 있다. 영화 팬들이라면 누구나 예전 영화들을 극장에서 볼 수 있었으면, 지금은 지긋한 나이의 배우들의 한창 때를 누릴 수 있었으면 하는 바램이 있기 마련인데, 아마 이 다음 세대는 분명 '스타워즈의 그 유명한 테마 음악을 극장에서 들을 수 있었으면 얼마나 좋았을까요' '히스 레저의 연기를 매번 극장에서 즐길 수 있었다면 얼마나 행복했을까요'라는 부러움을 갖게 될 것이다. 우리가 누리고 있는 현재는 분명 다음 세대가 충분히 부러워할만한 시대다.




음악은 또 어떤가. 개인적으로 존 레논과 동시대에 살았다면 얼마나 좋았을까 하는 생각을 매우 자주 하곤 하지만, 아마도 이 다음 세대는 마이클 잭슨의 문워커를 TV를 통해 볼 수 있었다면, 그의 신보를 몇년마다 들어볼 수 있었다면, 내한 공연을 볼 수 있었더라면 하는 부러움, 아니 마치 꿈과도 같은 상상을 하게 될 것이다. 그렇다. 내겐 그리고 우리에겐 마이클 잭슨이라는 세기의 아티스트가 있었다. 아마도 이건 우리 세대에 가장 큰 축복일런지 모른다. 또한 U2, 라디오헤드, 뮤즈, 레드 핫 칠리 페퍼스, R.A.T.M 등 수 많은 밴드들은 물론 bjork, beck, sigur ros, 프린스 등 개성있고 자신만의 세계가 확고한 뮤지션들의 신보를 흔치 않게 음반샾에서 만나볼 수 있었다.

멀리 해외로 나가지 않더라도 다음 세대가 부러워할 만한 자산들이 많은 세대였다. 한 앨범이 100만장 넘게 팔리던 상황을 목격한 마지막 세대였으며, 좋아하는 아티스트의 음반을 사기 위해 동네 음반샾에 미리 가서 예약표를 발권받거나 발매일 음반샾 앞에 아침부터 길게 줄을 서본 마지막 세대였다. 또한 우리는 서태지와 아이들이라는 레전드 아티스트의 결성부터 해체까지를 모두 확인했으며, 시간이 지나도 빛이 발하지 않는 댄스 음악을 만들었던 듀스를 TV음악 프로에서 만나볼 수 있었음은 물론, 윤종신이라는 사람을 '예능 늦둥이'가 아니라 애절한 발라드를 부르던 '가수'로서 갖을 수 있었다.  




그냥 우연히 이런 생각을 해보게 되었다. 내가 누린 얼마 되지 않은 과거의 시대와 현재 누리고 있는 시대 역시 누군가는 반드시 부러워할 만한 시대라는 것. 내가 과거의 시간들을 부러워 하는 것처럼, 내가 지금 살고 있는 이 시대도 무척이나 아름다운 시절임을 새삼 느낄 수 있었다. 그렇기에 나는 지금 이 시절을 더 치열하게 즐겨야 한다.



 글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)




  1. Favicon of http://mcdasa.cafe24.com BlogIcon mcdasa 2010.07.02 17:30

    전 마이클잭슨의 This is It 기자회견에 뛸 듯이 기뻐했고,
    그가 떠난날 아침 친구들이 보내준 문자에 절망했죠.

    하지만 여전히 그의 음악은 제 아이폰의 favorite!

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2010.07.02 17:39 신고

      저도 그랬어요. 뛸듯이 좋아했다가 너무 많은 눈물을 흘렸죠 ㅠ

  2. Favicon of http://toice.net/blog BlogIcon toice 2010.07.05 23:05

    전혀 다른 관점이지만 같은 맥락으로 저는 박찬호 선수의 전성기를 봤다는 것이 너무 기쁩니다 ㅎㅎ

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2010.07.05 23:14 신고

      맞아요, 저도 다저스 시절을 함께 했다는 것만으로도 행복했네요~




마더 (Mother, 2009)
그녀의 이름은 마더


<플란다스의 개> <살인의 추억> <괴물>을 연출했던 봉준호 감독의 <마더>는 박찬욱 감독의 <박쥐>와 홍상수 감독의 <잘알지도 못하면서>와 더불어 올해 한국영화 가운데 가장 큰 기대작이었다. 박찬욱과는 다르게 또한 홍상수와는 다르게 자신만의 영역을 확실히 하고 있는 봉준호 감독은, 앞선 두 감독들 보다는 좀 더 대중적이면서도 그 안에 자신이 하려는 이야기를 잘 녹여내는 동시에 '봉테일'이라는 별명을 얻었을 정도로 완성도와 짜임새 면에서는 항상 만족감을 주었던 감독이기에, 그의 2009년 신작 <마더>는 태생부터 기대하지 않을 수 없었던 작품이었다. 더 적나라하게 얘기하자면 국민 엄마로 불리우는 김혜자씨의 캐스팅도, '얼마면 돼'를 외치던 꽃미남 원빈의 복귀작이라는 이유는 전혀 관람에 영향을 주지 않았다고 해도 과언이 아닐 정도로, <마더>에 대한 기대는 오롯이 감독인 봉준호에 대한 것이었다.

더 기대가 되었던 것은 개봉 전 알려져있던 대략의 시놉시스였다. 조금은 모자란 아들 도준(원빈)이 살인사건에 억울하게 휘말리게 되면서 이를 구하기 위해 어머니인 '혜자'가 (크레딧에는 이름 없이 '마더'라고만 표기되지만 각종 인터뷰를 통해 감독은 이 역할을 '윤제문 - 제문' '전미선 - 미선'과 마찬가지로 '혜자'라고 부르고 있음을 알 수 있었다) 직접 나서게 된다는 것이었는데, 대략의 줄거리만 놓고 보았을 때 이 영화는 브라이언 싱어의 <유주얼 서스펙트>가 되거나 수오 마사유키의 <그래도 내가 하지 않았어>가 되리라고 생각했었다. 하지만 이 시놉시스를 놓고 보았을 때는 누가 범인인지를 가지고 <유주얼 서스펙트>식으로 풀어내기에는 부족한 부분이 너무 많아보였다. 그렇다면 <그래도 내가 하지 않았어>와 같은 주인공의 심정에 완전히 동화된 작품이 나올 것인가 하면 이 쪽은 봉준호 감독의 스타일과는 좀 맞지 않는 부분이 있었다.

결국 봉준호 감독은 반전 자체가 핵심이 되기 보다는, 자신의 작품들이 항상 그래왔던 것처럼 사건 자체의 구조보다는 그 안에서 한국사회 특유의 문제점을 꼬집는 동시에 사건에 휘말리게 되는 인물이 겪는 심리상태와 갈등에 더욱 집중하는 영화를 선사하고 있다. 이 영화가 비슷한 줄거리의 영화들과 다른 점이 있었다면 그 것은 주인공이 바로 '엄마(mother)'였다는 점일 것이다.



(이후 부터는 내용에 관한 스포일러가 있습니다. 원치 않는 분들께서는 맨 마지막 단락으로 이동해주세요~)




(홀로 들판에서 춤을 추는 영화의 첫 장면은 슬프다 못해 너무 아름다운 장면이었다)

줄거리만 놓고 보자면 이건 완전 신파 드라마 연속극으로 그리기 딱 좋은 이야기가 아닐 수 없었다. 자신에겐 전부인 아들을 구해내기 위해 역시 자신의 모든 것을 바치게 되는 어머니의 모습은 우리내 정서와 맞물려 찡한 감동을 불러일으키기 손쉬운 이야기였다. 하지만 봉준호 감독이 이렇게 완만한 드라마를 만들리는 만무한 일. 감독은 살인사건이라는 소재를 가져와 직접적으로는 아들과 어머니의 관계에 대해, 부수적으로는 한국 사회의 병폐들, 그리고 더 나아가서는 한 인간의 집착이 얼마나 잘못된 행동들을 정당화 하게 되는지 그리고 눈에 쉽게 보이는 것들 즉 믿고 싶어하는 것들의 허구가 얼마나 많이 인간 스스로를 세뇌시키는지에 대해, 그 시작과 과정 그리고 모든 것이 끝나는 마지막까지 마치 춤추듯 리듬을 타며 전달하고 있다.

그러기 위해서는 먼저 영화 속 엄마와 도준의 관계를 살펴볼 필요가 있다. 도준은 약간 지체를 겪고 있는 어른으로서 혜자에게는 항상 걱정거리다. 시간 맞춰 약을 먹이고 약 먹다가 도망쳐버리는 도준을 잡기 위해 버스 뒤를 쫓기도 하고, 쉽게 말해 하나 부터 열까지 다 보살펴주려고 애를 쏟고 있다. 그런데 이 둘의 관계는 단순히 홀어머니와 부족한 아들로만 미뤄 생각하기엔 너무 흥미로운 점들이 많다. 이 영화에서는 상당히 아슬아슬하게 성적인 코드가 담겨있는데, 그 대상이 어머니라는 점에서 더 흥미롭게 다가오는 듯 하다. 밤 늦게 집에 돌아와 자리에 눕는 도준은 옆에 누워있는 엄마의 젖가슴을 만지며 잠이든다. 그리고 밥상 머리에서 삼계탕을 먹으며 정력에 좋다는 얘기를 나누며 '정력은 있어서 어디 쓸 데나 있어?'라며 수줍게 도준에게 묻기도 한다. 물론 정말 제 몸 같은 자식에게 갖는 어머니로서의 모정으로 이해할 수도 있는 부분이겠지만, 영화 속 혜자의 미묘한 표정들과 대사들은 단순한 '모정'이라고만 보기엔 어려운 것이 사실이다. '정력은 뒀다 모하게?' '잘 여자나 있어?'라고 물어볼 때 혜자의 표정과 목소리는 미묘하게 떨린다. 이는 단순히 자식이지만 이런 말을 나누기가 민망해서라기 보다는 모정 그 이상의 존재 대 존재로서의 사랑이 존재하는 것으로 느껴지기도 한다. 만약 정말 모정만으로 이런 얘기를 나눴다면 아마도 <박쥐>에서 라여사가 강우에게 그랬던 것처럼 되어야 했을 것이다.



(영화 초반 노상방뇨를 하고 있는 도준을 따라가 약을 먹이는 장면은 정말 여러가지를 은유하고 있는 장면이라 할 수 있겠다. 먹는 것과 배설이 동시에 일어나는 그로테스크한 묘사는 물론, 도준이 떠나고 나서 그 현장을 지우기 위해 애써 발을 움직이는 혜자의 모습은 앞으로 일어날 여러가지 일을 암시하기도 한다)

혜자의 캐릭터를 보았을 때 앞선 것들과 같이 성적인 코드로 읽을 만한 장면은 더 있다. 범인으로 의심되는 진태에게서 증거를 잡아내기 위해 진태의 집 안 옷장에 숨었을 때 혜자는 진태와 술집 맨하탄 집 딸이 정사를 나누는 장면을 보게 된다. 여기서도 카메라의 위치 등을 고려해 보았을 때 감독은 분명 혜자의 숨겨진 성적 코드를 의도하고 있다고 보여진다. 아들 같기도 하고 다른 한 편으론 마치 집 나간 남편처럼도 느껴지는 진태가 성관계를 갖는 모습을 바라보는 혜자의 시선에서는 묘한 감정이 느껴지는데 이것 역시 민망함만으로는 설명될 수 없는 것이다. 그 이후 문아정의 친구의 부탁으로 마트에서 생리대를 사다주는 장면에서도 점원의 의심스런 눈초리와 혜자의 얼굴을 번갈아 보여주는 컷도 이런 점에서 이해할 수 있을 것 같다. 또한 영화에서 서 너 차례나 반복되는 '도준이는 엄마랑 잔다며' 식의 농담도 한 두 번은 그저 모자라 보이는 도준의 캐릭터를 설명하기 위해 삽입할 수 있는 대사였겠지만 이렇게 여러 번 언급되는 것 또한 같은 의미라 할 수 있겠다(그런 의미에서 남학생이 '진짜 엄마랑 자요?'라는 식으로 얘기했을 때 진태가 화를 내는 장면은 혜자와 진태에 관계를 생각해봄에 있어 또 다른 흥미로운 점을 남긴다).

진구가 연기한 진태 캐릭터에 얘기가 나온 김에 더 해보자면, 이 '진태'라는 캐릭터도 쉽게 종잡을 수가 없는 캐릭터다. 처음에는 혜자의 시선처럼 진태가 문아정의 살해범으로 생각되기도 했지만 결국 진태는 용의 선상에서 멀어지게 된다. 자신을 의심한 혜자에게 거액을 요구할 때는 다시 나쁜 놈처럼 보이기도 하지만, 그 이후에 도준의 결백을 밝혀내려 혜자를 돕는 모습은 그저 까칠할 뿐 살해범이라던가 아주 나쁜 이는 아니구나 라는 생각도 하게 된다. 그리고 '이 동네 전체가 좀 이상해...'라는 식으로 얘기할 때는 마치 모든 것을 다 꿰뚫고 있는 듯한 뉘앙스마저 풍긴다. 얼핏보면 그저 작은 시골 마을에서 힘을 내세워 권력을 얻으려는, 그래서 아마도 나중에는 이 지역의 국회의원이나 공직을 차지할 것만 같은 진태의 모습은 이 영화 <마더>의 또 다른 흥미로운 점이다. 하나 아쉬운게 있다면 무언가 흥미로운 구석은 많이 남겼지만 결국 별다르게 결론짓지 않은 채 마무리 지어버렸다는 것이랄까. 하지만 다른 한편으로 생각해보자면 진태 라는 캐릭터에 대해서는 굳이 다 설명할 필요가 없었는지도 모르겠다.



(진태라는 캐릭터는 아주 흔한 캐릭터 같으면서도 굉장히 이해하기 어려운 캐릭터이기도 하다)

따지고 보면 '아무도 믿지마, 나도 믿지마'라는 진태의 대사는 관객들에게로 향하고 있는 것일지도 모르겠다. 관객들은 언제나 처럼 주인공인 혜자에게 동화되어 그녀가 보고 믿는대로 역시 믿게 되지만 영화의 결론처럼 실제 사건의 결론은 혜자의 믿음을 배신하고 있다. 진태의 말대로 주변의 도움없이 혼자의 힘으로 사건을 추리해 가던 혜자는 고물상을 운영하고 있는 한 노인이 진짜 범인임을 알게 되는데, 범인이라는 증거를 확보하거나 스스로 확인하려고 만났던 이 노인에게서 정작 진짜 범인은 도준이었다는 사실을 전해 듣고 충격에 휩싸이게 된다. 하지만 혜자에게는 오로지 '도준이 범인은 아니다'라는 진리와도 같은 맹신 밖에는 없기 때문에, 그 노인의 말이 사실이건 아니건 간에 이 노인의 말을 인정할 수 조차 없는 것이다. 면회를 갔던 자리에서 '네가 진짜 죽였더라도 안그랬다고 해야지'라는 말처럼, 혜자에게는 도준이 범인일 수도 있다는 일말의 가능성이나 여지도 없는 것이다. 그렇기 때문에 그냥 그 노인의 말을 '그렇게 생각할 수도 있겠네'라던가 '아니라고 밝혀졌던데요'라고만 끝맺지 못하고 결국 그 노인을 죽일 수 밖에는 없었던 것이다.

사실 이것을 핵심적인 반전이라고 보기는 어렵다. 이것은 영화의 반전이라기 보다는 극 중 혜자가 느끼는 반전일 것이며, 관객이 느끼는 반전이라면 '주인공은 항상 옳다'라는 선인겹에서 오는 반전이었다고 말할 수는 있겠다. 생각해보면 혜자는 처음부터 '도준이는 범인이 아니다'라고 믿었다기 보다는 '아닐 것이다' 혹은 '아니어야 한다'라고 믿었다고 볼 수도 있겠다. 극 중 혜자의 입장에서 생각해본다면 그녀의 행동들을 전혀 이해할 수 없는 것은 아닐 것이다. 특히나 한국사회에서 특히 강한 모정이라는 점에 기인하자면 그 어떤 어머니라도 자신의 아들이 살인자로 몰렸을 때 '아니다'라는 것에서 부터 시작하게 될 것이며, 아들을 구하기 위해 혜자처럼 무슨 일이든 할 수 있다고 공감되기 때문이다. 더군다나 영화 속 도준과 같은 상황이었다면 극 중 혜자의 행동들은 다 이해가능한 부분이었다.

더더군다나 영화 속 혜자에게는 아들에 대해 커다란 트라우마를 갖고 있다. 5살 아들과 동반자살을 하려고 바카스에 농약을 타서 먹였다는, 즉 자신의 손으로 자신의 아들을 죽이려고 했다는 것인데, 도준이 이 일을 또렷하게 기억해 내면서 혜자의 이런 트라우마는 더더욱 그녀를 압박하게 된다. 그런데 여기서 하나 궁금해지는 것은 바로 혜자와 도준의 관계에 있어 아버지라는 존재다. 영화 속에서는 거의 단 한 번도 혜자의 남편이자 도준의 아버지에 대한 묘사가 없는데, 반대로 다르게 생각해 볼 수 있는 장면들이 있음으로 해서 영화는 조금 더 혼란스러워진다. 영화의 중반 사진관을 하는 미선에게가서 찢어진 도준의 옛날 사진을 크게 확대해서 뽑아달라는 장면이 나오는데, 이 사진에 대한 언급이 그 이후에 전혀 등장하지 않았다는 점도 의아하지만 왜 사진이 찢껴져 있었는가에(혹은 찢었는가) 대해서도 궁금한 점이 많다.

 그저 '세상 좋아졌구나'라는 대사를 등장시키기 위해 그렇게 오랫동안 도준의 예전 사진을 포토샵으로 보정하는 장면이 등장했다고 보기엔 어려운 점이 있고, 왜 꼭 찢어진(찢은) 사진이었는가에 대해서도 의문스러운 점이 많다. 영화를 보신 동료 분께서 제기하셨던 것처럼 도준이 혜자의 친아들이 아닐 수도 있다는 설도 가능한 일이다. 또 하나 드는 의문점은 어찌되었든 동반 자살을 결심하고 먹게 된 농약 때문에 도준이 지체장애를 겪게 된 것인지 아니면 태어날 때부터 장애를 갖고 있던 도준과 더 이상 살아갈 자신이 없어서 자살하려고 했던 것인지, 아니면 더 나아가 장애를 겪고 있는 도준을 잠시나마 죽이려고 했었던 것인지(그래서 트라우마가 더욱 깊어진 것인지)가 불분명 하다는 것이다. 세 번째 언급한 가능성은 좀 많이 나간 것이라고 쳐도, 앞선 두 가지 의문점은 도준의 아버지에 대한 언급이 전혀 없는 것과 맞물려 이 가족의 관계 설정의 미묘함을 더하고 있다.




만약 이 영화가 도준이 실제 범인임을 혜자가 알게 되는 것으로 (마치 반전 영화처럼) 끝나버렸다면 아마도 지금과 같은 감흥은 없었을 것이다. 그리고 그렇게 된다면 이 영화는 반전 영화로서 밖에는 평가 받지 못했을 것이다. 하지만 마치 마지막 장면임을 암시하듯 보여준 첫 장면과는 다르게 영화는 그 이후의 이야기를 들려줌으로 해서 한 발 더 나아가고 있다. 일반적인 스릴러 영화였다면 혜자가 도준이 범인임을 알고서 경악하게 되고 교차 편집으로 도준이 사실은 천재에 가까운 자였다는(이 이야기는 이 영화에서도 충분히 아직도 가능하다. 이 것에 대해서는 아래에 다시 쓰겠음)것으로 끝나버렸을텐데, 봉준호 감독이 포커스를 두고 있는 점은 스릴러 보다는 한 인간의 드라마였고(사건이 포인트가 아닌 것처럼), 어머니라는 존재로서 풀어냄으로서 다른 결말을 가능케 했다. 실제 범인이 도준임을 알고 있는 혜자에게 경찰인 제문이 찾게 되는데 여기서 관객은 혜자가 고물상 노인을 살해한 것을 제문이 알고 잡으러 왔다고 생각하게 된다. 하지만 제문은 뜻 밖의 얘기를 하게 된다. '범인 잡혔어요.'

혜자가 굳이 범인이라고 하는 종팔이를 면회가는 것은 분명한 이유가 있다. 종팔을 만난 혜자는 종팔에게 누구 있냐고, 엄마 있냐고 물어보는데, 아무도 없다는 대답에 더 오열한다. 여기서 종팔은 바로 며칠 전까지의 도준과 다를 바가 없다. 하지만 도준과 종팔이 다른 점이 있다면 (실제 살인범인가 아닌가를 떠나서) 도준에게는 혜자라는 어머니가 있지만 종팔에게는 이렇게 자신을 구원해줄 존재가 없는 것이다. 그걸 잘 알기 때문에 자신의 아들을 구하기 위해 스스로의 양심을 꺽고 또 한 명의 희생양을 만들게 되어버리는 자책감과 자멸감에 슬퍼하는 것이고, 마치 모든 것을 알고 있는 듯 '울지 마라'라고 얘기하는 종팔을 도준과 맞바꿀 수는 없었던 어머니로서의 자신 때문에 미안함에 눈물을 흘리고 마는 것이다. 혜자는 종팔에게도 어머니가 있길 간절히 바랬겠지만 현실을 그렇지 못하고, 그걸 알고도 묵인해야만 하는 혜자의 모습은 또 하나의 씁쓸한 현실과도 같다.




영화의 마지막, 마을 사람들과 관광을 떠나려고 준비하는 대합실에서 도준은 혜자에게 화제 현장에서 주운 침통을 전한다. 스스로 잊으려고 했던 혜자에게(혹은 잊은 줄로만 알았던) 침통을 다시금 모든 것을 기억하게 하는 매개체로 작용한다. 그리고 버스에 몸을 실은 혜자는 영화 속에서 여러 번 얘기했던 바로 그 '모든 것을 싹 잊게 해주는, 자신 만이 알고 있는 침자리'에 스스로 침을 놓는다. <마더>가 무서운 이유는 바로 이 엔딩에 있다. 관객이 공감하고 믿었던 주인공 혜자가 모든 것을 알고 있음에도, 자신의 아들을 지키기 위해 다른 사람을 죽음에 이르게하고, 무고한 이가 범인으로 몰리는 데에도 침묵하면서 결국 진실보다는 어쩔 수 없이 도준을 택하는 모습이 비현실보다는 오히려 현실적으로 느껴진 점이 섬뜩한 부분이었다.

모든 것을 잊게 해주는 침을 스스로에게 놓고 나서 정신없이 춤을 추고 있는 아줌마들 사이로 모든 것을 포기한냥 춤을 추는 모습은 그래서 압권이었다. 더 인상적인 건 처음에는 많은 아줌마들 사이에서 혜자를 확실히 구분할 수 있었지만, 혜자가 버스 중심으로 이동해 갈 수록 혜자를 다른 이들 사이에서 놓쳐버리게 된다. 여기에서는 자신 들의 일이 아니면 금새 잊어버리고 마는 사회에 대한 메시지를 엿볼 수도 있다. 자신의 사욕을 위해 스스로 묵인을 결심한 혜자와 같이, 결국 세상도 뒤섞여 버린 혜자의 모습처럼 잊어버리게 될 것이고 이런 일들은 또 어디선가 계속 될 것이기 때문이다(홀로 춤추는 첫 장면과는 달리 여럿과 섞여서 춤추는 마지막 장면은 완벽한 대구를 이루고 있기도 하다).

이런 메시지는 영화의 전반에 드리워져 있는 한국사회의 문제점들을 통해서도 드러난다. 봉준호 감독은 <살인의 추억> <괴물>등에서 보여주었던 것처럼 <마더>에서도 이런 사회적인 문제들을 이야기하고 있는데, 이는 어디까지나 양념으로서만 작용하고 있다. 하지만 절대 가볍게 볼만한 요소들이라고 할 수는 없을 것이다. 여학생 살인사건이 일어났는데 충격을 받기 보다는 그저 '우리 동네에 살인사건이 일어난게 얼마만이지'하며 '허허' 웃는 모습은 대사처럼 살인사건이 그리 자주 일어나는 곳이 아님에도 얼마나 다른 사람에 일해 무뎌져 있는지를 보여주는 단적인 예이며, 잘잘못을 가려내기보다는 적당한 합의를 권하는 모양이나 다른 사람에겐 전부가 될 수도 있는 문제를 자신과 주변의 이익을 채우기 위해 마무리하려하는 변호사의 모습, 그리고 결국 살인자가 누구인가 보다는 '누군가가 되면 된다'라는 식의 처리 과정은 씁쓸한 현실을 곱씹어 보게 한다.



(시골 형사들의 디테일을 보여줌에 있어서는 한국영화계에서 아마 봉준호 만한 이는 없을 듯 싶다)

이 영화는 의외로 명확하지 않은 부분이 많다. 그리고 다양한 설들을 낳기 충분한 텍스트로 구성되어 있다. 앞서 언급한 것처럼 도준이 혜자의 친아들이 맞는 가도 여기에 포함될 수 있겠고, 진태와 혜자의 묘한 관계도 그렇고, 가장 핵심적으로는 과연 도준이 문아정을 죽인 것인가에 대한 것도 그렇다. 고물상 노인의 말이 100% 사실이라고만 단정 짓기에도 미심쩍은 부분이 있으며, 애초에 커다란 돌이 날라왔던 것으로 보았을 때 여학생인 문하정이 그렇게 무거운 돌을 쉽게 던졌다고 생각하는데에도 미심쩍은 부분이 있다. 또한 고물상 노인도 역시 문아정과 관계를 했던 이들 중 하나였음을 감안한다면 자신의 알리바이를 위해 도준을 이용했다고 볼 수도 있을 것이다.

또 하나 흥미로운 점은 바로 도준이 어린 시절 자신을 죽이려고 했던 엄마에게 복수하기 위해 이 모든 것을 치밀하게 이용했다는 점이다. 영화 속 도준의 모습에서는 가끔씩 정상적인 모습이 발견되곤 한다. 특히 도준이 무혐의로 출소하고 나서 집으로 돌아와 혜자와 식사를 하게 되는 장면에서는 확연히 드러나는데, 항상 자신만 알았던 도준이 스스로 물을 뜨러가서는 본인 것 외에 혜자의 것도 함께 가져온다. 이는 다양한 해석이 충분히 가능한 부분이며, 침통을 혜자에게 돌려주는 장면 역시 다양한 해석이 가능하다. 영화 속 도준은 기억의 패턴이 일정치 않아서이지 두 손을 관자놀이에 가져다 대면서 예전 기억을 끄집어 내곤 하는데, 만약 도준이 실제 범인임을 더 확실히 하려면 (그리고 도준을 정말 지체 장애를 겪는 인물로 그렸다면) 혜자가 도준이 범인임을 알게 되는 것과 동시에 교차편집으로 도준이 자신이 죽인 것을 기억하게 되는 장면을 넣을 수도 있었다고 생각된다. 하지만 그러지 않은 것은 마치 자신이 원하는 것만 의도적으로 보여주려고 하는 것처럼 보이기도 했으며, 영화 전체에 미묘한 점들과 맞물려 충분히 다른 생각을 하게 끔 만들고 있다.

만약 이 영화가 앞서 언급했던 것처럼 '누가 범인인가' 하는 것에 관한 집중적 서스펜스 스릴러였다면 이 같은 떡밥들에 대해 미친 듯이 파고들어야 마땅하겠지만, <마더>는 이 것보다는 주인공 '마더'가 겪는, 자신이 믿었던 것들에 대한 배신과 허탈함에 스스로를 견뎌내지 못하는 존재의 이야기를 그린 것이기 때문에 이 정도로만 마쳐도 좋을 듯 하다(하지만 몹시도 궁금한 것 사실이다. 이건 <괴물>에서 박강두가 굳이 골뱅이 통조림을 먹었던 것보다 더 큰 떡밥이 아닐 수 없겠다).




'마더'를 연기한 김혜자씨의 연기는 나무랄데가 없다. 그녀는 두말할 필요없는 베테랑이며 그간 TV속에서 '국민엄마'이미지에 가려 보여주지 못했던 열정을 이 영화를 통해 여지없이 표출해내고 있다. 특히나 새로웠던 것은 '어머니'라는 이미지는 물론이고 '여자'라는 이미지까지 완벽하게 소화해 내는 모습이었는데, 장면장면의 임팩트 측면에서도 그렇고, <마더>는 누가봐도 김혜자의 영화임이 분명하다.  원빈의 경우 사실 조금 걱정한 부분이었는데 캐릭터 자체가 더 단면적이라 그랬던 것도 같다. 캐릭터 자체의 운신폭이 그리 넓지 않았기 때문에 배우로서도 한계가 있었겠지만, 너무 뻔하지 않으면서 크게 어색함이 느껴지지도 않는 괜찮은 연기였다. 진구는 아무래도 <비열한 거리>가 겹쳐보이기도 했었는데, 확실히 이런 남성적인 캐릭터에 완벽하게 맞아 떨어지는 부분은 있지만 너무 굳어져 버리는 건 아닌가 하는 우려가 들기도 한다(하긴 두 작품과는 전혀 다른 캐릭터를 연기한 <초감각 커플>이 어색하게 느껴진 걸 보면 한 우물을 파는 것이 나을지도;;).

영화를 딱 본 소감은 마치 박찬욱 감독의 영화를 본 듯한 느낌이었다는 것이다. 봉준호 감독은 봉테일이라는 별명 답게 찾아내기 어려운 떡밥보다는 좀 더 섬세하고 명확한 것들을 미리 배치해 두고 관객들이 발견하게 하는 쪽이었는데, <마더>는 마치 박찬욱 감독의 영화처럼 느껴질 정도로 이미지로 설명하려는 장면들이 상당히 많았다. 몇몇 앵글이나 장면 같은 경우는 굉장히 상징적인 장면들이라 봉준호 영화가 맞나 싶을 정도. 물론 여기에는 박찬욱 감독과 여러 작품을 함께 해온 미술감독 류성희씨의 역할을 빼놓을 수 없겠다. 그녀의 손길이 아마도 여러 장면장면에서 박찬욱스러운 스타일을 느끼게 했을런지도 모르겠다.

이병우씨가 맡은 영화음악은 상당히 인상적이었다. 완벽하게 비극적이지만 않고 리듬감이 있는 음악을 배치하면서 묘한 정서를 불러일으키고 있는데 메인 테마라 할 수 있는 '춤'과 '축제'는 참으로 인상적이었다.



1. 버스에서의 엔딩 장면은 요 몇 년간 본 엔딩 중에 개인적으로 최고의 장면이었습니다. 이 장면만을 보면서 속으로 '와, 봉준호 감독이 또 한 걸음 성장했구나'하는 걸 절로 느끼게 되더라구요. 그 음악과 곁들여진 최고의 결과물이란 ㅠㅠ

2. 문방구 오락실 앞에 있던 아이들의 배역 이름이 참 다채롭더군요. 문방구 오락기 중딩, 문방구 오뎅 중딩, 문방구 떡복이 중딩, 문방구 안경 중딩 등. 그 외에도 박수치는 룸아가씨로 표현된 캐릭터 이름도 재미있었구요.

3. 그러고보니 전미선씨는 <살추>에서는 남에게 주사를 놔주시더니, <마더>에서는 침을 맞는 것으로 상황이 역전되었군요.

4. 약사 역할로 나오셨던 이대현씨는 <살추>에서도 국과수 직원 역할로 나왔던 분이라 반갑더군요.

5. 일부 극장에서는 김혜자씨가 들판에서 춤을 추는 첫 장면에서 관객들이 웃었다던데...그 극장에서 안보길 천만 다행이라는 생각이 드네요. 살았습니다.

6. 역시 한 번 더 봐야 할까요? ^^;




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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관련기사 - 봉준호 감독 "스포일러? 이제는 말할 수 있다"
http://10.asiae.co.kr/Articles/view.php?tsc=06.02.02&a_id=2009060810434166085


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  2. Favicon of http://blog.naver.com/thebeatz BlogIcon THE BEATZ 2009.06.03 01:06

    시덥지않은 시비성 댓글들의 답변을 보면 신드리님은 참 "대인배" 인듯 :-)

    4, 5월엔 박쥐와 마더같은 멋진 영화들이 개봉을 해주어서 좋았는데,
    이번달엔 개인적으로 언제나 기본이상은 하는 토니스캇옹의 펠햄123 이 기대가 되더라구요.

    그나저나 마더 OST 도 얼른 발매 좀 해주었음 하네요.

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.06.03 10:02 신고

      저도 펠헴123을 보긴 할 텐데, 사실 기대치는 좀 낮추고 있는 상태입니다.

      마더 OST는 나오기만 하면 지릅니다!

  3. Favicon of http://www.zinsayascope.com BlogIcon 진사야 2009.06.03 02:42

    캬~ 역시 아쉬타카님 리뷰는 곱씹는 맛이 있습니다. 잘 읽었어요~
    이 글의 제목을 보고 순간 깜짝 놀랐더랬죠. 이미 아쉬타카님이 멋진 글로 찜해 놓으셨군요 ㅡㅜ 모르는 상황에서 비슷한 제목으로 리뷰 올렸다가 이 리뷰 뒤늦게 보고 급깜놀. 후딱 제목 수정하는 뻘짓을 해버렸습니다. 한 영화 리뷰 다 쓰기 전에는 다른 리뷰를 안 읽고 쓰다 보니 이런 사태가(쿨럭); 앞으로는 이런 본의 아닌 사고가 안 일어나게 조심 조심하겠습니다. ㅜ_-); 쿨럭.

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.06.03 10:03 신고

      뭐 의도하신 것이 아니니 그냥 두셔도 상관없긴 해요 ^^;
      뭐 제가 쓴 부제목이 영화를 보고 나면 딱 쓰기 좋은 제목 중 하나이긴 하죠 ㅎㅎ

      조심까지야 ^^ 뭐 저 전에 어디선가 이 제목 쓰신 분 또 있을지도 모르는데요 뭘 ^^;

  4. 익명 2009.06.03 03:39

    비밀댓글입니다

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.06.03 10:04 신고

      특별히 추가로 알려드릴만한 정보까지는 아닌데,
      메일로 알려드리도록 하겠습니다

  5. Favicon of https://ystazo.tistory.com BlogIcon 만물의영장타조 2009.06.03 08:57 신고

    저도 아쉬타카님의 리뷰를 읽고 영화가 어느 정도 정리가 되었습니다. 항상 감사해요! ㅎㅎ

  6. ㅋㅋㅋ 2009.06.03 10:23

    초반 춤장면에서 범상치 않겠다는 생각밖에 안나던데..굳이 평론가 아니더라도 관객의 눈으로 봐도 말이죠..
    박찬욱스러운 영화라는 말에 공감이 많이 갑니다.
    근데 너무 떡밥이 많아서 이게 영화를 보는건지 해석을 따로 또 해야하는건지...
    뭐 봉준호 감독 영화는 그게 또 맛이니깐요..
    암튼 잘보다 갑니다..

  7. Favicon of http://bloodbar.tistory.com BlogIcon 다이나모 2009.06.03 19:29

    김혜자가 사람 때리는 거 구경하러 갔는데 진구가 대신 때려주고, 느닷없는 근친 메타포에...
    반전보다 다른 것 때문에 놀란 영홥니다.

  8. 아란존자 2009.06.04 01:21

    "막춤"에 대해서 왈가왈부 말이 많네요.
    저도 오프닝 막춤 장면은 왠지 기괴스럽기까지해서 소름이 쫙- 돋았는데.. 주위에서는 간간히 낮은 웃음소릴 내더군요.
    집에 와서 마더에 대한 기사 탐색중 그 막춤의 코드를 알수 있었어요..
    도입부 막춤에서는 그 의뭉스럽고 뜬금없는 춤사위에 관객들이 실소를 자아내고,
    그와 대칭되는 엔딩부 막춤을 보며 관객들이 초반에 터뜨렸던 실소에 대해 반추하며,
    우스꽝스러워 보이는 몸짓에도 모성애라는것이 레시피되면 그 무게가 얼마다 달라지는지를 절감하며
    엄마라는 명제에 대한 페이소스를 듬뿍 느끼게 하려던게 봉감독의 설정이였다네요.
    오프닝의 막춤은, 낯선 아줌마의 그것이지만
    엔딩의 막춤은, 우리네 엄마의 서글픈 몸부림인데 니가 또 웃을수 있겠냐-하는 화두를 던지는거죠.
    (막판에 김혜자가 아주머니들 사이에 섞여들어가면서 누가 누군지 구별못하게되는 엔딩은 김혜자가 바로 보통 우리네 엄마라는 엠블럼이다고 첨언돼있던데, 그건 다행히도 바로 이해할수 있었습니다. 영화를 보면서요...)
    그 기사를 보면서 '봉준호표 영화'라는 저의 선입관이 오히려 봉감독의 순수한 의도를 이해하는게 방해가됐구나-
    반성하게됐죠....
    바꿔말하면 오프닝 춤사위를 보며 그저 '그로테스크'를 떠올리고,
    봉감독의 의도한 "웃음"을 짓지못한 스스로를 반성했는데
    저와 정반대되는 생각을 지니신분이 계시네요.
    문제를 출제한 봉감독이 그 장면에선 '웃어야되는게 정답이다'라고 했는데...
    흠_ 봉준호 감독보다 더 영화 "마더"를 제대로 이해한 분이시려나.... 아쉬타카님은......?

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.06.04 10:15 신고

      그 기사를 읽어보지는 않았지만 말씀주신대로의 설정이었다면 그 장면에서 웃지 않은 것이 감독의 의도가 맞다는 얘기가 되겠네요. 웃지 말아야 될 장면에 사람들이 웃을 것을 알고서는 막판에 다시 춤추는 장면을 등장시켜 그 장면이 우스운 장면이 아니었다는 것을 알려주기 위한 설정이라는 말과 같은 얘기가 되니까요.

      그리고 어느 감독도 이게 정답이라고 말하는 감독은 없을거에요. 그 기사를 읽어보지는 않았고 그 말을 직접 듣진 못했지만, 제가 그 동안 다른 인터뷰나 코멘터리 등을 통해 접했던 봉준호 감독은 정답을 정해두고 관객에게 주입시키는 감독은 절대 아니었거든요. 그래서 영화를 단면적으로 가둬두는 일을 감독들이 선호할리가 없죠.

      영화란 어차피 개인차에 따라 다르게 접하게 되는 것이고, 제가 첫 장면에 대해 코멘트한 부분은 웃는게 잘못되었다는 것 보다는, 내가 전혀 우습게 보지 않은 장면에서 다른 대다수 관객이 웃는 분위기에서 관람하지 않았음을 다행스럽게 여긴 코멘트인데, 다들 너무 민감하게 반응하시는것 같네요. 제가 몹시 잘난 척하거나 오판하는것으로 비꼬듯 마무리하시는 모습은 보기 좋지 않네요.

      그 밖에 의견은 잘 들었습니다~

  9. Favicon of http://intogroove.tistory.com BlogIcon 인생의별 2009.06.04 02:23

    오오 뒤늦게 리뷰 쓰고 트랙백 달려고 왔더니 댓글들이 엄청나게 달려 있네요. 역시 <마더>는 요즈음의 화제작인가 봅니다ㅋㅋ
    저는 영화 보면서 왠지 이 영화 프리퀄이 있지 않을까 생각했어요-_-; 그만큼 이야기에 남겨진 여지가 많다는 것이겠죠.

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.06.04 10:16 신고

      댓글 가운데 몇 몇 코멘트 들은 굳이 화제가 될 필요까지 없는 부분이었는데 논란이 되어 버린 경우가 생겨버렸네요..

      여지가 많아서 좋았습니다~

  10. 김기연 2009.06.04 02:59

    아~ 정말 잘 읽었습니다.. 제가 조금 난해했던 부분을 여기서 어느정도 나만의 해답을 찾아가네요.. 지금 하나하나 내가 생각했던 봉준호감독의 메세지를 생각하려면 머리가 아파올 정도로 많고, 복잡합니다;; 저역시 처음엔 평점이 너무 낮아져서.. 급실망하게 되는 영화인가.. 했는데.. 예고편보다가 영화를 직접 보니 우선 내가 생각했던 것들과는 확실히 다른 내용이더라구요.. 그리고 님처럼 저역시 마지막 장면에서 감탄했습니다.. 아니, 감탄하면서 되게 씁쓸했다고 해야할까요.. 그리고 제가 가장 기억에 남던 대사는.. 혜자가 노인을 죽인 뒤 기겁을 하며 자기가 한 짓읖 믿을수 없다는 듯 절망하다 수건으로 피를 닦아내는데.. 그런 대사를 남기죠. "어떡해.. 나 어떡해 엄마..!!" 되게 비수가 되어 온 대사였습니다. 아들을 위해 나섰던 혜자가 자신이 위기에 처하자 아이가 된것처럼 자신의 엄마를 찾는 모습.. 정말 할말을 잃었다죠 ;;

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.06.04 10:17 신고

      그쵸, 자신이 맹신했던 것에 대해 나중에는 그 대상과 상관없이 과정 속에서 자신을 잃어버리게 되는 존재의 이야기를 잘 그려낸 작품이라고 생각됩니다.

      이렇게도 저렇게도 생각해볼 수 있는 영화라 더욱 좋았구요~

  11. Favicon of http://hungryan.tistory.com BlogIcon 구름 2009.06.04 19:40

    꼼꼼한 리뷰 잘 읽었습니다.
    어디에선가보니 원래 시나리오 상에는 도준이 엄마에게 침통을 전해주는 장면에서
    '이런거 흘리고 다니면 안되지 (어디 산에 가서 묻어버려)'라는 식으로 괄호안의 대사가 더 있었다고 하더군요.
    만약 그 대사가 그대로 나왔다면 그 역시 최고의 떡밥이 되지 않았을까 하는 생각이 들었습니다.

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.06.05 10:07 신고

      봉준호 감독이 원래 이렇게 여지를 많이 남겨두는 감독은 아니었는데, 이번 작품은 정말...^^

  12. Favicon of http://yoon-o.tistory.com/ BlogIcon VISUS 2009.06.05 17:37

    저도 마더 리뷰를 써야하는데 영화본지 일주일이 다되도록 못쓰고 있네요 - -:

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.06.05 18:21 신고

      다른 영화들도 다 그렇지만 한 번 타이밍을 놓치게 되면 갈수록 쓰기 어려워지는 것 같아요 ^^;

  13. 111 2009.06.05 19:45

    리뷰 잘 읽었습니다. 다들 비슷한 시선이시군요. 저도 영화끝나고 한동안 소름끼치면서도 가슴이 먹먹해져와 본지 일주일이 다 되었는데도 이렇게 리뷰들을 뒤져보고 있죠..
    다만 끝부분에 오프닝장면에서 웃는 관객들에 대한 멘트에 대한 변명을 하자면.. 첫 오프닝 장면에서 뭔가 처연하고 슬픈표정으로 춤 추는걸 보면서 뭔가 이 영화가 어둡게 전개되겠구나..하면서도 다소 생뚱맞은 춤사위에 웃었습니다. 웃는 관객들 대부분이 몰라서 웃는게 아니라 뭔가 있구나 하면서도 다소 생뚱맞으니 웃는거죠. 님만의 느낌이 다는 아닙니다. 다들 다른 기준으로 볼수도 있는거죠. 엔딩장면 굉장히 강렬했어요. 오프닝 장면이 왜 그런지 이해가 되기때문에 더 증폭되었다고 할 수 있죠. 님과 보는 기준이 다르다고 해서 그게 안타깝다고는 표현 안해주셨으면 하네요

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.06.05 22:55 신고

      111님의 덧글에 정답이 다 들어있네요. 제가 위에 다른 분들의 덧글에도 말씀을 드렸지만, 웃었다는게 잘못되었다고 말한 적은 한번도 없습니다. 말씀주신 것처럼 '다들 다른 기준으로 볼수도 있는거죠'. 제 기준에서 보았을 때는 웃기지 않은 장면이었고, 그렇기 때문에 제 기준과 다른 방향으로 웃는 분위기에서 보지 않음을 다행스럽게 여긴 것은 너무나 당연한 일이지요.

      그게 안타깝다고 표현하고 안하고 역시 '다들 다른 기준으로 보는 것'과 동일한 개인의 판단이기 때문에 전혀 문제될 것이 없다고 생각합니다.

      그저, 저는 그 장면에서 웃음이 나왔는데요, 하고 덧글들 주셨으면 전혀 문제가 없었을텐데, 웃지 않은이에게 웃음을 강요하는 식이 되어버려서 스스로 오류에 빠지시는 것 같습니다;;

  14. aef 2009.06.05 21:49

    저는 못웃겠드라구요; 제가 본 극장은 조용했어요. 저도 역시 다행이란 생각이 -_-;;
    왜냐면 극장에서 한사람이 크게 먼저 웃잖아요? 그럼 그게 정답인것처럼 다 같이 웃잖아요. 그게 너무 싫어요.

    울든가 씨익 웃든가면 모르는데 소리내서 웃으면 이상하게 사람들이 다 같이 웃어버려요.
    코미디영화 볼땐 와 좋다 역시 같이봐야해ㅋㅋ 이런 느낌 드는데요...다른영화는 안그래요.
    막 종팔이 나올때도 누가 웃더라구요. 근래서 저도 따라 웃게됬는데 왜 내가 저사람 따라 웃어야되나. 나는 오히려 저사람 무서운데. 개그맨처럼 생겨서 웃나? 이랬어요.

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.06.05 22:56 신고

      사실 종팔이 나올 때 웃는 것이야 말로 '잘못'이죠. 거기서 웃었다면 이거야 말로 종팔이가 겪고 있는 장애에 대한 비하성 웃음이 될 수 있으니까요.

  15. aef 2009.06.05 21:54

    아 맞다 글고...전 영화 전체에서 종팔이가 제일 무서웠어요. 그 '울지마라' 하는거 진짜 너무 무서워서 잠도 못자구...

    봉감독님 영화엔 괴이한 외모+괴상한 이름+괴상한 정신상태...완전 아웃사이더의 전형이 자주 등장하는데요...진짜 무서워요.

    그냥 얼굴이 이상할뿐인데ㅡ
    딱 얼굴보면 아 이인간 정신장애겠구나-하고 짐작하는 제가 제일 무섭고-_-

    봉감독님은 딱히 영화로 캠페인 하는 분은 아닌듯 -_-b 캐릭터의 효율성을 위해서라면 어떤 민감할수있는 소재라도 가져오시는듯 싶습니다. 그래서 좋습니다.

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.06.05 22:58 신고

      종팔이의 경우 괴이한 외모라고 보기보다는 장애우로 보는 것이 맞을 것 같습니다. 도준이에게 그랬던 것처럼 희생양을 삼아도 아무런 문제가 되지 않을 그런 힘없는 또 다른 존재에게 범죄를 뒤집어 씌우는 사회의 모순에 대해서 이야기하는 듯한 느낌도 있죠.

  16. Favicon of http://blog.naver.com/iceberg___ BlogIcon MJ 2009.06.06 18:05

    마더.
    뜻하지 않게 '반전'을 알고 봤지만.
    뭐 반전을 알아도 전혀 문제 없는.^^;

    요몇년간 최고의 오프닝 씬과 최고의 라스트 씬!
    이 두 장면만 보여주더라도 '걸작'이라는 느낌이 날 거라고 생각해요.
    오프닝씬을 보는 순간 당황해하며 웃는 관객들을 지켜보는 재밌어하는 봉감독님이 생각나더군요.-_-;

    봉감독님은 <도쿄!>라는 워밍업 후 새로운 세계를 밟는다랄까?

    김혜자씨의 연기는 말하기 입아프고
    개인적으로 송새벽씨의 '세팍타크로 형사'가 상당히 흥미로운 캐릭터였어요.

    아무튼 올해는 한국 영화 늪에서 빠져나오질 못하겠네요.
    <박쥐>의 '김옥빈씨'와 <마더>의 '김혜자씨'.
    과연 여우주연상을 줘야한다면 어느 분을 줘야할지 고민되네요.

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.06.08 00:21 신고

      저도 정말 너무나도 인상적이었던 첫 장면과 마지막 장면만으로도 충분히 오래 기억에 남을 영화가 아닐까 생각합니다.

      말씀주신것처럼 반전을 알아도 큰 문제는 되지 않는 영화였던 것 같아요

  17. Favicon of http://blog.naver.com/thebeatz BlogIcon THE BEATZ 2009.06.09 23:09

    마더 OST 가 드뎌 나오네요~
    앨범커버가 올려주신 포스터랑 같은 이미지라 개인적으로 너무 맘에 듭니다.

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.06.10 17:42 신고

      드디어 나오는군요. 저도 저 이미지가 커버로 선정된것이 무엇보다 반갑네요~

  18. Favicon of http://gilwon.egloos.com BlogIcon 배트맨 2009.06.11 12:01

    엔딩 씬도 참 인상적이였지만, 이병우씨의 OST도 정말 좋더군요.
    이 작품은 봉 감독이 코멘트를 해줘야 할 부분이 적지 않은 것 같습니다. ^^*
    어쩌면 본인은 관객들이 여러 해석하는 것을 더욱 흐믓하게 바라보고 있을지도 모르겠네요.

    지금 생각해 보면 범인도 도준인지, 노인인지 알 수가 없는 것 같아요. 플래시백으로 보여주는 것은 노인의 고백일 뿐, 도준의 시선에서 본 장면은 또 달랐으니까요. 도준이 지나갈 때 문 틈 사이로 도준을 노려보던 노인의 시선이 많이 이상했으니까요. 재해설 할 요지가 많고 그래서 더 좋았던 영화였던 것 같습니다. ^^

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.06.11 18:06 신고

      저도 OST가 너무 마음에 들어서 발매되는대로 구매할 예정입니다.

      여러가지로 해석될 수 있는 부분이 저도 마음에 들었어요. 이 부분이 이 영화의 호불호가 갈리는 가장 중요한 지점인 것같아요. 여지를 반기느냐, 모호함을 불편하게 생각하느냐 라는 지점이요;

  19. Favicon of http://rounyaf.tistory.com BlogIcon 하얀 로냐프강 2009.06.15 17:43

    제목 자체에도 이미 '여지'를 만들어둔 영화였죠.

    저도 저번 주말에 보고 리뷰를 쓰려고, 쓰려고 했는데 타이밍을 놓치게 되네요.

    곧 써서 트랙백 달아둘께요! ^^

    리뷰 잘 읽었습니다!

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.06.19 14:07 신고

      감독 본인은 단순히 고두심 주연의 '엄마'가 이미 있었기 때문이라고는 하는데...모르겠어요 ^^;

  20. ㅎ2 2009.06.19 00:41

    엔딩크레딧에서


    마더 -김혜자
    이렇게나오나요
    murder- 김혜자
    이렇게나오나요

  21. Favicon of http://blog.naver.com/j_spell BlogIcon 뮤뮤 2009.06.21 10:32

    저는 영화를 보면서 도진이에게 혜자가 침을 (그 나쁜일 잊게 해준다는 침자리에) 꽤 놔주지 않았을까 하는 생각이 들었어요 ㅎㅎ 그래서 정신적으로 약간 문제가 생긴게 아닐까.. 뭐 이런 식의? 해석을 했었던 기억이 있네요.

    리뷰 잘 보고 갑니다 ^.^


도쿄! (Tokyo!, 2008)
이방인들의 시선으로 본 현대의 도쿄

<이터널 선샤인>의 미셸 공드리, <퐁네프의 연인들>의 레오 까락스, 그리고 <괴물>의 봉준호, 이렇게 세 명의 각기 다른
국적을 갖은(국적 뿐 아니라 스타일도 완전히 다른) 감독들의 작품들을 한꺼번에 만날 수 있는 옴니버스 영화 <도쿄!>
(영화를 보기 전부터 생각했던 것이지만, 보고 나니 제목의 느낌표는 확실히 의미있는 의도적 기호라고 생각이 더
들더군요. 뭐랄까 그냥 '도쿄'라는 제목으로는 다 표현할 수 없는 느낌을 느낌표로나마 함축적으로 표현했다고나 할까요).

개인적으로는 뮤직비디오 감독 시절부터 왕팬이었던 미셸 공드리는 물론이고, 봉준호 감독 역시 가장 좋아하는
국내 감독 중의 한 명이라 많은 기대를 했던 영화였습니다(그렇다면 레오 까락스는 지금 무시하는거냐? 할 수 있지만
그의 작품은 너무 예전에 비디오로 보고 나이먹고 제대로 보려고 dvd는 구매해 두었는데 아직까지 보질 못했기 때문에
이렇다 저렇다 좋다 나쁘다 평할 수준이 못되는 것 같아 일단 보류중입니다 ^^;).



(뭐 다들 아시겠지만, 좌측 부터 미셸 공드리, 레오 까락스, 봉준호 감독. 공드리는 영국의 인기있는 밴드에서 별로 말없는
베이시스트 처럼 나왔고, 레오 까락스는 서극처럼 나왔고, 봉준호는 배우처럼 나왔네요(아, 배우시죠 ㅎ)).

옴니버스 영화 <도쿄!>는 각기 다른 세 명의 감독들을 대상으로, 도쿄라는 장소를 배경으로 또 로케이션으로
촬영해야 된다는 일종의 조건만 있을 뿐 각 감독들에게 이 범위안에서 자유롭게 창작할 수 있는 여지를 남겨두었던
프로젝트입니다(확인하지는 못했지만 어지간하면(?) 일본인 현지 스텝들과 작업해야 된다 라는 조건이 있었는지도
모르겠네요. 엔딩 크래딧을 보니 몇명을 제외하고는 모두 다 일본인 스텝들로 채워져 있더라구요). 
이렇게 한 도시를 배경 혹은 주제로 담아낸 옴니버스 영화는 <사랑해, 파리>가 있었는데, <도쿄!>는 <사랑해, 파리>와는
사뭇 다른 분위기와 이야기를 들려줍니다. <사랑해, 파리>같은 경우 대부분의 에피소드들이 단순히 파리의 아름다운
장소를 배경으로 하거나, 아니면 짧은 러닝타임에도 '파리'라는 도시에 한 번 쯤 가보고 싶다는 생각이 들도록 하는
작품들로 채워졌다면, <도쿄!>는 도쿄에 가보고 싶다는 생각이 간혹 들기는 하지만 그것은 그야말로 간혹일 뿐,
대부분은 부정적인 모습의 도쿄, 더 나아가 일본의 모습을 그리고 있다고 보여지거든요.
본래 이 프로젝트를 기획한 프로듀서의 생각이나 의도가 이런 것이었는지는 잘 모르겠지만, 세 명의 감독이 마치
짜기라도 한 듯이 이런 분위기의 작품들을 만든 것도 놀랍지만, 이런 작품들을 고스란히 받아들인 제작자(일본인)의
입장도 대단한 듯 여겨지기도 합니다.



아키라와 히로코 (Interior Design) - 미셸 공드리

가장 첫 번째로 만나보게 되는 영화는 공드리의 <아키라와 히로코>입니다. 홋카이도에서 영화작가를 꿈꾸는 애인을 따라
도쿄로 상경한 히로코의 이야기를 들려주고 있는데, 처음 히로코는 친한 친구의 집에서 애인과 함께 신세를 지며
방도 알아보고 일자리도 알아보고 하지만, 이 과정 속에서 친구와 애인에게 점차 자신의 설 자리를 잃어가면서 자신의
존재감에 대해 점차 의문을 갖게 됩니다. 도쿄를 배경으로 일본 배우들이 연기하고 있지만, 공드리의 영화는 역시,
공드리스럽습니다. 사실 그가 만든 <이터널 선샤인>은 제 인생의 영화이기는 하지만, 그렇다고 해서 그가 제 인생 최고의
감독이냐 묻느냐면 또 그렇지는 않다고도 할 수 있겠는데, 그 이유는 그가 이후 만들었던 <수면의 과학>도 그렇고
각본가인 찰리 카우프만 없는 공드리는 확실히 결여된 부분이 많이 느껴졌기 때문입니다. 그는 뮤직비디오 감독 시절부터
놀라운 상상력과 그 상상력을 영상으로 표현해 내는데 기발한 재주를 갖고 있었지만, 영화 감독으로서 공드리는 아직까지
완성되었다고 보기는 좀 부족한 것이 카우프만 없는 공드리는 그저 상상력을 보여주는 것, 판타지 그 이상의 것으로
전개시키지는 못하고 있었기 때문이죠. 이런 면에서 이번 같은 옴니버스 영화는 그의 부족함을 많이 보완할 수 있는
장치로 작용하고 있다 하겠습니다.

영화의 중반까지는 히로코가 신세를 지게 되는 친구의 집 디자인을 제외한다면 별로 공드리 스러운 부분이 직접적으로
드러나지는 않는데, 중반 이후 히로코가 급격하게 변화(그야말로 변화)를 겪게 되면서 단숨에 공드리의 영역으로
넘어오게 됩니다. <이터널 선샤인>때도 잘 보여주었지만 그는 상상력을 표현함에 있어 컴퓨터 그래픽으로 일관하기
보다는 대부분의 시각효과를 아이디어가 주가 된 아날로그 방식으로 촬영하곤 했는데, 이번 <도쿄!>에서도 사실
시각효과 자체의 기술력은 그다지 새로운 것이 아니지만, 굉장히 작품에 잘 녹여내고 있는 느낌을 받게 됩니다.
그래서 별로 대단한 효과가 아님에도 관객들의 엄청난 반응을 불러 일으키게 되는 것 같구요(아직도 그 장면이 눈에
선하네요~). 공드리가 느끼는 도쿄 역시 그리 행복한 공간은 아니었던 것 같습니다. 겉보기와는 달리 그 속에서는
자신이 누구인지도 무엇인지도 모른채 살아가는 사람들의 고단함과 결국 다른 존재가 되어서야 자신을 찾게 되는
안타까움이랄까요.


1. 츠마부키 사토시가 깜짝 출연하더군요!
2. <구구는 고양이다>에 이어 카세 료의 속옷 차림을 연달아 스크린으로 보게 되는군요;;
3. 극중 히로코가 방을 알아보러 다니던 중에 등장한 컨테이너 형식의 집은, 정말 그런 집이 있나 싶더군요.




광인 (Merde) - 레오 까락스

세 작품 가운데 가장 무거운 작품이라 할 수 있겠습니다. 이 작품이 개봉 전부터 화제를 불러보았던 이유는 오랜만에
영화를 연출한 레오 까락스도 까락스지만, 그가 드니 라방과 함께 컴백했기 때문이기도 했죠. 극중 '하수구 광인'을
연기한 드나 라방의 연기는 정말 그 만이 연기할 수 있는 몸 연기를 선보입니다. 기괴한 얼굴 분장은 그렇다쳐도,
그의 이상한 걸음 걸이와 몸으로 표현하는 동작들을 '하수구 광인'이라는 캐릭터를 더욱 더 인상깊게 그려내고 있습니다.
이 영화에서 재미있는 건 그가 사용하는 언어가 정체 불명의 언어라는 점인데, 이게 만약 레오 까락스와 드니 라방이
아니라, 김병욱과 박영규 였다면 누가봐도 코미디로 느꼈을 만큼 이상함을 넘어선 코미디이지만, 그들이기에 쉽게
웃게 되질 않습니다. 이 작품은 노골적으로 일본이 일으킨 전쟁과 그 야욕에 대해 비판적인 메시지를 담고 있는데,
그렇기 때문에 하수구 광인의 이상한 말들도 무언가 전쟁으로 인해 피해를 받은 피해자들의 모습으로 인식되기도
합니다.

앞서 이렇게 도쿄나 일본에 부정적인 메시지를 담은 영화를 어찌 '도쿄'라는 프로젝트에 고스란히 수용할 수 있었을까
놀라웠다는 얘기를 했었는데, 그 이유가 바로 레오 까락스의 <광인> 때문이었습니다. 영화 속에서 광인은 하수구 밖으로
나와 도심을 활보하며 시민들을 괴롭히고 급기야 대형 살인사건마저 벌이게 되는데, <도쿄>라는 프로젝트에 초대받아서
이런 영화를 만든 레오 까락스나 이걸 수용한 프로듀서나 다 대단한듯 싶습니다. 초반에는 단순히 이 이상한 광인에
행동에 집중하는 듯 했던 영화는 중반 이후부터 그가 왜 이렇게 되었는지, 왜 이런 행동들을 했는지에 관해 들려줍니다.
이 과정에서 아주 노골적으로 일본의 군국주의에 대한 비판의 메시지가 묘사되고 있는데, 마지막에는 한 술 더 떠서
미국까지 걸고 넘어지는 레오 까락스의 재치는 살짝 통쾌하기도 했습니다.
사실 극장에서도 많은 관객들이 박장대소하며 웃기도 했었고, 다른 기사들을 보니 코미디 적인 면을 강조한 평들도
보이던데, 저는 확실히 영화를 좀 많이 진지하게만 보는건지 많은 사람들에게 웃음 포인트가 된 그 장면들조차
다 비유나 은유로만 느껴지더라구요. 그래서 살짝 극장의 분위기가 적응되지 않기도 했었는데, 확실히 제 웃음 코드는
대중들과는 동 떨어지는 '광인'일지도 모르겠네요 윽.


1. 우리나라에서 '서울'을 주제로 옴니버스 영화를 만드는데 왠 유럽 감독이 서울서 폭탄테러 벌이는 영화를 만든다면
   절대 허가하지 않았겠죠.
2. 하수구 속 장면 가운데 긴 계단이 등장하는 장면이 나오는데, 세트인지 실제 장소인지는 모르겠지만 굉장히
   멋진 장면이었습니다.




흔들리는 도쿄 (Shaking Tokyo) - 봉준호

앞선 두 작품이 각각 다른 이유로 워낙에 판타지스럽다보니 봉준호 감독의 <흔들리는 도쿄>는 가장 보편적으로
느껴집니다. 사실 히키코모리가 사회 문제가 된지도 제법 오래 되었고, 국내에서도 TV를 통해 접할 수가 있었기 때문에
히키코모리 자체에서 오는 신선함은 없지만, 히키코모리가 히키코모리를 만나러 간다는 설정은 나쁘지 않았던 것
같습니다. <흔들리는 도쿄>는 숨은 디테일을 찾아볼 수 있는 봉준호 감독 영화다운 느낌도 들지만, 한 편으론 정적과
빛의 사용에 있어 상당히 일본영화 같은 느낌도 받게 됩니다. 물론 여기에는 우리에게 익숙한 일본 배우들이 출연하고
있다는 것도 작용하고 있다고 해야겠네요. 히키코모리 역할을 맡은 카가와 테루유키는 필름 2.0 지난호 기사를 보니
봉준호 감독의 엄청난 팬인 것을 알 수 있었는데(참고로 그는 봉준호 감독 연출에 송강호와 함께 영화를 찍게 되면
당장이라도 배우를 관둬도 여한이 없겠다는 인터뷰를 하기도 했습니다 ㅎ), 히키코모리 라는 것 자체가 워낙에 일본적인
것이라 그렇기도 하겠지만, 별로 외국 감독이 연출한듯한 느낌을 받기 어려웠습니다. 봉준호 감독의 스타일이 너무
완벽하게 배우들에게 녹아들었다고나 할까요? 주연을 맡은 카가와 테루유키는 물론, 아오이 유우나 깜짝 출연한
다케나카 나오토 역시 너무 자연스럽습니다.

카가와 테루유키가 히키코모리를 완벽하게 연기한다면 아오이 유우는 우리가 흔히 알고 있는 그녀의 이미지를 극대화 한
캐릭터를 연기하고 있습니다. 극중 대사에도 나오지만 그냥 '그 하얀 아이'이렇게 묘사될 만큼 별 대사 없이도
무표정하게 바라보는 것 만으로도 장면이 되는 아오이 유우만의 장점이 부각된 영화라고 해야겠네요.
봉테일, 봉준호 감독답게 세심한 연출이 돋보이는 장면들도 많았습니다. 혼자사는 히키코모리를 부각시키기 위해
마련한 집 안의 세트라던가, 그가 처음으로 변화를 겪게 되면서 느끼는 감정들을 세세하게 묘사하고 있습니다.
개인적으로는 미셸 공드리나 레오 까락스의 작품은 다들 그만의 색깔을 느낄 수 있는 장면이나 느낌을 강하게 받을 수
있었는데, 봉준호의 경우 너무 현지화가 잘 된 덕분에 비교적 그만의 느낌을 받을 수 없었다는 것이 아쉽더군요.


1. 이병우의 기타 선율은 이번에도 멋졌습니다~

2. 극중 카가와 테루유키가 휴지를 다 쓰고 남은 동그란 종이를 손바닥에 대어 동그란 자국을 내는 장면이 나오는데,
   <괴물>에서 송강호가 마지막에 괴물을 쓰러트릴때 손바닥에 역시 동그란 자국이 남았던 것이 떠올라 혼자
   재미있어 하기도 했습니다 ㅎ

3. 더 혼자만 알아챘던건 어떤 스치듯 지나간 배우를 알아본 것이었는데. 저는 원래 배우 얼굴 알아보는 것에 있어서는
   매우 민감하게 포착해내는 편이긴 하지만 이번 경우는, 집에와 확인해본 다음에 맞는 걸 알고 저도 놀랄 정도였습니다.
   스포일러가 될까봐 자세히 말할 순 없지만, 갑자기 인물들이 뛰쳐나오는 한 장면이 있는데 그 중 한 명이 본 기억이
   나더라구요. 얼굴이 거의 제대로 나오지도 않은채 약 1~2초 정도밖에는 안나오지만 워낙에 좋아하는 영화에 나왔던
   배우라 단번에 알아볼 수 있었습니다. <혐오스런 마츠코의 일생>에서 마츠코의 남자 중 한 명인 이발소 주인 역할로
   나왔던 배우였는데, 나중에 집에 와서 확인해보니 정말로 그의 필모그래피에 <도쿄!>가 있더라구요(혼자서도
   정말 놀랐음 ;;). 이거야 말로 혹시 아직 안보신 분들 계시다면 한번 찾아보세요. 요건 조금 힘드실 거에요 ^^;



   (바로 이분! 아라카와 요시요시 (YosiYosi Arakawa))

4. 극중 아오이 유우에겐 몸에 문신으로 새긴 버튼이 있는데, 그 버튼 모양이 엑스박스 360의 파워버튼과 똑같이
   생겼더라구요. 후원사에 마이크로소프트는 없었던 것 같은데 말이죠 ㅎ

5. 영화를 보고 나오면서 든 생각은, 히키코모리도 돈이 있어야 할 수 있다는 것. 백수들도 누가 매달 생활비 대주면
   모조리 히키코모리가 될지도 모르죠. 다 돈 있으니까 할 수 있는 듯 --;;




6. 이런 분이 피자 배달 온다면 굳이 히키코모리가 아니라 하더라도, 매번 피자 배달 시켜 먹겠죠 아마 ;;




 
 
글 / ashitaka (www.realfolkblues.co.kr)


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  1. Favicon of http://kinojrnl.net BlogIcon 키노 2008.10.27 12:45

    꼼꼼하고 예리한 평, 잘 읽었습니다. 저랑 비슷한 감상이셔서, 더 재미있게 읽었답니다! ^^
    한국인들의 (문화적) 포용력에 대한 말씀 100% 공감합니다. Seoul!을 이렇게 만들었다면, 어쩌면 불매운동이 벌어졌을지도..

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2008.10.27 13:13 신고

      저도 키노님의 감상기보고 놓쳤던 것을 확인할 수 있었네요~ 불매운동이전에 서울시에게 고소를 당하겠죠 ㅎ

  2. Favicon of https://orosisoro.tistory.com BlogIcon 오롯이. 2008.10.27 15:18 신고

    트랙백타고왔습니다.
    인테리어 디자인에 나왔던 큐브집, 외국에 어떤 기숙사가 그런 모습이더라고요. 색도 알록달록한게 레고같았던...
    광인은 저도 대체 어디가 웃긴 건지 모르겠습니다;; 내내 심각하게 봤는데 재밌게 보셨다는 분들도 계시더군요;;
    흔들리는 도쿄에 나온 저 분... 영화 볼 때 눈에 익다 싶어서 찾아보니 마츠코외에도 조제, 핑퐁 등에도 나오셨더군요.
    전 아무래도 핑퐁에서의 그 어설픈 주장이미지때문에 기억했던 듯;;
    트랙백 걸고 갑니다/

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2008.10.27 15:22 신고

      저말고도 그 분을 알아보신 분이 또 계셨군요!!
      사실 저는 아직까지 <핑퐁>을 dvd만 구매해 놓고 보질 못하고 있어서 <마츠코..>에서의 기억으로 확인할 수 있었습니다~ 그 큐브집은 정말 공드리가 일부러 만들었다고 해도 믿을 정도로 공드리 세계에 잘 어울리더라구요 ^^;

  3. Favicon of http://bachjd.tistory.com BlogIcon 차이와결여 2008.10.27 15:57

    '아쉬타카'님의 글을 읽고 있으면 한 편의 리뷰를 쓰기 위해서 많은 내용을 섭렵한 듯한 내공이 느껴져서 항상 놀라곤 합니다.
    오늘도 잘 읽고 가요..

    방문도 감사드립니다. ^^

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2008.10.27 17:47 신고

      뭐 그냥 습자지같은 얇은 지식일 뿐입니다 ㅎㅎ 관심있는 영화들만 보다보니 말이 많아지는 것 같아요~ 또 들러주세요~

  4. Favicon of http://k2rb2r5s826.tistory.com BlogIcon kerberos826 2008.10.27 22:36

    이런 디테일한 감상에 감동해버리는거죠~ ^^
    또 보고싶어지는데요~ ㅋㅋ

  5. Favicon of http://intogroove.tistory.com BlogIcon 인생의별 2008.10.27 23:21

    손바닥의 동그란 자국에 대해서는 봉 감독님도 <괴물>의 쇠파이프와 괜히 연관을 짓고 싶은 그런 마음도 있었다고 하더라고요ㅋ
    아쉬타카님의 리뷰는 봉 감독님만큼이나 디테일하네요! 저는 요즘 기억력이 나빠져서ㅠ

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2008.10.27 23:47 신고

      아, 실제로 어느 정도 의도한 부분이 있었군요~
      저도 영화를 볼 때 '아 이건 감상기 쓸 때 꼭 써야겠다'하고 생각하는 것 중에 6,70%만 살려내는 것 같아요. 그렇다고 적으면서 볼 수도 없고 말이죠 ㅎ

  6. Favicon of http://castello.tistory.com BlogIcon 까스뗄로 2008.10.31 00:39

    중반부 이후부터 공드리스러워지는 부분이 궁금하네요. 그 분이 머물쩍 넘어가듯 그려내는 환상이 좋아요. 레오스 꺄락스 영화는 일단 소재가 후덜덜하군요. 하수도 광인에다 전쟁 비판이라니... 근데 한편으로는 하수도 시설이 잘 되어 있는 나라 예술가다운 상상력답다 싶네요. 어므나, 사진을 저렇게 찍어놓으니 봉준호 감독이 유독 거구로 보이네요. (쿨럭.)

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2008.10.31 01:19 신고

      저도 어물쩍 넘어가는 그의 스타일을 좋아하는 편이죠 ㅎ 이번 작품은 어찌보면 좀 갑작스럽기도 하도, 어찌보면 나름 과정을 앞서서 들려준것이 아닌가 하기도 한데, 개인적으로는 기괴한 상상력과 감성적인 면을 다 괜찮게 보여주고 있는 것 같아요. 카가와 테루유키랑 있는 걸 보면 카가와가 작은 체구라서 유독 더 거구로 보이시더라구요 ㅎ

  7. Favicon of http://differenttastes.tistory.com/ BlogIcon 신어지 2008.10.31 09:17

    아항 그러고 보니 <흔들리는 도쿄>에는 <괴물>에 대한 오마쥬도 녹아 있었던 거군요.
    영화 끝나고 손바닥 동그라미에 대해 이야기를 하면서도 그런 생각은 전혀 못했다는.
    그저 마음에 아로새겨진 그 무엇이 사라지기 전에 빨리 행동하라는 뭐 그런 상징
    정도로만 생각했었어요.

    아오이 유우의 집 2층에서 뛰어내려오는 그 남자 저도 알아봤지요. 앗, 저 녀석! 했습니다. ㅋ

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2008.10.31 12:27 신고

      신어지님도 알아보셨군요 ㅎ 손바닥 동그라미는 말씀하신 의미가 주된 의미로 사용된 것은 맞지만, 의도적으로 <괴물>을 떠올리게 하려고 넣은 장치 같더라구요. 같은 감독의 작품에서만 느낄 수 있는 연결고리를 찾는 것 같아 재미있었습니다~

  8. Favicon of http://forget.tistory.com BlogIcon 주드 2008.11.03 10:43

    저도 이 영화 참 재미있게 봤습니다.
    감독들이 각자 개성을 살려서 멋진 작품들을 만들어 냈더군요.
    아쉬티카님 글을 읽으니 영화 속 장면들이 다시 떠오르면서 작품들이 새롭게 다가오네요.
    좋은글 잘 읽고 갑니다. :)

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2008.11.03 15:24 신고

      주드님도 보셨군요~ 저도 오랜만에 세 감독의 작품을 만나볼 수 있어서 좋았습니다~ 제 취향인 공드리와 봉준호 감독이 있어서 더욱 좋았구요~

  9. 알 수 없는 사용자 2009.01.12 23:47

    꽤 섬세한 영화 해석 잘 봤습니다 ^^
    <도쿄 !>의 느낌표 이야기가 참 인상적이더군요 ㅋ

    '광인'의 덧 3번에 추가하자면 '드니 라방'의 전라씬이 나오죠 ㅋㅋㅋ
    그리고 저도 일본을 주제로 하면서 일본을 비판하는 영화를 찍는 것이 의아했습니다 ㅋ

    '히키코모리'의 덧 6번의 글에 대한 제 대답은
    제 주식은 피자가 될 겁니다 ㅋㅋㅋ



괴물 (The Host)
 
몇 년 전 <살인의 추억>을 보고 난 뒤 바로 들었던 생각은, 아니 보면서 가장 먼저 들었던 생각은 영화가 재미있다
보다 도 (물론 재미있지만), 완성도가 정말 높구나 하는 것이었다. 전체적으로 높은 완성도에다가 긴박함을 시종일관
유지시키는 리듬감, 감칠맛 나는 대사, 현실적인 캐릭터와 배경, 봉태일이라고 불릴 만큼 엄청난 디테일 등은 봉준호 감독의
다음 작품을 몹시도 기다리게 했다. 아마도 <살인의 추억>이 개봉관에서 내린 뒤 모 잡지에 난 인터뷰에서 다음 작품은
한강에 사는 괴물에 대한 이야기를 영화화할 것 같다고 했던 것에서부터, 이 영화 '괴물'에 대한 기대는 시작되었을 것이다.
2006년 영화계에 최고의 화제를 불러 일으켰던 영화 <괴물>은 그 동안 국내에서는 시도되지 않았던
(시도되지 않았다기 보다는 제대로 보여준 적이 없었던) SF 괴수영화, CG컷이 맛 배기 정도가 아니라 주축이 될 정도로 많이
사용되었음에도 수준급의 완성도를 보여준 영화로서도 의의가 있는 작품이면서, 다른 한 편으론 <살인의 추억>에서 보여줬던
봉준호 감독의 스토리텔링 능력과 <플란다스의 개>에서 보여줬던 특유의 재기 발랄함과 독특한 개성이 묻어나는 작품이라
할 수 있을 것이다. <괴물> 영화에 관한 이야기는 이미 개봉 시에 너무도 많이 다뤄졌기 때문에 이번 리뷰에서는
 DVD의 관한 이야기만 하도록 하겠다.



극장에서 <괴물>을 몇 번씩 관람하면서 지속적으로 들었던 생각은 <괴물>DVD의 관한 기대였다.
아무리 DVD가 훌륭한 스펙과 완성도를 수록하였다 하더라도 극장에서만 느낄 수 있는 스케일을 한 번이라도
더 느끼기 위해 중복 관람을 몇 번이고 했었다면, DVD타이틀에는 극장에서는 볼 수 없는 서플먼트가 음성해설이
있기 때문에 DVD로서의 <괴물>도 엄청난 기대를 갖게 했었다. 특히 ‘봉태일’ 봉준호 감독의 작품이기 때문에
몇 번의 관람에도 찾아낼 수 없었고 다 소화할 수 없었던 비하인드 스토리와 세밀한 디테일이 숨어있을 것이라는
기대와 더불어, 개봉 당시 논란이 되기도 했던 몇 가지 사실 관계와 감독의 의도에 관한 궁금증으로 이 같은 기대를
더욱 갖게 하였다(논란이 되었던 부분에 관한 이야기는 잠시 뒤 음성해설 리뷰에서 다시 언급하기로 하겠다).



먼저 1.85:1 와이드스크린의 화질은 최근 출시된 타이틀 가운데서도 최상급에 속할 만큼 수준급의 화질을 선보이고 있다.
필자의 시청 환경은 32인치 와이드 HDTV로 시청하였는데, 마치 HD방송을 보는 듯한 착각이 들 정도의 선명하고
컨트라스트비가 높은 화질로 감탄을 자아냈다. 특히 하수구에 갇힌 현서의 얼굴처럼 클로즈업 장면에서는 최고수준의
화질을 만나볼 수 있으며, 비오는 동호대교 아래의 추격 장면에서와 같은 움직임이 많고 거친 영상에서도 외곽선이나
잔상이 남지 않는 뚜렷하고 선명한 화질을 선보이고 있다. 1.85:1의 이야기가 나왔으니 말인데, 대부분의 사람들이
한강을 배경으로 하는 괴물 영화를 찍는 다고 하였을 때, 넓은 한강을 와이드 하게 담을 수 있는 2.35:1의 영상이
될 것이라고 예상하였으나, 봉준호 감독은 아메리칸 스탠다드 영상인 1.85:1을 선택하여 조금 의아해 하기도 했었다.
물론 한강 하면 좀 더 와이드 한 2.35:1을 생각하기 쉽지만, 봉준호 감독이 구상한 영화의 특성상, 수평적인 움직임보다
 수직적인 움직임이 많고(괴물의 움직임만을 갖고 보아도 좌우로 움직이는 수평적 움직임보다는 교각을 오르내리는
동작이라던가 은신처를 오고 가는 움직임에서도 수직적인 움직임이 주를 이룬다는 것을 알 수 있다),
컷에 있어서도 장면을 이어갈 때 여러 컷을 촬영하여 편집하는 스타일이 아니라 주로 한 테이크에서 인물들이
들락 날락 하는 형식을 주로 사용하고 있기 때문에, 이런 장면에서도 1.85:1이 더욱 용이하고 효과적으로 사용되고 있음을
알 수 있다.



DTS-ES 6.1채널과 돌비디지털 5.1EX를 수록한 사운드 역시 최신 타이틀다운 수준급의 음질을 수록하고 있다.
일단 영화의 가장 중요한 사운드 포인트가 되는 괴물의 소리는 그야말로 최근 한국영화는 물론 외국영화 타이틀
가운데서도 손꼽을 만한 결과물을 들려주는데, 초반 괴물이 등장하여 한강 둔치를 쿵쿵 뛰어오는 장면에서는
우퍼 스피커의 진동을 통해 그 무게감이 절로 느껴지며, 바로 이어지는 아수라장의 한강 시민 공원 장면에서도
괴물의 소리는 물론 여기저기서 터져 나오는 비명과 잡다한 소리들이 복잡하게 섞여 있음에도 높은 채널 분리도와 함께
매우 선명하게 전달되고 있다. 특히 사운드의 정점이라 할 수 있는 장면은 극중 희봉이 최후를 맞이하게 되는
빗속의 결투 장면을 꼽을 수 있을 것이다. 세차게 내리 치는 빗 소리와 괴물의 소리, 괴물에게 향하는 총소리,
그리고 긴박감을 더하게 하는 극적인 스코어까지 더해져 사운드의 요소가 집합된 장면이라 할 수 있는데,
각각의 선명한 사운드와 높은 채널 분리도는 조용한 매점 안에서 시작하여 다리 아래 강변에서 희봉이 죽음에 이르기까지
 정신 없이 몰아치며 사운드적인 몰입도 측면에서 최고조에 달하고 있다. 괴물의 소리는 물론 에이전트 옐로우의
살포 시에 사운드처럼 현실에 존재하지 않는 새로운 사운드의 표현은 물론, 이병우 음악감독의 극적인 스코어도
풍부한 출력으로 만끽할 수 있다.



보통 DVD가 출시가 되고 나면 영화 본 편을 먼저 감상하기 마련인데, 아마도 본 편이 아닌 음성해설을
먼저 감상하게 된 것은 개인적으로 이번 <괴물>DVD가 처음이 아닐까 싶다. 괴물 DVD는 레퍼런스급 DVD답게
음성해설도 총 3가지가 수록되었는데 첫 번째는 감독과 송강호, 박해일, 배두나 등 배우들이 참여한 버전,
두 번째는 봉준호 감독의 단독 음성해설, 세 번째는 조능연 프로듀서와 김형구 촬영감독, 정영민 조명감독과
류성희 미술감독 등 스텝들의 음성해설이 수록되었다. 그 중에서도 가장 영양가 있고 흥미로운 버전은
아무래도 봉준호 감독의 단독 음성해설일 것이다. 차분한 태도이지만 장면 장면에서 할 말은 다하고
미안했던 스텝들에게 이야기를 전하기도 하고, 관객들의 반응에 대한 생각이나, 논란 거리가 되었던 일들에 대해
코멘트를 하기도 하는데, 먼저 개봉 당시 논란이 되었던 현서의 죽음에 관련해서는 ‘현서는 죽은 것이 맞다’로
당연하게 결론지어졌다. 사실 이 논란을 논란이라기 보다는 감독의 말처럼 현서의 캐릭터에 너무 빠져버린
관객들이 죽지 않았을 것이라고 믿고 싶어하는 마음에서 생기게 된 일로서 생각하는 편이 맞을 것이다.
또한 일부 장면이 일본 애니메이션 <패트레이버>를 표절 했다는 의견에 대해서는, 두 작품을 잘 보게 되면
유사성이 없다는 것을 다 알 수 있기 때문에 일일이 대응할 필요도 없었다는 말로 대신하고 있다.
그리고 많은 사람들이 지적하기도 했던 마지막 괴물과의 결투 중 불 붙은 괴물의 CG에 관해서는,
예산과 시간의 부족으로 인해 그렇게 처리할 수 밖에 없었음을 어느 정도 스스로 인정하는 코멘터를 들려준다.



그리고 극 중 강두가 ‘No Virus?’하고 묻는 장면은 노골적으로 미국의 이라크전에 관한 풍자를 하고 있다는 것과
극 중 남일이 예전 운동권 선배를 찾아가 도움을 청하는 장면의 분위기는 의도적으로 80년대 운동권 학생과
그 주변의 분위기를 내려고 했었다는 말도 전한다. 그리고 강두가 전두엽 추출 수술 이후 분명 이전과는 달라졌다는
이야기도 하는데, 송강호의 연기의 패턴 또한 그 전과 후 과 뚜렷이 구분되고 있음을 설명해 주고 있다.
배우들의 음성해설은 시나리오와 연출 의도에 관한 이야기보다는 촬영현장과 분위기,
에피소드에 관한 이야기들이 즐거운 분위기 아래 진행된다(하지만 변희봉 씨와 고아성 양이 참여하지 못한 것은
아무래도 아쉬움으로 남는다). 스텝들의 음성해설은 각각 파트에 해당하는 장면이 개별적으로 녹음되어 있으며
각각의 전문 분야에 관한 더욱 세세한 이야기가 수록되었다.



두 번째 디스크에는 마치 괴물의 세포를 연상시키는 메뉴 디자인 아래 다양한 서플먼트들이 수록되어있다.
크게 ‘괴물탄생’과 ‘괴물제작’으로 나뉘어있는데, ‘괴물탄생’에서는 촬영 이전에 프리프로덕션 단계에 관한 영상들을
주로 수록하고 있다. 제작자인 청어람의 최용배 대표와 봉준호 감독과 시나리오를 공동으로 작업한
하준원, 백철현씨의 인터뷰가 수록되었으며, 주연배우들이 촬영에 필요한 사격, 양궁 등을
미리 연습하는 과정이 담겨있다. 그리고 감독 자신이 캐스팅의 핵심이라고 표현한 현서와 세주 역할의 캐스팅의
관련한 오디션 영상이 수록되었는데, 그 사이 많이 커버린 고아성 양의 어린 모습이 인상적이다.
그리고 ‘뉴스 속보’에서는 영화 속에 등장했던 뉴스 클립들을 따로 감상할 수 있는데, 최일구 앵커를 비롯하여
김원장 KBS기자 등 연기자가 아닌 실제 방송인들이 출연한 뉴스 클립들인지라, 또한 영화 속에서는
TV속 화면으로 작게 표현되거나 스쳐 지나가는 영상으로 표현되어서 자세하게 감상할 수 가 없었던 영상이라
매우 흥미롭다. ‘괴물 제작’ 에서는 괴물 자체의 구상에서부터 디자인, 컴퓨터 그래픽을 거쳐
최종적으로 스크린에서 관객들이 보게 될 때 까지의 과정을 상세하게 담고 있다.
특히 장희철 크리처 디자이너가 뉴질랜드의 웨타숍에 건너가 웨타숍 디자이너들과 함께
작업하는 과정을 담은 영상을 통해, 영화 <괴물>에 있어 괴물의 디자인을 완성한 장희철 디자이너의 공로를
새삼 느끼게 된다. 또한 웨타숍에서의 영상은 <반지의 제왕>서플먼트에서 볼 수 있었던 리차드 테일러가 등장하기도 해
마치 외국 영화 DVD의 서플을 보는 듯한 느낌도 들었다.



‘괴물은 왜 그랬을까’라는 제목의 서플먼트에서는 봉준호 감독의 음성해설과 함께 영화 ‘괴물’을 강두 가족이 아닌
‘괴물’의 입장에서 영화를 재해석 하고 있다. 봉준호 감독의 의도처럼 ‘괴물’이 단순히 무지막지한 괴수가 아니라
나름 상처를 입고 외롭기도 하고, 인간의 잘못에 의해 만들어진 산물로서 어떠한 관점을 갖고 있었는가를
알 수 있는 흥미로운 스페셜 피처라고 할 수 있을 것이다.
이 밖에 ‘괴물 갤러리’에서는 영화 속에 등장하는 괴물 과는 다르지만, 초기에 구상되었던 다양한 형태와
컨셉의 괴물의 이미지가 수록되었다. 그리고 이스터 에그로 수록된 영상에서는 현서와 바뀌게된
여중생 역할 소녀와 방역업체 직원으로 괴물에게 잡혀가게 되는 역할의 배우,
그리고 한 때 ‘괴물녀’로 소개되기도 했던(음악을 듣다가 괴물에게 끌려가는 여자)역할을 맡은 배우의 인터뷰가
핸드폰에 전송된 동영상 방식으로 수록되었다.



세 번째 디스크에는 한강의 지도를 연상시키는 메뉴 화면아래 역시 다양한 서플먼트가 수록되었다.
‘한강질주’에서는 한강에서 촬영하면서 겪었던 어려움들과 마치 이 영화를 위해 만들어졌다고 해도 믿을 만큼
훌륭한 건축물들이 실제로 한강에 존재했었다는 스텝들의 이야기 등 한강 로케이션에 관한 영상들이 수록되었다.
 ‘삼켜버린 장면’은 말 그대로 삭제장면이 수록되어 있는데, 특히 봉준호 감독이 삭제된 장면에만 출연했던
단역 연기자들에게 미안해하는 감정이 그대로 드러나고 있다. 그리고 엄청난 금액이 투자된 괴물 장면들도
일부 삭제가 되었는데, 괴물이 등장하는 장면에서는 그 금액이 금액인 만큼 눈물을 머금고 본 편에서
삭제했다는 말도 전해 들을 수 있다. 음성해설과 일부 서플에서도 가끔씩 등장하지만,
 ‘봉감독의 사과합니다’에서는 본격적으로 봉준호 감독이 자신 때문에 고생했던 스텝들과 배우들에게
사과를 하는 재미있는 영상이 수록되어있다. ‘한강 찬가’에서는 이병우 음악감독이 영화음악을 만드는 과정을
담고 있으며, 시사회와 해외 영화제에 참여했던 장면들이 수록된 ‘스크린 외출’,
그리고 변희봉, 윤제문 등이 출연하는 단편 ‘Sink & Rise’등이 수록되어있다.



이 밖에도 일일이 나열하진 않았지만 소개 한 것 외에도 더욱 재미있고 흥미로운 서플먼트들이 가득 담겨있어
서플먼트도 가히 최고수준의 퀄리티와 완성도를 수록하고 있다고 해도 과언이 아닐 듯 하다.
봉준호 감독은 인터뷰를 통해 , 이 영화가 1300만이라는 엄청난 관객 동원으로 인해 여름용 블록버스터,
상업영화 로만 평가되고 있는 것이 아쉽고, 그렇게 평가되기 보다는 그저 독특한 감성과 형식을 갖고 있는
하나의 재미있는 영화로 평가 받았으면 좋겠다는 이야기를 전했는데,
봉준호 감독의 본래의 의도처럼 영화 <괴물>이 단순한 흥행작이 아닌 특별한 작품으로 이해되기에,
<괴물>DVD는 최고의 안내서가 아닐까 싶다.

2007.01.10
글 / ashitaka



2003.10.31

이 당시에도 파격적이었던 제목 --;;

그 당시엔 잘 몰랐는데 지금은 잘 지었다와 창피하다가 주기적으로 교차하는듯 --;


'농촌 스릴러'와 '전원일기 세븐' 가운데서 메인 제목을 상당히 고민했던 기억이...;;;



괴물 (The Host)

몇년전 <살인의 추억>을 보고 난 뒤 바로 들었던 생각은, 아니 보면서 가장 먼저 들었던 생각은

영화가 재밌다 보다도 (물론 재밌지만), 완성도가 정말 높구나 하는 것이였다.

전체적으로 높은 완성도에데가 긴박함을 시종일관 유지시키는 리듬감, 감칠맛 나는 대사,

현실적인 캐릭터와 배경, 봉테일이라고 불릴만큼 엄청난 디테일 등은 봉준호 감독의 다음 작품을 몹시도 기다리게 했다.

아마도 <살인의 추억>이 개봉관에서 내린뒤 모 잡지에 난 인터뷰에서 다음 작품은 한강에 사는

괴물에 대한 이야기를 영화화할 것 같다 고 했던 것에서부터, 이 영화 '괴물'에 대한 기대는

시작되었을 것이다.



<괴물>은 봉준호 감독의 특징이 매우 잘 나타난 영화라고 할 수 있을 것이다.

먼저 공포와 스릴러의 긴장감을 유지시키는 특유의 리듬감.

공포영화들의 기존 법칙과는 다르게 <괴물>은 초반에 공포에 대상이 완전히 드러나고

사실상 시작하자마자 사건이 터져 끝날때까지 잠시 숨돌릴틈만 주고 몰아치는 스타일이다.

이런 전개에 적절한 리듬감을 준것은 역시 특유의 유머일 것이다.

그리고 이 유머는 상황설정의 아이러니와 대사의 맛으로 나뉠 수 있을 것이다.

특히 시나리오를 직접 작업하기도한 봉감독의 대사와 이 멋진 대사를 더 멋지게 살려내는

배우들의 조화는 그야말로 탁월한 수준이다.



<살인의 추억>에서도 조금 느낄 수 있었지만, <괴물>에서는 권력(현재 우리나라의 상황에서는

특히 미국(미군)의 권력)에 대한 풍자가 더욱 두드러지고 있다.

감독의 의도로만 따진다면 극중 가족들이 괴물에게 갖는 분노와 맘먹을 정도로

감독이 권력에 대해 갖는 분노가 느껴질 정도로 노골적인 풍자의 설정들이 가득하다.

국민들이 수없이 죽어나가는 상황에서도 미군이 관련된 상황에서는 아무런 조사, 결정권도

없다는것이나, 주인공 박강두의 인권은 무시한채 사건을 은폐시기고 희생양을 삼아

사건을 매듭지어버리려는 시도는 물론, 다 재쳐두고라도 괴물의 탄생 자체가 미군이

한강에 독극물을 아무렇지도 않게 흘려버린것에서 원인했다는 기본 설정만 하더라도

상당히 공격적인 바탕이라고 할 수 있을 것이다. (권력에 풍자와는 조금 별개지만, 합동분향소에서

그 와중에도 차빼달라고 소리쳐 사람을 찾는 경비원에게서,우리나라 사람들에 대한 또 다른

풍자를 엿볼 수 있었다)




디테일에 있어서는 한국영화 계에서 단연 최고라고 할 수 있는 봉테일, 봉준호 감독.

<괴물>의 표면적인 주인공인 '괴물'의 디테일을 완성시키기 위해(한국영화라는 태초의

한계에 안주하지 않고, 쉽게 말해 어설프게 보이지 않기 위해서) 우리에게 반지의 제왕 시리즈로

유명한 웨타워크숍에 괴물 디자인을 맡겼고, 미국의 오퍼니지 스튜디오에 전체적인 CG를 맡겨

스크린에 괴물이 단지 영화속에 괴물로만 생각되지 않을 정도의 디테일을 완성하였다.

특히 다리 아래를 체조하듯 이동하는 괴물의 멋진 움직임은

약간 과장된 몸짓임에도 그리 어색해 보이지 않았으며, 특히 인물들과 괴물이 겹치는 부분에서

정확히 괴물과 인물들간에 접촉이 있는 장면에서도 전혀 어색함이 느껴지지 않을 정도였다.

이 말은 CG의 수준이 대단하다는 것만으로 생각될 수도 있지만, 반대로 생각해본다면

이제 우리나라의 배우들도 가상의 캐릭터와 연기하는 것에 조금은 익숙해졌다고 볼 수도

있을 것 같다. 생각했던것보다 괴물의 실체가 상당히 많은 시간 노출된데에는, 괴물의 퀄리티에

상당한 자신감이 없었으면 할 수 없는 일이였을터. 괴물의 디테일은 지금까지의 한국영화는

물론이고 헐리웃 영화들과 견주어도 전혀 손색이 없는 정도라 할 수 있을 것이다.




'괴물'이라는 공포스런 존재로 시선을 끌긴 했지만, 사실상 영화 <괴물>은 가족영화이다.

가족들간의 유대감이 부족하고 구성원들 개개인들도 특별히 유별날 것이 없는 한 가족이,

딸이 괴물에게 잡혀가면서 하나로 모이는 계기가 되고(합동 장례식 장에서 박희봉 왈 '현서야,

너 때문에 우리가 다 한자리에 모였다'라고 했을 정도로), 이후 또 한번의 사건을 겪으면서

그동안 서로를 믿지 못했던 가족이 서로를 조금 더 신뢰하게 된다. 특히 아버지와 딸의 관계,

그리고 아버지와 아들의 관계에 주목하며 순간순간 감동마저 불러일으킨다.

혹자는 결국 현서가 죽음에 이르고 현서와 함께 있던 남자아이는 살아나며, 별볼일 없던

박강두가 괴물과 1:1로 맞설정도로 초인적인 캐릭터로 변한 것에 대해 오바라고 하기도 하지만,

현서가 아닌 현서가 구하려던 남자아이가 살아남은 것은 어쩌면 구하려던 현서가 살아남은것

보다 더 큰 의미를 갖는 일이라고 생각할 수도 있으며, 영화내내 함께 느꼈던 가족의 분노가

그들을 용사로 만들었던것은 헛웃음이 나올 정도로 과장된 것은 아니였다.

(개인적으로는 박강두든지 아니면 박남일이라도 마지막 장면에 괴물에 면상에 대고 욕지껄이라도

한번 해주어서 보는 이들의 마음을 시원하게 해줬으면 어땠을까 기대하기도 했었다.

마치 <에일리언 2>에서 리플리가 에일리언에게 덤빌테면 덤벼봐라고 멋지게 말했던것처럼

말이다).




배우들의 연기는 봉감독의 디테일만큼이나 섬세했다. 송강호는 약간은 모자란 박강두 역할을 맡아

딸을 잃고 모든 것을 괴물을 찾는데 쏟다가 권력에 의해 고통받기까지 하는 캐릭터를

너무나도 실감나게 보여주었다. 특히 병원에 갖혀있을때 미국인 의사가 노 바이러스 하는 것을

알아듣고 '바이러스 없구나'할때의 그 특유의 억양은 송강호만이 제대로 살릴 수 있는

대사였다고 생각된다. 변희봉은 <살인의 추억>에서는 이렇다할 포스를 펼치지 못했던것과는 달리

<괴물>에서는 러닝타임내내 가족을 리드하는 리더쉽을 보여준다. 변희봉 역시 대사를 치는데

있어서는 연기경력이 헛된 시간이 아니었음을 증명하는 경지에 오른 수준을 보여준다.

박해일이 맡은 박남일은 후반으로 갈 수록 빛을 발하다가 마지막에 가서는 결국 운동권 시절에

주특기를 유감없이 발휘하며 후반 멋진 장면을 연출한다. 배두나가 맡은 박남주 역할은

예상했던 것보다는 비중이 적은 것이 사실이지만, 괴물을 똑바로 쳐다보고 활을 날린 뒤

쳐다보지 않고 돌아서는 장면에서의 포스는, 국내 여배우에게 저런 아우라를 풍길 수 있는 배우가

또 있을까 싶을 정도로 멋진 장면을 연출했다. 현서 역을 맡은 아역 배우 고아성은 상당히

비중있는 역할로서, 특히 괴물과 대치하는 대부분의 긴장되는 상황에 등장하면서 단순 아역이

아니라 당당하 주, 조연 배우급의 활약을 펼쳤다 (극중 캐릭터들의 이름을 잘 보면 알겠지만

배두나가 맡은 '박남주'를 제외하면 모두 실제 배우와 캐릭터간의 이름이 한글자 이상씩 겹치는

것을 알 수 있다). <살인의 추억>에 출연했던 김뢰하, 박노식 등도 잠깐씩 만나볼 수 있으며,

<남극일기>에서의 연기가 기억에 남는 윤제문도 매우 중요한 결정적 캐릭터를 맡았다.

그리고 이미 여러번 화제가 되었던것처럼 오달수는 괴물의 목소리 더빙을 맡기도 했다.




<괴물>은 여러가지 면에서 최고라 불릴만한 영화임에 틀림없다.

극장을 나오면서 바로 또 보고 싶다는 생각이 들었으며 한동안 멍해질 정도로 몰입할 수 있었던

영화였다. 이미 2번째 얘매는 마친 상태. 최소 2번은 더 볼듯하다. 벌써부터 DVD가 기다려지는건

봉준호 감독작품이라 아무래도 더한것 같다.


 
글 / ashitaka

p.s / 1. 영화 초반 뉴스 장면에서 앵커를 맡은 최일구 앵커는 너무 유명해서 제쳐두고 라도,

           현장에 기자로 나왔던 김원장 기자까지 실제 기자를 쓴 것을 눈치챈 사람은 그리 많지

           않은듯. 김원장 기자는 KBS기자로서 뉴스나 라디오뉴스를 통해 알고 있었던지라

           제법 반가웠는데 MBC앵커에 KBS기자라니 이것도 색다른 재미였다.


         2. 오프닝 크래딧에 음악 이병우 라고 나왔을때, 사실 조금 어울리지 않을 듯해 우려섞인

            걱정을 했었는데, 결과적으로는 상당히 만족스런 영화음악이 나왔다.

            이병우는 이제 기타리스트 보다는 먼저 영화음악가가 더 우선적으로 호명되어야

            할 것 같다.


         3. 이제 원효대교 밑을 비롯해 한강둔치는 다리 아래들은 관광명소가 될듯.


         4. 극장을 나올땐 더 많은 p.s가 생각났었는데 지금은 졸려서 그런지 생각이 잘...

           몇번 더 관람뒤 제 정리해야할듯.

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