헤이트풀8 (The Hateful Eight, 2015)

타란티노의 첫 번째 오리지널 서부 영화



레드 락 타운으로 ‘죄수’를 이송해가던 ‘교수형 집행인’은 설원 속에서 우연히 ‘현상금 사냥꾼’, ‘보안관’과 합류하게 된다. 그리고 거센 눈보라를 피해 산장으로 들어선 4명은 그곳에 먼저 와있던 또 다른 4명, ‘연합군 장교’, ‘이방인’, ‘리틀맨’, ‘카우보이’를 만나게 된다.  큰 현상금이 걸린 ‘죄수’를 호시탐탐 노리는 이들에게 ‘교수형 집행인’은 경고를 하지만 이를 비웃기라도 하듯 참혹한 독살 사건이 일어난다. 각자 숨겨둔 비밀이 하나씩 밝혀지면서 서로를 향한 불신이 커져만 가고 팽팽한 긴장감 속에 증오의 밤은 점점 깊어지는데...  (출처 : 다음영화)


쿠엔틴 타란티노의 8번째 영화 '헤이트풀8 (The Hateful Eight, 2015)'은 그의 장기가 집대성 된 영화다 (아, 그 전에 헤이트풀팔 이라는 국내 제목은 아무래도 이상하다. 그냥 증오의 8인 정도로 했으면 좋았을 것을. 관련 글 링크). 또 한 번 여러 명의 인물들이 등장하고, 수다는 재료가 아니라 핵심이며, 장르 영화의 틀 안에서 자유롭게 노는 것도 여전하다. 타란티노는 이미 전작들을 통햇도 자신이 좋아하는 여러 장르 영화들에 대한 오마주를 빌어 다양한 진화된 결과물을 보여주었었는데, 이번 '증오의 8인'이 전작들과 조금 다른 점이라면 바로 오리지널리티라고 할 수 있을 것이다. '헤이트풀 8'은 어떤 영화에 대한 오마주이거나 오마주를 활용해 더 흥미로운 작품을 만든 경우가 아니라, 명백한 장르 영화로서 첫 번째 오리지널 작품이라는 점에서 흥미롭고 주목할 만한 영화다.



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타이틀 롤이나 엔딩 크래딧 등만 보아도 이전 그의 작품에서도 비슷한 방식으로 활용된 적이 있으나, 전작들에서는 말그대로 명확한 컨셉에 따른 선택이었다면 이번 경우는 어떠한 의도를 갖기 이전에, 그냥 진짜 서부 영화를 만들고자 했다는 느낌이 더 강하게 느껴졌다. 이런 성향을 가장 잘 대변하는 이번 영화의 특징 중 하나는 이미 가장 많이 화제가 되기도 한 엔니오 모리꼬네의 영화 음악을 들 수 있을 것이다. 얼핏 생각하면 '어? 예전에도 타란티노의 영화에 엔니오 모리꼬네 음악은 많이 나오지 않았나?'하고 생각할 수 있지만, 그건 어쩌면 모리꼬네의 열렬한 팬이었던 타란티노의 선택으로 인한 일종의 삽입곡인 경우였다. 엔니오 모리꼬네의 곡들 외에도 타란티노의 영화들은 그가 선택하는 유명한 넘버들로 인해 사운드 트랙 측면에서도 매번 끝내주는 앨범을 선사하곤 했는데, 전작들의 사운드트랙이 컴필레이션 앨범에 가깝다면 이번 '헤이트풀 8'의 사운드 트랙은 오리지널 정규 앨범이라고 할 수 있을 것이다. 엔니오 모리꼬네가 이 영화 만을 위해 새롭게 만든 스코어들은 앞서 언급한 첫 번째 오리지널 영화로서의 의의를 더욱 견고하게 만들고 있다. 타란티노는 모리꼬네의 새로운 곡을 받고 얼마나 좋아했을까. 그 흥분이 스크린 밖까지 느껴질 정도다.



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3시간에 가까운 168분의 러닝 타임이지만 영화는 아주 한정된 공간만을 무대로 한다. 잡화상 건물 안에 각기 다른 이유로 오게 된 인물들을 가둬두고 챕터 형식을 통해 이야기를 재구성하는 방식으로 진행되는 이 영화는, 한정된 공간이라는 제약을 가장 큰 장점으로 활용하고 있다. 한정된 공간에 한정된 인물들이라면 영화가 보여줄 수 있는 가장 대표적인 무기는 대화가 된다. 타란티노에게 대화 시퀀스란, 아니 수다란 가장 매력적인 도구이자 자신의 의도를 가장 잘 표현해줄 수 있는 도구가 아니던가. 타란티노는 이 수다를 예술의 경지로 끌어 올린 장인답게 오로지 수다 만을 통해 각 인물들의 성격을 부여하는 동시에, 묘한 긴장감과 이야기의 복선과 반전 등을 이끌어 낸다. 그래서인지 이 영화를 보고나면 서부 영화를 봤다는 느낌과 함께 한 편의 설화를 전해 들은 듯한 느낌이 남는다. 즉, 캐릭터가 빛나는 캐릭터 영화이기도 하지만, 스토리텔링이 중심에 있는 전통적인 방식의 영화라는 점이다.



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'헤이트풀8'은 제목의 요상함 보다도 그 화면비에 대한 이야기가 더 화제가 되었는데, 다행히 스타리움 관을 통해 최대한 감독의 의도에 가까운 화면비로 감상할 수 있었다. 타란티노는 오리지널 서부 영화를 만들기 위해 조금은 집착에 가깝게 고전적인 화면비율을 고집했는데, 일반적인 2.35:1 화면비가 아닌 울트라 파나비전 70렌즈와 70mm 필름 촬영을 통해 무려 2.76:1의 극단적인 화면비로 이 영화를 완성하였다. 요즘 관객들은 위아래로 가득 찬 화면비를 더 선호하기는 하지만, 좌우로 길게 뻗은 시네마스코프 화면 만이 만들어 내는 영상미는 분명 존재하고, 또 압도적인 순간들을 만들어 낸다. '아라비아의 로렌스' 같은 작품들을 떠올리면 쉽게 이해할 수 있을 텐데, 타란티노는 와이오밍의 설원을 배경으로 인물들이 작게 언덕 넘어 등장하는 이 장면 하나 만을 위해서라도 아마 이 화면비를 고집했을 감독이다. 바꿔 말하면 이 장면은 최근 다른 영화에서는 볼 수 없었던 압도적인 시네마스코프 화면비의 매력을 흠뻑 느낄 수 있다. 사실 이러한 화면비를 선택한 것치고는 풍광을 담은 로케이션 장면이 그리 많지는 않은 편인데, 하지만 잡화점 내에서도 이 화면비는 감독의 의도를 구현하는 데에 탁월한 영상을 선사한다. 타란티노는 한정된 공간 내에서 주로 인물들 간의 대화와 구도로 이뤄지는 영화의 내용을 더 효과적으로 전달 될 수 있도록 이 화면비를 적절히 활용하고 있다. 1.85:1의 비스타비전 화면비에서는 다 표현되지 못하는 인물 간의 거리와 그 거리를 이용한 신선한 구도들은, 8명의 인물들이 이야기의 전개 과정 속에서 계속 구도가 달라지는 것을 표현하는 것에 아주 효과적이었다.



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마지막으로 데이지 도머그 역할을 맡은 제니퍼 제이슨 리에 대한 이야기를 하지 않을 수 없겠다. 타란티노의 영화 속에서 더욱 빛나는 여러 배우들 가운데서도 (마이클 매드슨, 커트 러셀, 팀 로스 등) 단연 돋보였던 제니퍼 제이슨 리는 이 작품의 상징과도 같다. 뭐라고 한 마디로 설명하기가 어려운 이 도머그라는 캐릭터를 매력적이고 심지어 사랑스럽게까지 만든 그녀의 연기는 진정 올해의 캐릭터로 꼽힐 만하다. 아마도 타란티노 만이 창조할 수 있었을 이 캐릭터를 구현해 낸 그녀의 연기를 보는 것만으로도 '헤이트풀 8'은 지루하지 않다 (그녀는 심지어 기타 연주와 함께 노래도 한다). 국내에서는 그럴 일이 없겠지만 미국에서는 도머그 성대모사도 나오지 않을까? ㅋ



1. 응답하라 시리즈의 라면처럼, 영화 속 스튜가 어찌나 맛있어 보이던지. 아, 그리고 이제 어디가면 커피는 좀 가려 마셔야겠어요.

2. 벌써 블루레이 국내 발매 소식이 전해졌는데, 무조건 구매입니다.

3. 사운드트랙도 구입했는데 오히려 타란티노의 전작 OST에 매력을 느낀 분들이라면 조금 호불호가 갈릴 수도 있어요. 본문에 쓴 것처럼 전작들은 삽입곡 위주의 컴필레이션 같은 구성이었다면, 이번엔 스코어의 성격이 더 강하거든요.

4. 아래는 이전에 썼던 타란티노의 최근 작 글들


* [블루레이] 장고 : 분노의 추적자 _ 울분을 토해내는 타란티노식 서부극

* 바스터즈 _ 타란티노가 말하는 내 생애 최고의 걸작

* 바스터즈 _ 블루레이 서플먼트 다시보기



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  
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  1. 알조 2016.01.13 19:10

    영화는 좋았습니다. 스타리움에서 관람했는데..
    광고부터 시작해서 영화 끝날 때까지
    화면에 녹색 가로줄이 신경을 슬슬 건드리던 ㅠ

    그리고 Machete Kills는 로드리게즈 영화가 맞지 않나요?

  2. Favicon of https://cloud18.tvple.me/movie/c/공포-스릴러 BlogIcon 볼빨간아이 2021.01.29 14:33

    잘 보고 갑니다...



장고 : 분노의 추적자 (Django Unchained, 2012)

울분을 통해내는 타란티노식 서부극



쿠엔틴 타란티노의 영화는 언제나 유머와 수다, 그리고 반골 기질이 돋보이는데 그의 신작 '장고 : 분노의 추적자' 역시 그랬다. '장고'라는 이름에서 부터 전통적인 서부 극의 이미지가 짙게 풍기는데, 막상 뚜껑을 열어보면 서부 극은 배경으로만 차용했다고 해도 좋을 정도로 그냥 또 다른 타란티노의 영화다. 오히려 타란티노는 '장고'라는 서부 극을 통해 서부 극과 미국 영화의 전통적인 요소 더 나아가 미국 역사에서 묵과되어 왔던 흑인 노예 (인종 차별)에 대한 부분을 대놓고 뒤집는 작품을 만들었다.



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얼핏 보면 전통적인 서부 극의 주인공이 노예 출신의 흑인이라는 것 정도로 뒤집기인가 생각할 수 있는데, '장고'는 여기에 그치지 않는다. 영화는 장고 (제이미 폭스)가 흑인으로서 겪어야 하는 시선과 차별을 숨기지 않고 보여준다. 그가 말을 타고 나타났을 때 그를 바라보는 백인들의 모습은, 아니 흑인들까지 포함하여 그를 마치 믿을 수 없다는 듯이 쳐다보는 모습은 그 자체로 씁쓸한 농담이나 다름없다. 여기에 장고가 본인 스스로를 노예라고 생각하며 살아오지 않았다는 것, 여기에 불합리함을 평소 느껴왔다는 것, 그래서 자유 인이 되었을 때 앞서 말한 것과 같은 시선을 받고도 흔들리지 않는 것은 다른 영화의 주인공들에서도 느껴지는 일반적인 측면이었다.


'장고'가 흥미롭고 인상적인 건 제이미 폭스가 연기한 장고 때문이 아니라 크리스토프 왈츠가 연기한 닥터 슐츠라는 캐릭터 때문이라고 해도 좋을 것이다. 일단 그가 백인이기는 하지만 미국인이 아닌 독일인으로 등장한다는 것이 이 영화에서 가장 인상적인 지점이었다. 흔히 들 이런 뒤집는 영화 라거나 아니면 어두운 역사를 재평가하는 영화들을 보면, 그 가운데도 깨어 있는 이가 있었다라는 식의 면죄부 적인 설정이 등장하곤 하는데 타란티노의 영화엔 당연히 그런 자비로움은 없다.


(다음 단락에는 스포일러가 있을 수 있습니다)



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닥터 슐츠라는 캐릭터를 생각해보면 사실 장고를 저렇게 도와야 할 만한 이유가 크게 없어 보이는데, 이를 뒤집어 생각하면 오직 슐츠 만이 정상적인 사고를 갖고 있는 사람이라는 얘기도 된다. 즉, 그가 장고를 돕게 되는 과정들을 인정이나 도움으로 묘사하는 것이 아니라 지극히 상식적인 것의 연결로 묘사하고 있다는 점이 이 작품의 포인트일 것이다. 슐츠가 처음 장고를 만나게 된 것도 현상금을 얻기 위한 사적인 이유 때문이었고, 이후 그와 파트너가 되고자 했던 것도 장고의 능력을 본 뒤 자신의 사업에 도움이 될 것 같다는 이유 때문이었으며, 가장 결정적으로 나중에 목숨까지 버려가며 장고의 아내를 구하려고 한 것도 쉽게 말해 배알이 꼬여서 였기 때문이다.


타란티노가 '장고'라는 이야기를 하는 데에 가장 핵심적인 캐릭터인 슐츠를 설명하는 동시에, 이 영화 전반에 깔린 그 근본 없는 자존심에 대한 비판이 가장 잘 드러나는 장면이 바로 디카프리오가 연기한 칼빈 캔디와 슐츠와의 마지막 대화 장면이다. 이미 벌어질 일은 다 벌어졌고 다 종료되었으나, 캔디와 슐츠는 각각의 이유로 더 참을 수가 없었던 것이다. 캔디는 돈을 벌기는 했지만 자존심이 상해 무언가 자신의 요구를 끝까지 관철 시켜야만 성이 찼을 터이고 (그것이 고작 악수하는 것이라도), 그 악수 정도 그냥 해주는 것은 아무 일도 아니지만 이 말도 안되는 캔디가 계속 마음에 안 들었던 슐츠 역시 굳이 죽이지 않아도 될 캔디를 결국 죽여야 했던 것이다. 타란티노의 영화가 가끔 흥분되는 건 바로 이런 지점이다. 참지 않고 화끈하게 끝까지 밀어붙이는 (설사 그 방향이 잘못되었다 하더라도) 그의 캐릭터들은 이래서 매력적이다.



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한 편으로 '장고'는 전작 '바스터즈'와 같은 맥락에 놓여있는 작품이라고 할 수 있을텐데, 전 편에서도 그냥 뒤집는 것에서 만족하지 않고 자신 만의 과한 방식으로 해소 했듯이, 이번 작품에서 역시 후반부의 총격씬은 '킬 빌'의 총기 버전이라고 해도 좋을 정도로 피와 살점이 낭 자하는 과함을 보여준다. 이런 장면을 처음 보았을 땐 보여지는 측면의 재미나 영상미 적인 측면을 주목했었는데, '장고'에서부터는 더욱 확연히 다른 측면을 발견할 수 있었다. 이건 재미나 영상미가 포인트라기 보다는 일종의 스트레스 해소 혹은 포효처럼 보였다. 타란티노는 자신이 뭔가 불합리하다고 여기는 것에 대해 이야기할 때 진지하게 풀어내기 보다는 유머와 조소를 섞은 뒤에 마지막에 가서는 피와 살육으로 피해자 혹은 고통 받던 이들의 울분을 토해내는 듯 했다. 그래서 '장고'의 마지막 총격전은 잔인한 장면이 많았음에도 비교적 편안한 분위기에서 볼 수 있었다. 고통을 주려는 것이 아니라 고통 받았던 것을 해소하려는 것이었기 때문이었다.



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이 글에서 미처 다 얘기하지는 못했지만 타란티노 영화 답게 깨알 같은 재미 들도 여전해서 좋았던 작품이었다. 아, 그리고 다시 한 번 얘기하지만 '바스터즈' 만큼이나 혹은 더 크리스토프 왈츠가 매력적이었던 작품이기도 했다.



1. 타란티노 영화 답게 사운드트랙도 정말 좋습니다. 영화를 보기도 전에 OST를 질렀는데 역시나 만족. 뭔가 비장하면서도 신나게 출근하고 싶은 날엔 장고 OST를 BGM으로 사용하곤 하죠 ㅋ


2. 디카프리오는 워낙에 매력적인 크리스토프 왈츠에 비해 좀 가려지기는 했지만, 이런 조연으로서의 매력도 보여준 것 같아 신선하더군요. 진짜 더 나이 먹으면 잭 니콜슨 처럼 될 것 같아요 (이건 칭찬)


3. 캔디의 일당 가운데 복면을 한 유일한 여자 멤버가 있는데, 조이 벨이더군요. 눈빛만 봐도 이제는 알아볼 정도 ㅎ 아, 그리고 조나 힐도 나와요.



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  

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  1. Favicon of http://ani2life.egloos.com BlogIcon A2 2013.04.08 14:41

    다시한번 영화의 장면이 새록새록 솟아나는 리뷰였습니다.

  2. Favicon of http://withblog.net/admin BlogIcon Jude 2013.04.09 22:06

    아 ~ 괜찮나보네요 :D
    봐야지 ㅋㅋㅋㅋㅋ




언브레이커블 (Unbreakable, Blu-ray Review)
코믹스 세계 속 선과 악의 탄생


'언브레이커블'은 '식스센스'로 영화 팬들의 주목을 한 껏 받았던 M.나이트 샤말란에게 바로 연이어 좋은 평가를 내릴 수 있었던 수작이었다. 개인적으로는 샤말란에 대해 이야기할 때마다 '차라리 식스센스가 없었더라면'하는 입장인데, 그래서 그의 작품 중에 '식스센스'를 가장 안좋아하는 편이기도 하지만, 이 평가는 최근 결국 보고야만 '라스트 에어벤더' 덕에 이제는 더이상 쓸 수 없는 표현이 되고 말았다. 어쨋든 개인적으로 샤말란의 작품에 개인적으로 흥미를 보이게 된 작품은 '식스센스'의 다음 작품인 2000년작 '언브레이커블 (Unbreakable)' 이었다. 지금이야 '다크 나이트'부터 '킥애스'에 이르기까지 다양한 종류와 방법론의 히어로 물들을 만나볼 수 있지만, 2000년 당시 '언브레이커블'을 처음 보았을 때만 하더라도 굉장히 흥미롭다는 인상을 받았었다. 

(당연히 영화에 대한 스포일러가 있습니다)


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('언브레이커블'은 영화가 시작하기 전, 노골적으로 이 작품이 영웅에 관한 이야기인 동시에 만화(Comics)에 관한 이야기임을 암시하고 있다)

하지만 '언브레이커블'은 오래 볼 것도 없이 굉장히 코믹스 히어로물의 기본 세계관에 몹시 충실한 작품이다. 그러니까 이야기 자체는 이미 마블 코믹스와 DC 코믹스로 대표되는 만화책에서 수없이 보아온 영웅담에 근거, 아니 이 영웅담을 현재로 가져와 그대로 새로운 신화를 다시 써내려간 작품이라고 볼 수 있겠다. 그래서 평소 코믹스에 관심이 있던 이들이라면 이 이야기에 쉽게 빠져들 수 있게 된다. 동어반복이라 지루하게 느껴진다기 보다는, 처음 히어로물을 접하게 될 때 대부분 그러하듯이, '이 이야기는 우리의 주인공이 어떻게 탄생되게 되고, 주적은 어떻게 등장하게 되나'를 주의 깊게 살펴보게 되는 것이다. 앞서도 이야기했지만 샤말란의 '언브레이커블'은 그런 면에서 굉장히 충실한 작품이다. 즉, 이런 기대를 한치도 실망시키지 않는다는 말이다.


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영화는 영웅과 주적의 탄생부터 천천히 그려간다. 물론 주적으로 나중에 밝혀지는 '일라이저 (사무엘 L.잭슨)'의 경우, 처음부터 적임을 알리지 않을 뿐이다. 또한 영화는 서로 정반대에 있지만 같은 과정을 겪은 영웅과 악당의 성장과정을 짧지만 의미깊게 전달한다. 자신이 특별하다는 것을 뒤늦게 받아들인 한 남자의 이야기와, 반대로 자신이 특별하다는 것을 받아들여야만 했던 한 남자의 이야기를 각각 회상과 시간 흐름의 방식으로 그려낸다. 그렇기 때문에 보는 이가 처음 주인공 만큼이나 공감을 하게 되는 것은 바로 '일라이저'의 이야기다. 그가 주적이라는 사실을 모르기 때문이기도 하지만, 대부분의 히어로물이 그러하듯 주인공 히어로의 정반대에 선 주적은 태초에 그럴 수 밖에는 없는 운명을 타고 난 경우가 많은데, '언브레이커블'의 경우가 바로 그러하다. 이런 탄생과 성장과정을 가진 캐릭터가 간혹 영웅으로 변모하는 경우도 있지만, 대부분은 이렇듯 자신을 이런 방식으로 받아들이거나 혹은 극복하려고 최선을 다하다가 큰 사고나 상처를 받고는 돌아올 수 없는 길을 걷게 되곤 하는데, 영화는 전자의 경우의 이야기를 들려준다.


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'일라이저'가 탄생부터 특별함을 타고 난 탄생 과정을 그린다면, 히어로라고 할 수 있는 '데이빗 던 (브루스 윌리스)'의 이야기는, 자신의 특별한 능력을 깨닫게 되는 것을 통해 탄생의 과정을 그려낸다. 샤말란은 이 작품을 써내려가는데에 있어 현실에서 있을 법한 이야기로 재탄생 시키는 것에 큰 공을 들이고 있는데, 그렇기 때문에 다른 히어로물 들에 비해 주인공의 초능력이 과장되게 그려지는 것보다는 설득력있는 수준으로 묘사되고 있는 동시에, 데이빗이 자신의 능력을 깨닫게 되고 시험하게 되는 과정 역시, 일반인은 쉽게 들기 어려운 무게의 역기를 드는 것 정도로 묘사하고 있다. 참고로 M.나이트 샤말란의 특기라면 아주 공상과학적이고 미스테리한 이야기를 그릴 때에, 과한 SF적 묘사보다는 스릴러와 서스펜스에 포커스를 두고 현실감있게 그려낸다는 점인데(그래서 태초부터 판타지인 '라스트 에어벤더'는 실패했는지도 모르겠다),  '언브레이커블'은 그런 면에서 친근한 이웃인 '스파이더 맨'보다도 훨씬 현실적인 히어로 물인 동시에, 코믹스의 세계가 갖고 있는 기본 설정은 모두 갖고 있는 또 다른 영웅신화가 되는 것이다.


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영화는 극중 코믹스에 정통한 '일라이저'라는 캐릭터를 통해 직접적으로 만화의 세계관 속 영웅과 악당에 대한 이야기를 들려준다. 영화의 마지막에 데이빗이 일라이저와 접촉하기 전까지는 그저 일라이저가 코믹스 세계에 빠진 인물로서, 초능력을 가진 데이빗을 영웅으로 만들려는 일종의 팬 혹은 조력자로 그려지지만, 결국 마지막에 가면 자신과 다르지만 같은 데이빗을 통해 자신의 세계를 완성하려 했다는 것 (그럴 수 밖에는 없었다는 것)을 알게 된다.


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'언브레이커블'이 흥미로운 또 다른 지점은, 바로 데이빗이 처음으로 자신의 능력을 본격적으로 시험하고 활용하게 되는 첫 경험에 있다. 우리가 적어도 극장용 히어로물을 통해 보아온 영웅의 자각 순간들은, 어린 시절이나 사춘기에 자신의 능력을 받아들이게 되 좌충우돌하고 호기심 가득한 장면으로 묘사되거나, 혹은 자신의 초능력에 대해 놀라움을 느끼고는 곧 쉽게 적응하게 되는 것으로 묘사되곤 하는데, 이 작품 속 이 순간의 묘사는 조금 달랐다. 데이빗은 처음 자신이 아직까지 한 번도 다치지 않은 사람이라는 이야기를 듣고, 자신의 기억과 주변 사람들의 이야기를 들어본 결과 이것이 사실임을 점차 알게 되었을 때에도, 그리고 자신이 영웅임을 확신하는 일라이저를 만났을 때에도, 도저히 들 수 없는 무게의 역기를 들고 난 이후에도 자신의 존재에 대해서 계속 의심한다. 즉, 데이빗은 이미 영웅이 아닌 평범한 사람으로 살아온 세월이 훨씬 많고 이미 아이가 있는 어른이기 때문에, 이 같은 변화를 쉽게 받아들이지 못하는 점도 있는 것이다.


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그리고 데이빗은 한 아이의 아버지이며 원활하지 못한 부부관계를 이제 막 다시 맞추어가는 과정에 있기 때문에, 이런 변화를 더더욱 쉽게 받아들이지 못했을 것이다. 다시 말해 '와! 나에게 이런 초능력이!!'하며 기뻐 날 뛰기 보다는 무거운 책임감과 동시에 그로 인해 변하게 될지도 모를 현실 (가족)에 대한 고민이 그 누구보다 컸던 탓이기 때문이다. 그래서 그가 처음으로 기차역에가서 자신 주변을 지나치는 사람들에게 손을 뻗어 초능력을 사용하는 장면은, 그 어떤 히어로의 첫 경험보다 경건하게 그려진다. 또한 이것이 마냥 신나는 일이기 보다는 상당히 고통스럽고 괴로운 일이라는 것으로 묘사하고 있기도 하다. 

그리고나서 데이빗이 실제로 악당을 무찌르고 아이를 구하는 장면에서도 역시, 사건 해결으로 인한 성취감이나 영웅의 탄생에 어울리는 두근거림 보다는, 무언가 슬프고 쓸쓸한 감정이 짙게 깔려있다. 그리고 무엇보다 히어로로서 첫 임무를 마치고 나서 집으로 돌아와 아들에게 신문을 보여주며, 작은 목소리로 '네 말이 맞았어'라고 이야기하며 울먹이는 장면은, 다른 히어로 영화에서는 보지 못한 특별한 감동의 순간이었다. 신문을 보여주며 '봐! 아빠가 해냈어!'라는 뉘앙스가 아니라, 데이빗도 아들도 서로 눈물 흘리며 그야말로 운명을 숙연히 받아들이는 듯한 느낌을 주고 있다. 개인적으로는 이 장면 하나 만으로도 '언브레이커블'은 특별한 히어로 영화로 기억될 것 같다. 


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M.나이트 샤말란은 본 블루레이에 수록된 인터뷰를 통해, 이 작품은 다른 영화로 치자면 서막에 해당되는 것이며 이런 방식일 경우 2편에서는 선과 악이 대결을 펼치고, 3편에서는 최후의 악당과 싸우게 되는 이야기로 발전된다고 하며, 자신은 이런 전개보다는 오로지 서막에 해당되는, 그러니까 한 인물이 자신의 존재를 깨닫게 되는 이야기에만 관심이 있어 이것만 만들기로 했다고 밝혔는데, 샤말란이 의도하는 바가 무엇인지는 분명히 알겠지만서도 '언브레이커블'의 이야기가 워낙 흥미로웠기 때문에 이 캐릭터들을 가지고 더 전개할 수 있는 속편이 나오지 않은 것은 분명 아쉬운 점이다. 서막의 이야기로만 보자면 분명 뻔한 히어로물의 전개대로 흘러간다고 하더라도 (이것이 나쁘다는 것은 물론 아닐 뿐더러, '언브레이커블'이라면 당연히 이 공식대로 흘러가야만 한다) 다른 영화들과는 또 다른 감동이 기대되는 바인데, 여기서 멈춘 것 같아 아쉬운 것이 사실이다. 10년이 지난 지금, 다시 '언브레이커블'의 속편을 기대한다면 역시 무리일까.


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  1. Favicon of http://jm.ufree.kr BlogIcon 코프 2010.09.30 13:41

    저도 이 영화는 좀 아쉬운 감이 있다고 느꼈습니다.
    ...마치 영화가 다 끝난 후 "이제 본편이 시작되겠네" 같은 느낌이...;

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