공각기동대 : 고스트 인 더 쉘 (Ghost In The Shell, 2017)

내면은 전혀 달라진 헐리우드 리메이크


오시이 마모루의 '공각기동대'를 처음 보았을 때의 충격은 대단했었다. 당시 일본 애니메이션에 흠뻑 빠져있었던 나는 주로 지브리 스튜디오의 작품들을 먼저 접하게 되었었는데, 이후 보게 된 '공각기동대'의 세계관과 철학은 그 당시의 어린 나이와 맞물려 한참을 생각해 보고 또 생각해 볼 수 있게 만들 만큼 질문과 고민을 갖게 만들었던 아주 흥미로운 작품이었다. 오시이 마모루의 작품이 헐리우드에서 스칼렛 요한슨 주연으로 리메이크된다는 소식을 처음 들었을 때, 다른 리메이크 소식들과는 다르게 사실 전혀 기대가 되지 않았었다. 왜냐하면 오시이 마모루가 담아낸 철학적 깊이 (혹은 난해함)를 제대로 구현 할리가 만무했고, 혹여 그러한 접근이 가능하다고 한 들 내면적인 화두에 관심을 갖기보다는 어쩔 수 없이 오락적이고 액션이 중심이 된 영화가 될 것이 분명했기 때문이다. 


이러한 헐리우드의 접근 방식을 무조건 나쁘다고 말하고자 하는 것은 아니다. 오히려 이러한 선택 방식은 더 많은 대중들에게 관심을 이끌어 원작보다 더 나은 흥행을 거두기도 하고, 단순해진 대신 더 분명한 방향성을 갖게 되는 경우도 있기 때문이다. 루퍼트 샌더스의 헐리우드 버전 '공각기동대 : 고스트 인 더 쉘'은 이러한 장단점이 모두 존재하는 영화다.



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일단 장점부터 이야기해보자면 원작의 난해함은 훨씬 덜해져 일반 대중들이 접근하기 쉽도록 스토리라인이 단순해졌고 (명확해졌고), 미래 도시를 배경으로 한 액션과 디자인은 확실히 보는 재미가 있었다. 이 영화는 많은 면에서 오시이 마모루의 원작보다는 리들리 스콧의 '블레이드 러너'를 더 연상케 하는데, 여기에 액션이 좀 더 가미가 된 버전 정도로 볼 수 있겠다. 그리고 생각보다 스칼렛 요한슨을 비롯해 섹션 9 요원들의 캐릭터는 그리 어색하지 만은 않았다. 물론 이건 원작의 쿠사나기를 전혀 고려하지 않은 절대 평가이긴 하지만. 


앞서 이번 '공각기동대'는 이야기가 훨씬 단순해졌다고 말했었는데, 오락영화로서는 분명한 장점이다. 메이저 (스칼렛 요한슨)가 자신의 자아를 찾아가는 과정이 주를 이루게 되면서 원작의 복잡, 난해한 세계관은 전혀 필요가 없어져 버린 동시에 기시감이 느껴지는 조금은 평범한 이야기가 되긴 했지만, 그만큼 쉽게 따라갈 수 있는 스토리라인을 형성하게 되었다. 다시 말해 원작을 전혀 보지 않은 관객 입장에서는 제법 흥미로운 SF/액션 영화로서 나쁘지 않은 결과물이라 할 수 있을 듯하다. 속편의 가능성까지 열어 둔 것도 좋았는데 과연 가능할는지는 미지수다 (북미의 흥행 성적이 그리 좋지 못한 듯하다).



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메시지 적인 측면에서 보았을 때 가장 아쉬운 점은 이 영화가 갖는 대중적 장점과 정확히 겹친다. 사이버 펑크 세계관을 배경으로 자아를 찾는 주인공의 이야기는 명확성을 얻었지만, 오시이 마모루의 원작이 갖는 매력이 바로 그 난해함에 있었다는 것을 생각해 본다면 이건 원작 팬들의 입장에서 보았을 때 가장 큰 단점이 될 수 밖에는 없다. 나는 원래 누구였는가, 나는 도대체 어떤 과거를 갖고 있는가 라는 질문과 이를 찾는 여정은 만약 다른 작품이었다면 제법 흥미로운 테마가 될 수 있겠지만, 이것이 '공각기동대'라면 전혀 얘기가 달라질 수 밖에는 없다. 딱 잘라 말해 루퍼트 샌더스의 '공각기동대'에는 '네트는 광대해'의 정서가 없다. 오시이 마모루의 원작이 가졌던 수많은 매력 가운데 가장 핵심적인 것을 꼽으라면 바로 쿠사나기 소령의 저 대사, '네트는 광대해'라는 한 마디가 남긴 끝에서부터 시작되는 전혀 다른 새로운 시작에 대한 감동과 기대를 들 수 있을 텐데, 이 영화엔 아예 그 부분을 배제해 버렸다. 


가장 핵심적인 부분이 빠져있는데도 이 영화를 비교적 재미있게 본 이유라면 차라리 핵심 부분을 교체한 것이 나은 선택이라는 생각이 들기 때문이다. 쉽게 말해 만약 이 영화가 오시이 마모루의 철학을 그대로 계승해 복잡, 난해한 고민을 정공법으로 파고들었다면 과연 만족할 만한 수준의 이야기가 가능했을까? 그리고 그렇다 한들 2017년의 시점에서 과연 그 당시 정서를 기반으로 한 이야기가 그 정도의 파급력을 가질 수 있었을까? 하는 의문에 비춰보자면, 차라리 10점 만점짜리 기술을 시도해 6점을 거두는 것보다 8점 만점짜리 기술을 시도해 7점을 얻는 전략이 대중적 영화로서 더 나은 선택이라는 생각이 든다.



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마지막으로 이 영화는 예고편이 공개된 시점부터 지금까지 '메이저'라는 번역에 대한 논란으로 끊이질 않는데, 나 역시 이 부분에 대해 조금 애매한 점이 없지 않다. 전체적으로 보았을 땐 크게 문제가 되지 않는다는 쪽에 가깝지만, 따지고 들자면 충분히 문제 삼을 만한 여지가 넘치는 부분이기도 하다. 원작에 있어서 소령이라는 계급의 상징성이 워낙 컸다는 점에서도 그렇고, 메이저라는 것이 과연 이름으로서 등장한 것인지 아니면 그저 계급을 나타내는 단어로서 등장한 것인지 100% 명확하지 않은 측면이 있기 때문이다. 영화 초 중반까지는 스칼렛 요한슨이 자신의 이름을 이야기할 때 꼭 '메이저'라고 붙이길래 정말 계급의 표현이 아닌 이름 그 자체로 존재하는 건가 싶었었는데, 후반부의 '이제 더 이상 메이저가 아니야'라는 대사를 보면 이건 조직을 배신했기 때문에 더 이상 메이저 계급이 아니라는 것으로 이해되는 부분이라 불분명함이 더 커졌다. 


오역인가 아닌가 하는 문제는 간혹 작품 전체의 영향을 미칠 정도까지는 아닌 경우도 있지만, 이 영화의 경우는 그 이름, 그 이름을 찾는 이야기가 핵심이기 때문에 이 같은 이름과 관련된 오역 논란은 분명히 감상에 영향을 끼치는 문제로 볼 수 밖에는 없겠다. 영화를 보기 전에는 그냥 한 두 번 정도 언급되는 수준이지 않을까 싶었는데, 오히려 영화 속에서 가장 많이 등장하는 대사가 바로 '메이저'가 아닐까 싶을 정도로 등장하기 때문에 이 오역 논란은 어지간히 감상에 영향을 주더라. 



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1. 어쨋든 영화를 보고 오니 너무x100 오시이 마모루의 원작이 보고 싶어졌어요. 곧 국내에도 블루레이가 출시될 예정인데, 그 전까진 소장하고 있는 DVD라도 한 번 다시 봐야겠어요.


2. 크래딧을 보니 마이클 피트가 Michael Carmen Pitt로 미들 네임까지 표기되던데 원래 그랬던 건지 아니면 몇 년 사이에 바뀐 건지 모르겠네요.



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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헤일, 시저! (Hail, Caesar!, 2016)

영화를 만드는 일에 대한 믿음



올해 최고 대작 ‘헤일, 시저!’ 촬영 도중 무비 스타 ‘베어드 휘트록’이 납치되고 정체불명의 ‘미래’로부터 협박 메시지가 도착한다. ‘헤일, 시저!’의 제작이 무산될 위기에 처한 비.상.상.황! 영화사 캐피틀 픽쳐스의 대표이자 어떤 사건사고도 신속하게 처리하는 해결사 ‘에디 매닉스’는 할리우드 베테랑들과 함께 일촉즉발 스캔들을 해결할 개봉사수작전을 계획하는데... (출처 : 다음영화)


모든 영화는 영화에 대한 (영화 만드는 일에 대한)영화라는 이야기가 있는데, 코엔 형제의 신작 '헤일, 시저! (Hail, Caesar!, 2016)'는 1950년대 헐리우드 스튜디오를 배경으로 영화 제작에 관한 이야기를 펼친다. 가끔 당시 헐리우드에서 제작된 영화들의 뒷 이야기들을 전해 듣게 되면 긍정적이거나 부정적이거나 그야말로 대단한 에피소드들이어서 제작과정 그 자체로 전설이라 부를 만한 작품들을 여럿 만나게 되는데, '헤일, 시저!'는 그런 헐리우드 비즈니스의 복잡하고 거대한 뒷 이야기를 다루는 것이 아니라, 이를 배경으로 아주 본질적인 영화 제작이라는 일. 그것이 갖는 의미에 대해 이야기하고자 한다.



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주연 배우가 공산주의자들에 의해 납치 되고, 새롭게 선택한 다른 작품의 남자 배우는 드라마 연기가 처음이라 연기 자체가 불가능한 상태며, 거대한 제작비가 투입된 신작 영화에 주연 배우 (납치된 그 배우)에 대한 스캔들을 기사화 하겠다는 기자들을 상대해야 하며, 그 와중에 잘 나가는 방위 산업체 회사에서 스카웃 제의까지 받게 되는 이는, 이 영화사의 대표인 에디 매닉스 (조쉬 브롤린)다. 그는 해결사라는 별명 답게 이 동시다발적으로 사건들이 발생하는 복잡한 상황 속에서도 최대한 빠르게 일을 처리해 나가려고 하지만, 그런 그에게도 이번에 벌어진 사건들을 견뎌내는 것은 쉽지 않다. 그런 그를 흔들리게 하는 것은 앞서 이야기했던 것처럼 훨씬 더 좋은 조건을 제시한 이직의 유혹이다. 영화 속 상황으로 미뤄보자면 당장에라도 이 현장을 떠나 더 좋은 조건. 야근도 없고 돈도 더 많이 버는 방위 산업체로 이직하는 편을 관객으로서 응원하고 싶을 정도다. 코엔 형제는 매닉스가 겪게 되는 상황을 유머러스하게 그려내지만 사실 정색하고 다시 보자면 이 상황은, 한시라도 빨리 탈출하고픈 위급 상황이다. 


그런데 코엔 형제는 매닉스가 처한 상황, 그러니까 영화가 제작되는 스튜디오와 사람들의 모습들을 보여주는 가운데, 그들이 만들고 있는 영화 제작 과정의 매력을 슬쩍 담아 낸다. 매닉스가 이런 저런 다른 이유로 영화 세트장을 찾을 때 단순히 세트장으로서 현장을 묘사하는 것이 아니라 한참이나 그 영화 속 장면으로 들어가, 순간 그 영화 속 영화의 관객이 되도록 한다. 그리고 같은 방식으로 영화 만드는 일 (이를 테면 편집과정)을 묘사할 때 그냥 웃고 넘길 만한 에피소드처럼 스윽 지나가지만, 은연 중에 영화 만드는 일의 놀라움과 대단함을 느끼도록 만든다. 그리고 이런 방향성은 결국 매닉스의 마지막 선택으로 확고한 종지부를 찍는다. 코엔 형제는 아주 논리적이고 이성적인 방식으로 '왜 영화 만드는 일이 의미 있는가'를 말하는 것 대신, 어쩌면 무조건 적이고 신앙에 가까운 믿음으로 그 정당성을 말하고자 한다. 코엔 형제 영화이기 때문에 더욱 그렇게 느껴지는 것인지 모르겠으나, '헤일, 시저!'의 순수한 믿음은 지금의 영화 산업과 영화라는 존재가 처한 현실을 다시 한 번 생각해 보게 만든다.



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코엔 형제의 '헤일, 시저!'는 나도 모르는 사이에 영화라는 예술 혹은 산업을 더 좋아하도록 만든 그 자체의 영화였다. 귀엽고 유쾌한 가운데.


1. 여러 화려한 출연진 가운데 가장 눈에 띄는 배우는 호비 도일 역할을 맡은 엘든 이렌리치 였어요 ㅎㅎ

2. 나중에 블루레이에 부가영상으로 영화 속 영화들이 조금씩이라도 수록되면 정말 좋겠네요~



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  
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언더 더 스킨 (Under the Skin, 2013)

다른 차원의 문을 열다



조나단 글레이저 감독의 신작 '언더 더 스킨 (Under the Skin, 2013)'을 보았다. 사실 스칼렛 요한슨 외에는 아무런 정보 없이 보게 된 영화라 보는 내내 이 작품이 신작인지 아니면 예전 작품이 이제야 소개된 것인지 조차 알지 못했다. 미헬 파버르의 동명 SF소설을 각색했다는 이유로 이 작품의 줄거리에 대해 미리 노출이 되고 있는데, 그 사실이 이 작품이 갖고 있는 더 폭 넓은 가능성을 제한하고 있다는 생각을 보는 내내 했다 (그래서 이 글에서는 어디에나 공개되어 있는 그 사실에 대해서는 굳이 쓰지 않을 것이다). 스포일러라 하기는 조금 애매한 그 시놉시스의 내용이 영화를 처음 보는 이들을 제한하고 있다고 느꼈던 건, 그 시놉시스의 내용 때문에 미리 짐작을 하게 되었기 때문이었다. 물론 그 짐작을 통해 영화를 감상해도 '언더 더 스킨'은 충분히 매력적이고 묘한 작품이지만, 그렇지 않았더라면 더 깊은 심연을 느낄 수 있지 않았을까 하는 아쉬움도 동시에 들었다.



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독특한 이미지로 시작한 영화는, 여주인공 로라(스칼렛 요한슨)가 등장하여 어떤 여자의 옷을 모두 벗겨 다시 입는 것으로 또 한 번의 강렬한 이미지를 선사한다. 이후 등장하는 시퀀스에서도 반복되지만 여기서 인상적인 건 옷을 뺏는 행위 보다도 그 배경이 되는 공간의 이미지였다. 온통 검기만 한, 또한 마치 발을 딛고 서있는 지면의 경계가 존재하지 않는 듯한(하지만 마치 물 위를 걷듯 반사가 되는) 검은 공간의 이미지는, 마치 미술관에 걸려 있는 예술 작품을 보는 듯했다.


'언더 더 스킨'은 쉽게 말하면 SF 영화라고 할 수 있을 것이고, 한 편으론 공포스러우며 다른 한 편으론 다큐멘터리가 같다. 하지만 정확히 이야기하자면 이 영화는 각각의 장르와 유사한 것이 아니라, 각 장르의 정반대에 서 있다고 해야 할 것이다. 즉, 장르 영화로서 만들어 진 것이 아니라, 추상적인 이미지를 실현함으로서 관객이 그 이미지가 주는 모호함의 끝에서 메시지를 발견하도록 만든 작품이라는 얘기다. 그런 면에서 앞서 미술관에 걸려 있는 예술 작품 (혹은 퍼포먼스)을 예로 들기도 했다.



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흥미로운 건 이 작품은 마치 다큐멘터리처럼 촬영되었다는 점이다. 로라가 만나는 남자 배우들의 대부분은 전문 배우가 아닌 이들을 캐스팅하였으며, 몇몇 장면 역시 몰래 카메라 형태로 촬영되기도 했다. 이런 뒷이야기가 아니더라도 영화 속 영상은 로드 무비와 다큐멘터리의 느낌을 강하게 준다. 그리고 의도한 바 인지는 모르겠지만 '언더 더 스킨'은 2013년 작이라고 하지 않았으면 오해했을 정도로, 이전 시대의 영화의 분위기를 가득 담고 있다. 특히 영화에 사용된 음악이 그런 분위기를 강조하고 있다. 이 영화는 거의 대사가 없고 영화 음악이 마치 대사 처럼 상황을 묘사하고 있는데, 그 불안함과 기괴함의 선율은 앞서 언급한 온통 검게 둘러 쌓인 공간의 이미지와 그 장면에서 벌어지는 상황 보다도 어쩌면 더 강렬한 인상을 전달한다.



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영화의 배경이 되는 스코틀랜드의 정경도 무심하게 느껴진다. 스코틀랜드 라는, 세계인들이 그 존재와 이름은 잘 알지만 따지고 보면 정확히 알지는 못하는, 알고자 하는 필요성을 느끼지 않았던 곳을 배경으로 한 것은, 이 영화가 철저히 로라의 이야기 만을 다루고 있는 것과 같은 맥락일 것이다. 남자들이 살해 당하고 로라의 정체와 의도는 정확하지 않지만, 이 영화에서 이 설명되지 않는 부분을 미스테리라 부르기는 어렵다. 즉, 이 영화는 '왜?' 그러했는지가 그리 중요하지 않은 것 처럼 보인다. 이 말이 맞다는 것은 영화의 마지막 로라의 정체가 표면적으로 드러났을 때 비로서 확인할 수 있게 된다. 왜냐하면 이 마지막 순간에서 어떠한 반전의 느낌이나 충격을 받을 수 없었기 때문이다. 이건 말 그대로 표면적일 것일 뿐, 영화를 보는 내내 관객은 로라라는 캐릭터의 껍데기를 보는 것이 아니기 때문이다 (그녀 스스로는 영화에서 그 껍데기를 입는 것으로부터 시작되지만).



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'언더 더 스킨'을 보고 무엇을 보았냐고 누군가 묻는 다면 쉽게 대답하기는 어려울 것이다. 하지만 나는 보았고, 그 어둠에 이유 없이 빠져버렸다.



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 

  
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캡틴 아메리카 : 윈터솔져 (Captain America : The Winter Soldier, 2014)

리더의 조건



어벤져스의 일원이자 리더인 캡틴 아메리카가 그의 두 번째 이야기 '윈터솔져'로 돌아왔다. '아이언맨' 시리즈와 토르 1,2편을 통해 어벤져스의 세계관을 점점 확장 및 연결시켜가고 있는 마블은, 또 다른 같은 세계관의 작품인 '가디언즈 오브 갤럭시 (Guardians of the Galaxy, 2014)'를 선보이기 전에 먼저 캡틴 아메리카의 속편을 꺼내 들었다. 일단 결론부터 이야기하자면 '토르 : 다크월드'는 독립적인 작품으로서는 아쉬운 작품이 많았던 것에 비해, '캡틴 아메리카 : 윈터솔져'는 단순한 세계관의 연장선을 넘어서 독립적으로도 제법 훌륭한 구성과 이야기를 갖춘 매력적인 작품이었다. 결국 그로 인해 리더이지만 가장 심심하게 느껴졌던 캡틴, 스티브 로저스 라는 캐릭터에게도 매력을 느끼게 되었을 정도로.



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'캡틴 아메리카'와 '어벤져스'를 통해 캡틴은 말 그대로 이 엄청난 히어로들의 조합 가운데 서도 리더라는 점을 알게 되었는데, 사실 이들은 각각의 개성이 워낙 강하고 또한 히어로들이 등장하는 영화라면 빠지지 않는 유치한 질문처럼 슈퍼 솔져인 캡틴 아메리카가 아이언맨, 토르, 헐크 등을 리드 하기엔 능력 측면에서는 부족하기에 다른 장점과 리더 쉽이 반드시 필요한 부분이었다. 그런 측면에서 전작 '캡틴 아메리카'는 스티브 브루스의 도덕성에 대해 그 배경을 설명하는 데에 주목했고, '어벤져스'에서는 앞서 이야기했던 것처럼 이 슈퍼 영웅들의 리더가 누구인지 조금의 힌트를 얻을 수 있는 계기가 되었다. 그리고 선보인 이 작품 '윈터솔져'는 바로 이런 점에서 왜 캡틴 아메리카가 어벤져스의 진정한 리더인 지를 관객들에게 각인 시키려는 시도가 담긴 작품이라고 볼 수 있겠다. 이 영화엔 의외로(?) 다른 슈퍼 영웅들이 까메로오도 전혀 등장하지 않지만 (블랙 위도우만 빼고), 쉴드라는 조직에 관한 광범위한 이야기를 통해 이 조직이 나아가려는 방향과 리더 쉽에 대해 캡틴 아메리카라는 캐릭터로 풀어낸다. 그리고 캡틴은 또 한 번 우직하지만 자신 만의 일관된 방식으로 이 사건을 풀어간다.



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의문의 캐릭터이자 이번 작품의 가장 강력한 캐릭터로 등장하는 윈터솔져의 경우 사실 비밀이랄 것도 없지만, 그 비밀이라는 것도 1차적으로는 전작 캡틴 아메리카를 통해 발전되었다는 점이 오히려 마음에 들었다. 즉, '어벤져스'의 세계관에 포함되어 있는 작품들의 경우 그 세계관 내에서 자유롭게 다른 캐릭터들 혹은 시공간을 활용하는 편인데, 이런 점이 가끔은 너무 공부가 필요한 영역이라 그 작품 만으로는 100% 즐기기 힘든 경우도 종종 있었다는 점에서, 전작에 기인한 미스터리의 발전은 '어벤져스'와는 또 구분되는 '캡틴 아메리카'만의 프랜차이즈를 확고히 하는 매력 포인트였다. 그런 면에서 이번 작품은 참 영리한 작품이 아닌가 싶다. 세계관의 떡밥은 적절히 활용하고 쿠키 장면들도 최대한 활용하고 있지만 이번 작품을 보는 관객들로 하여금 과하지 않아 이해하기 힘든 수준은 아니고, 독립적으로 보아도 캡틴 아메리카라는 캐릭터의 매력을 충분히 펼쳐내면서 액션 블록버스터로서의 볼거리와 긴장감도 충분히 전달하고 있기 때문이다.



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액션 측면에서도 다른 영웅들에 비해 인간적(?)이기 때문에 몸을 활용한 격투가 기본이라 더 박진감 넘치고 마치 무협 영화를 보는 듯한 액션의 합을 여럿 만나볼 수 있었으며, 이 시리즈가 자랑하는 스케일의 측면에서도 클라이맥스에서 충족 시켜 주고 있어 볼거리도 부족함이 없는 편이었다. 확실히 '어벤져스'의 각 캐릭터들은 너무 세계관의 연결에만 기대는 것 보다는 홀로 서도 매력을 갖게 될 때 비로서 추후 '어벤져스 2'가 등장했을 때 더 큰 기대와 매력을 줄 수 있다고 말할 수 있겠다. 그 가장 좋은 예가 바로 이번 '캡틴 아메리카 : 윈터솔져'라 할 수 있겠다.



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1. 첫 액션 시퀀스에서 등장하는 프랑스 해적은 반가운 얼굴이더군요. 심지어 극 중 이름도 비슷한 GSP. 슈퍼맨 펀치도 등장하고. 추후 한 번 더 등장하기도 하고. 까메오 수준으론 비중이 제법 크더군요.


2. 아, 그리고 스탠 리 옹은 갈 수록 연기도 비중도 늘어나는 듯. 이 얘기를 새 마블 작품이 나올 때 마다 하게 되는 것 같아요.


3. 이 시리즈의 단점이라면 누가 극 중에 죽어도 별로 슬프거나 걱정을 하게 되지 않는 다는 점인듯. 그래도 진짜 인 줄로만 알았던 콜슨 사건 이후엔 더더욱.


4. 초반 캡틴이 놓치지 말아야 할 근래의 것들을 리스팅 하는 장면이 나오는데, 그 노트에 'OLDBOY'도 적혀 있더군요. 그 올드보이 일까요? ㅎ




글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 
  
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  1. 2014.04.01 00:31

    그 리스트에 박지성도 있었다는 사실ㅎㅎㅎ



우리는 동물원을 샀다 (We Bought a Zoo, 2011)

이유라는 것의 무의미도 필요해



'제리 맥과이어 (1996)' '올모스트 페이모스 (2000)' '엘리자베스타운' 등을 연출했던 카메론 크로우의 신작 '우리는 동물원을 샀다 (We Bought a Zoo, 2011)'를 보았다. 제목과 포스터 (주인공들이 모두 등장한 버전)에서 느껴지는 분위기만 보아도, 이 작품은 매우 '착한영화'일 것이라는 걸 어렵지 않게 알 수 있었다. 특별한 악당도 없고, 주인공들이나 주변 인물들도 모두 선한 분위기가 가득 찬 이들이고 이들이 겪게 되는 과정들도 결국 아름답게 마무리되는 참 착한 영화말이다. 각종 범죄와 폭력, 스릴러가 난무하는 영화들을 연달아 보게 되면 가끔씩은 아무 이유없이 그냥 착한 영화들에 대한 갈증이 절로 생기게 마련인데, 그래서 극장을 찾으면서 기대했던 것은 이런 착한 영화가 줄 수 있는 흐뭇함과 안식이었다. 그것만으로도 충분하다고 생각했던 카메론 크로우의 신작은, 단순히 착한 것 외에도 생각해볼 만한 메시지를 전달하는 더 괜찮은 작품이었다.



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실화를 바탕으로 한 이 작품은, 아내를 잃고 아들과 어린 딸과 함께 남겨진 한 가장이 새로 살 집을 찾던 중, 우연한 기회에 동물원을 운영하게 되면서 겪게 되는 작지만 큰 과정을 그리고 있다. '우리는 동물원을 샀다'가 담고 있는 가장 중요한 정서 중 하나는 바로 이 남겨진 자들이 상처를 치유하는 과정이라 할 수 있을 것이다. 아내이자 엄마를 잃은 한 가정이 이 빈자리를 극복해 나가는 과정이 주요 테마라고 할 수 있을 텐데, 그런 면에서 최근 보았던 존 카메론 미첼의 '래빗 홀 (Rabbit Hole, 2010)'과 겹쳐지는 부분이 있었다. 두 작품 모두 단순히 누군가의 '부재'로 설명하기는 어려운 존재의 상실에서 오는 남겨진 자들의 치유의 과정과 그 방법에 대해 이야기하고 있는데, 방법면에 있어서는 조금 다르다고 할 수 있겠다. '래빗 홀'에 방법론은 이 작품의 리뷰에서 다시 이야기하기로 하고, '우리는 동물원을 샀다'의 방법론을 이야기하자면, 정반대의 길로 달려본 뒤에야 해결 방법이 항상 그 자리에 있었다는 것을 깨닫게 되고, 결국 정반대라고 생각했던 길마저 도망치는 것이 아니라 이겨내는 길이었음을 깨닫게 된다는 이야기라고 말할 수 있겠다.




그리고 영화는 이 가족의 치유 과정 속에 어쩌면 착한 영화다운 메시지를 살며시 포개어 놓는다. 관찰자의 입장에서는 그 어떤 모험에도 적극적이고 복잡할 것이 없었던 주인공 벤자민(맷 데이먼)이 실제로 자신이 진짜로 겪게 된 모험에서는 여러가지 이유와 사정들을 들어 쉽게 전진하지 못하는 과정을 그리는 동시에, 역시 상처와 트라우마 때문에 한 걸음 더 다가가지 못한 인물들의 이야기를 풀어놓으며 영화는 'Why Not?'이라고 되묻는다. 그리고 여기에 작은 도구로 용기에 대한 이야기도 들려준다. 그리고 그 작은 용기, 20초만 눈 딱감고 저질러 버리면 되는 그 작은 용기가 만들어낼 수 있는 커다란 가능성의 세계를 보여준다. 혹자는 이 과정을 100% 수긍하기에는 너무 헛점이 많은 것 같다라고 얘기할 수 있겠지만, 반대로 생각하면 'Why Not?'을 설명하기 위해 논리적 무장을 철저히 하는 것은 무언가 앞뒤가 맞지 않는 것이라고 할 수 있을 것이다. 그리고 자연과 동물을 배경으로 그 안에 인간이라는 도구를 사용해, 눈빛과 표정으로 마음을 전달하는 과정은 적어도 나에겐 충분했다. 맷 데이먼이 좋은 배우라는 생각은 항상 하고 있었지만, 아버지 역할로서도 이 정도의 감동을 선사할 수 있을 줄은 몰랐다 ('컨테이전'에서 보여준 가능성이 이 작품에서 좀 더 꽃을 피웠달까).



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아마도 보통 같았으면 당연히 끝났어야 할 지점을 지나 영화는 에필로그처럼 작은 이야기 한 토막을 꺼내 스스로 마무리한다. 바로 이 영화가 말하고자 했던 'Why Not?'에 대해 정리할 부분이 남았기 때문이었다. 어쩌면 이 장면은 너무 직접적인 것이 아닌가 하는 생각도 살짝 드는데, 그래도 이 장면은 너무 좋았고, 눈물이 왈칵 쏟아졌다. 어떤 영화든 정말 멋진 장면을 한 장면씩은 갖게 마련인데, 이 작품에는 아마도 이 장면이 아닐까 싶다. 돌이켜 생각해보니 이 장면이 있어서 이 영화가 앞으로도 더욱 기억에 남을 듯 하다.


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카메론 크로우의 팬이라면 그의 영화를 볼 때 좀 더 기대하게 되는 부분이 바로 영화음악이라고 할 수 있을 텐데, 음악에 대해서는 잔뼈가 굵은 그 답게 이번에는 '시규어 로스 (Sigur Rós)'의 메인 보컬로 더 잘 알려진 '욘시 (Jónsi)'의 음악을 선택했다. 기존 욘시의 솔로 데뷔 앨범 'Go'에서 전혀졌던 신비스러운 행복함이 이 작품에도 완벽하게 맞아 떨어지고 있는데, 자연과 동물원이라는 배경 그리고 치유라는 메시지에 있어서 욘시의 음악처럼 잘 어울리는 조합도 없지 않나 생각된다. 그 밖에도 카메론 크로우가 평소에 좋아하는 밥 딜런, 윌코 등의 음악도 들을 수 있어 좋았다. 당연한 이야기지만 카메론 크로우 영화의 사운드 트랙은 믿고 사도 좋다.


누군가는 이 영화에 대해 너무 쉽게, 현실적인 문제를 고려하지 않고 (물론 실화를 바탕으로 했다는 무기가 있기는 하지만;;) 그냥 '안될 이유가 있나?'라는 무모함으로 너무 쉽게 진행되는 것이 아니냐고 말할 수 있을 텐데, 물론 그렇지만 가끔은 하나하나 이유를 들어 설명하지 않고 그냥 '안될 이유가 있나?'라는 무모함 섞인 희망과 긍정이 담긴 영화도 있으면 좋지 않을까? 그리고 허무맹랑이라 하기에 이 영화가 담아낸 이야기는 충분히 감동적이기도 했고.



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1. 이 영화는 'Why Not?'이라는 것과 더불어 극중 벤자민처럼은 아니더라도, 개인적으로 몇년 간 적지 않게 고민하고 있는 '귀농'이라는 것과 맞물려 생각해보게 되더군요. 계산하고 이유를 찾다보니 실행에 옮기지 못하는 것 같은데, 정말로 '안될 이유가 있나?'라는 심정으로 실행해야만 가능한 걸까요? ;;

2. 주인공이 키우는 강아지가 나오는데 이렇게 비중이 없는 영화는 거의 없을 듯. 아마도 배경이 동물원이다보니 강아지는 그야말로 찬밥인듯 ㅎ

3. 엘르 패닝은 '수퍼 8'에서는 쌀쌀맞게 나오더니 여기서는 정반대라 좀 적응이 안되기도 ㅎ 아직까지는 괜찮은 성장중인듯.

4. 영화 속 동물원 개장날의 이야기는 실제 현실인가 아닌가를 떠나서 판타지에 가까워서인지, 더욱 그 이후 영화가 보여준 결말이 꼭 필요했다고 생각되네요.



글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr) 
  
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  1. Favicon of https://jongsoo623.tistory.com BlogIcon +자작나무+ 2012.02.05 15:37 신고

    이 영화 한번 보고 싶네요

    편한 주말 보내세요




아이언 맨 2 (Iron Man 2, 2010)
이젠 (슬슬) 어벤저스를 보고 싶다.


존 파브로의 '아이언 맨 (Iron Man)'은 참 잘 빠진 액션 히어로 영화였다. 마이클 베이의 '트랜스포머'와 비슷한 점이라면 남성들이 좋아할 만한 요소를 여럿 갖췄다는 점이겠고, 차별점이라면 전반적인 히어로 물에 근본을 두었다는 점을 들 수 있겠다. 어쨋든 유머와 센스가 있는 존 파브로는 자신 만의 스타일로 마블의 작품 '아이언 맨'을 성공적으로 영화화 하는데 성공했다. 그 성공에는 존 파브로의 유머를 완벽하게 소화할 만한 로버트 다우니 주니어라는 완벽한 배우가 있었기 때문이었는데, 1편의 다이나믹한 마지막 장면은 2편을 기대하게 하는 한편, 걱정을 하게도 했는데 결과적으로 '아이언 맨 2'는 이런 걱정스러운 면이 더욱 도드라진 작품이라고 볼 수 있겠다.



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'아이언 맨 2'가 걱정스러웠던 요소는 소포모어 징크스로 표현할 수도 있겠는데, 3부작으로 기획된(혹은 최소 3편까지는 예정된) 대부분의 작품들의 경우 1편에서는 캐릭터 소개와 설정 소개를 성공적으로 마친 뒤, 속편에서는 확실히 갈피를 잡지 못하고 이도저도 아닌 평범한 작품을 선보이게 되는 경우가 많기 때문인데, 앞서 '아이언 맨 2'가 이런 걱정을 안고 시작했던 것은 1편의 마지막에서 대놓고 공개된 부분 때문이었다. 속편이 어려운 데에는 여러가지 이유가 있는데, 반대로 첫 번째 작품이 수월한 이유라면 캐릭터를 처음으로 소개하고 배경을 소개하며 그 캐릭터가 갖는(특히 히어로라면) 특성을 바탕으로 큰 줄거리를 이야기를 시작하는 것 만으로도 관객의 관심을 끌기에 충분하기 때문이다. 하지만 속편은 다르다. 속편에서는 적어도 전편을 넘어서는 무언가를 보여주어야 하는데, 그렇다보니 오히려 전편 보다 못하게 되는 경우가 잦은 건 어찌보면 아이러니다.

일단 '아이언 맨 2'는 히어로 물이 갖고 있는 주인공의 정체에 관한 부분을 다시금 이용하기 어려워졌기 때문에, 커다란 흥미요소를 하나 잃어버린 격이었다(그런데 반대로 생각하면 그렇기 때문에 이것 자체가 가장 흥미로운 요소일 수도 있었다). 그렇다면 이야기는 더 강력한 적의 등장 정도를 예상해 볼 수 있는데, 일단 2편에 등장한 악당 '위플래시/이안 반코'는 비중이 그나마 많은 편이었지만 임팩트는 부족하고 해머사의 CEO '저스틴 해머' 역시 악날하지도 인간적이지도 않은 애매한 지점에 놓여있다. 이렇게 좀 더 확실하지 못하면서 영화는 전체적으로 힘을 잃게 된다. 더군다나 그 안에 중간중간 '어벤저스'의 떡밥을 풀어놓는데에도 열심히다 보니 더더욱 포커스가 흔들릴 수 밖에는 없었던 것 같다. 


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사실 원작이 있는 경우, 특히 '아이언 맨 2'의 경우처럼 그 원작이 코믹스이며 더 넓은 세계관을 갖은 경우는 어찌되었든 영화로 처음 접하는 이들도 100% 만족할 만한 영화화를 이뤄야 한다고 생각하는데, '아이언 맨 2'는 기본 이야기의 힘이 달리다보니 저절로 그들이 떡밥으로 남겨둔 어벤저스 이야기에 눈을 돌리게 되었다. 사실 코믹스의 세계는 워낙 광활하기도 하거니와 정확하게는 파악하지 못한 부분이 있었는데, 이번 '아이언 맨 2'를 통해 어벤저스와 관련한 코믹스의 세계관에 대해 공부를 해봐야겠다는 생각이 절로 든 건 사실이다. 캡틴 아메리카나 닉 퓨리, 쉴드 등은 어느 정도 알고 있었지만 맨 마지막 대형 떡밥을 투척한 '토르' 같은 경우는 이번 '공부'를 통해 좀 더 그 내용을 확인해볼 수 있었다. 

스칼렛 요한슨이 연기한 '블랙 위도우'를 비롯해 사무엘 L.잭슨이 연기한 '닉 퓨리', 그리고 캡틴 아메리카의 방패와(참고로 캡틴 아메리카의 방패는 1편에도 등장했었죠), 마지막 쿠기 장면까지. '아이언 맨 2'에는 어벤저스의 거대한 예고편으로 봐도 좋을 만큼 이에 관련한 캐릭터와 소스들이 여기저기 노출되어 있다. 사실 이런 '떡밥'들은 말 그대로 곁가지로 활동할 때 좀 더 의미가 있다고 볼 수 있는데, '아이언 맨 2'는 기본적인 스토리가 힘을 잃다보니 이런 떡밥에 더욱 눈을 돌리게 된 것이다. 그러다보니 아이언 맨에 대한 스토리는 얼른 깔끔하게 정리하고 어서 어벤저스의 이야기를 본격적으로 보여주었으면 하는 바램이 드는 것은 어찌보면 당연한 일이었다(미드 '스몰빌'이 저스티스리그를 슬쩍 꺼냈다가 말았다가 하는 것도 비슷한 얘다). 



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'아이언 맨 2'는 이렇게 기본적으로 소화해야할 캐릭터와 이야기에 더불어 어벤저스의 떡밥들까지 풀어놓다보니 전체적으로 흐지부지한 이야기가 되어버렸다(그래서인지 2시간이 조금 넘는 러닝타임 역시 살짝 부담스러울 정도다). 그리고 또 하나 언급해야할 아쉬운 점은 역시 캐스팅이 변경된 제임스 로드 역을 들 수 있겠다. 전편에서 테렌스 하워드가 연기한 로드는 속편에서 돈 치들이 맡아 같은 캐릭터를 연기하게 되었는데, 돈 치들이 연기를 못했다기 보다는 '로드'라는 캐릭터에는 테렌스 하워드가 더 어울린다고 볼 수 있겠다. 앞서 존 파브로의 장점으로 유머를 들었던 것처럼, '아이언 맨'을 관통하는 정서 중 하나는 쿨한 유머를 들 수 있는데, 로드라는 캐릭터가 돈 치들로 인해 너무 경직되면서 전체적으로도 토니 스타크와 로드가 함께 등장할 때 별다른 시너지를 일으키지 못했던 것 같다. '매트릭스'의 오라클도 아니고 어지간하면 테렌스 하워드로 계속 갔으면 좋았을껄 하는 생각은 변함이 없다. 

스칼렛 요한슨이 맡은 블랙 위도우는 물론 매력적이지만, 스칼렛 요한슨이라는 배우를 등장시킨 것에 비하면 아쉬운 부분이었으며(그런데 반대로 블랙 위도우의 비중을 늘리면 영화는 더 꼬이고 만다), 미키 루크 역시 '더 레슬러'로 재기한 그 이미지를 또 한번 사용하는 것 이상은 보여주질 못했으며, 페퍼 포츠 역의 기네스 펠트로우는 여전히 아름다웠지만 전편부터 그래왔듯이 이 페퍼 포츠 역할을 꼭 기네스 펠트로우가 해야만 했나 라는 (팬의 입장에서) 생각 역시 여전히 든다. 



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아쉬운 점을 주욱 늘어놓았지만 그렇다고 '아이언 맨 2'가 최악의 경험이라고는 볼 수 없겠다. 기대하는 바가 낮다면 '아이언 맨 2'는 여전히 매력적인 액션 블럭버스터라 할 수 있겠다. 아이맥스를 통해 감상한 아이언 맨의 활강 장면은 역시나 매혹적이었으며, 의외로 엑스포에서의 프레젠테이션 장면이 더 멋스럽기도 했다. 액션은 분량이나 임팩트만 떼어 놓고 본다면 전편 보다 강해졌으나 (사실 이 정도 히어로 영화임을 감안한다면 조금 부족한 편인데, 1편을 떠올려보자면 확실히 2편이 좀 더 강하다), 아마도 수 많은 코믹스 팬들이 고대했던 것이 비하면 그의 걸맞는 장면은 만들어내지 못한 것 같다. 뭐랄까 '아이언 맨 2'는 우려되었던 길을 그대로 간 경우라고 볼 수 있을 것 같다.


1. 아이언 맨이 이렇게 흔들리면서도 계속 인기를 얻는 이유는 역시 '로망' 때문이 아닐까 싶어요 ㅎ
2. 오랜만에 아이맥스 관에서 영화를 봐서인지 시원시원하더군요.
3. 다들 아시겠지마나 극중 '해피' 역할을 맡은 배우가 바로 감독 존 파브로 입니다.
4. 트리비아를 보면 미키 루크가 이 캐릭터를 위해 많은 조사와 애정을 기울인 것으로 보이는데, 그런 정성이 100% 드러날 만큼 캐릭터의 깊이가 깊지 않은 것이 새삼 아쉽게 느껴지네요.
5. 스탠 리 찾기는 마블 영화 보기에 필수 코스라 할 수 있는데, 이번에는 일반인이 아니라 '래리 킹' 역할로 나와서 더욱 재미있었어요 ㅎ
6. '아이언 맨 2'를 보며 새삼, 샘 레이미의 '스파이더 맨 2'가 얼마나 잘 만든 속편인가를 알 수 있더군요.
7. 자, 각자로 흩어져있는 어벤저스 주인공들의 영화는 과연 언제쯤 만나볼 수 있을까요?





글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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  1. Favicon of http://sloppychul.tistory.com BlogIcon 찌질철이 2010.05.04 11:05

    ㅋ..언젠간 어벤저스도..~ 나도 코믹스 직접보고 그러는 건 아닌지만.. 나중엔 어벤저스 vs jtl 같은 것도 나오지 아느까염~

    • BlogIcon 카키 2010.05.04 16:35

      저스티스리그는 디씨코믹스고 어벤져스는 마블코믹스라서 서로 만날일은 없습니다 아쉽게도 ㅎ

    • Favicon of http://sloppychul.tistory.com BlogIcon 찌질철이 2010.05.04 16:45

      어서 보니까 코믹스에서도 서로 싸우는 내용이 있다네욤.. 회사끼리 쇼부보믄 안될거또 없겠지용^^

  2. BlogIcon 카키 2010.05.04 16:34

    아이언맨1에서 캡틴아메리카방패가 나왔었나요??? 몰랐었네 ㅎㅎ 언제나왔죠???

    • Favicon of http://zambony.egloos.com/ BlogIcon 잠본이 2010.05.04 22:14

      토니가 갑옷 벗다가 페퍼한테 들키는 장면("더 황당한 짓도 많이 봤잖아.")에서 뒤쪽 작업대 위에 살짝 나옵니다.
      솔직히 이번처럼 대놓고 등장시키는 것보다는 그냥 살짝 지나가게 하는 편이 더 흥미진진할듯...

  3. Favicon of http://zambony.egloos.com/ BlogIcon 잠본이 2010.05.04 22:25

    >어벤저스 주인공들의 영화

    http://marvel.com/movies/thor.thor
    토르 - 2011년 5월 6일 개봉예정
    http://marvel.com/movies/captain_america.the_first_avenger~colon~_captain_america
    캡틴 아메리카 - 2011년 7월 22일 개봉예정

    이걸 거친 뒤 2012년에 어벤저스 개봉으로 이어진다는 계획이죠.
    물론 아연맨2와 저 두편이 흥행에서 어느정도 성공했을때 얘기지만(...)

  4. Favicon of https://queeralbumkms.tistory.com BlogIcon M.T.I 2010.05.28 18:53 신고

    스파이더맨, 수퍼맨, 배트맨과 같은 영웅과는 조금 다른 느낌의 히어로였죠?
    솔직히 그래서 불편한 점도 없지 않았어요...

    ps.
    저는 캡틴아메리카가 어떻게 나올지 궁금하네요!
    이름만큼 미국의 색깔이 굉장히 짙어질 것 같지만~[웃음]

    트랙백 남기고 갑니다!^ㅡ^

  5. 김삼이 2010.09.25 11:12

    읭 어서빨리 캡틴아메리카가 나왔으면 좋겠어요 ! 방패의포스란 ~



비키 크리스티나 바르셀로나 (Vicky Cristina Barcelona, 2008)
우디 알렌이 쓰는 트뤼포의 '쥴 앤 짐'

우디 알렌의 새로운 작품만으로 받아들여질 수도 있었는데, 갑작스런 국내 개봉의 요상한 제목 탓에 '문제작'이 되어버린 이 영화 <비키 크리스티나 바르셀로나>. 영화를 보고 나니 국내 개봉 제목인 '내 남자의 아내도 좋아'가 새삼 이상하게 느껴진 것은 물론이고, 원제인 '비키 크리스티나 바르셀로나'라는 제목이 반드시 필요한 영화임을 또 새삼 느낄 수 있었다. 국내 개봉시에는 마치 '아내의 유혹'을 연상시키려는 제목과 더불어 포스터 속 스칼렛 요한슨의 상의를 포샵으로 더 야하게 조정하는 수고까지 한 것으로 봐서, 이 영화의 주된 타겟팅을 우디 알렌의 팬들이라기 보다는 4~50대 관객들에게 맞출려고 한 것으로 보인다. 뭐랄까 불륜과 권태가 주가 된 영화랄까. 이런 식으로 홍보되어도 그럭저럭 이해할 만한 영화들도 있지만, 적어도 <비키 크리스티나 바르셀로나>에게 이런 대우는 단호하게 아니라고 말할 수 있을 것이다. 이 영화는 어디까지나 우디 알렌의 세계 내에서 벌어지는 그의 또 다른 이야기이며, 수다가 동반되는 동시에 그 와중에 문득문득 생각하게 하는 그 만의 영화이기 때문이다.




이 영화를 처음 보았을 때 단번에 연상되었던 것은 프랑소와 트뤼포 감독의 1961년작 <쥴 앤 짐>이었다. 우디 알렌이 원래부터 고전적인 스타일이나 (특히 오프닝이나 엔딩 크레딧 같은 경우) 방식의 사용을 즐겼다는 점을 제외하더라도, 이 영화는 제목 부터 전체적인 구성까지 트뤼포의 <쥴 앤 짐>을 그대로 떠올리게 하는 영화다. 일단 그렇기 때문에 '내 남자의 아내도 좋아'라는 제목이 용납 안되는 점이기도 하다. <쥴 앤 짐>이라는 제목이 그러했듯 이 영화 역시 '비키' '크리스티나'라는 인물의 이름을 전면에 내세우고 있고 여기에 '바르셀로나'라는 배경을 노출하고 있기 때문이다. 이 제목은 우디 알렌 본인 스스로도 분명 <줄 앤 짐>을 염두에 두고 있었다는 것을 드러내는 하나의 표식이기도 하거니와 트뤼포가 만든 1961년작의 이야기를 21세기에 맞게 다시금 각색하려고 했던 것이 아닌가 하는 생각마저 든다. 사실 제작년과 작년에 영화제와 상영회를 통해 <쥴 앤 짐>을 극장에서 보게 되었을 때, 아니 보기 전에는 영화에 대한 큰 기대감이 있었다. 영화는 미처 보지 못했지만 '쥴 앤 짐'이라는 그 제목과 그 포스터는 외울 정도로 익숙한 터였기 때문에 드디어 보게 되는 영화에 대해 기대감이 클 수 밖에는 없었는데, 막상 보고 나니 기대감이 컸던 탓인지 그다지 와닿지는 않았었다.




그 가장 큰 이유는 아마도 1961년 작이라는 세월의 텀 때문이라고 할 수 있을텐데, 모든 옛날 영화들이 이런 간극을 갖고 있는 것은 아니지만, 시대에 기대거나 시대상을 그린 영화들 가운데는 요즘에 와서 보았을 때 그 간극을 뛰어넘기가 쉽지 않은 경우가 종종 있었다. <쥴 앤 짐>의 경우는 당시로서는 굉장히 파격적이었던 여성 캐릭터를 등장시키며 남녀 관계에 대해 이야기했지만, 2008년에 보기에는 100% 공감하기 어려운 공기가 있었다. 영화가 별로라기 보다는 공감하기 어렵다에 가까운 느낌이었는데, 그런 면에서 마치 <쥴 앤 짐>을 21세기 버전으로 각색한 듯한 느낌의 <비키 크리스티나 바르셀로나>는 각 캐릭터들에게 (적어도 줄과 짐 보다는) 더 공감할 수 있었고 그렇기 때문에 이야기 자체에 더 깊게 빠져들 수 있었다.

<쥴 앤 짐> 얘기를 꺼낸 김에 좀 더 해보자면, <비키 크리스티나 바르셀로나>는 누구인지 모를 제 3자의 내레이션으로 진행되는 점이나 그 내레이션의 어투나 화법 모두 <쥴 앤 짐>을 연상시키게 한다. 휴양지가 등장한다는 점도 그렇고 관계설정이 조금 틀리기는 하지만 한 남자를(여자를) 사이에 두고 벌어지는 복잡한 남녀관계라는 점도 그렇고, 무엇보다 자전거 타는 장면도 그대로 나온다. 그리고 이 영화에서 인상적인 또 다른점은 러닝타임내내 거의 잠시도 쉬지 않고 배경음악이 깔린 다는 점이다. 재미있는건 거의 내내 깔려있음에도 어느 때는 음악이 인식되었다가 또 어느 때에는 잊혀졌다가를 반복한다는 점이다.




<비키 크리스티나 바르셀로나>의 기본 구조는 아무래도 관계에 관한 이야기다. 영화에 등장하는 캐릭터들은 굉장히 성격이 분명하다. 내레이션을 통해 직관적으로 설명하는 것처럼 각 캐릭터는 말그래도 완전히 '캐릭터'화 된 인물들로서 구분이 쉽고 각각의 개성을 갖는다. 그렇게 배경을 깔아놓고는 이 인물들 간에 어떤 관계들이 형성되고 얽히는지를 영화는 서서히 풀어나간다. 이들의 관계를 쉽게 설명하자면 '삼각 혹은 사각관계' 정도로 얘기할 수도 있겠지만, 이들이 맺고 있는 관계는 이런 개념보다는 오히려 '굴레'같은 느낌이 더 강하게 들었다. 크리스티나는 굉장히 남녀 관계에 있어 자유스러운 것처럼 보이지만 한 편으론 본인 스스로 본인이 자유로운 존재라는 굴레에 갇혀있어 오히려 자유롭지 못한 일들을 겪게 되며, 하비에르 바르뎀이 연기한 안토니오 역시 예술가라는 캐릭터답게 굉장히 자유로운 라이프 스타일을 보여주고는 있지만 그가 이로 인해 겪게 되는 일들이 마냥 자유롭게만 보이지는 않으며, 반대로 가장 일반적인 캐릭터라고 할 수 있는 비키의 경우 역시 '이러면 안된다는' 또 다른 굴레에 얽매여서 자신의 감정에 조심 또 조심을 하게 된다.

예술가라는 직업은 이런 그들의 자유로움을 좀 더 이질감이 느껴지지 않도록 표현하기 위한 하나의 도구로 사용되고 있다. 그리고 바르셀로나라는 지역적 배경 역시 이들의 자유로운 관계들을 가능토록 하는 광대한 베이스로 작용하고 있기도 하다. 관객들은 보는 내내 바르셀로나에서 하비에르 바르뎀 같은 남자를 만난다면 혹은 페넬로페 크루즈 같은 여자를 만난다면 저럴 수도 있을 것이라는 생각을 절로 하게 되니 말이다.




개인적으로 포스터에 제목처럼 비키 역을 맡은 레베카 홀도 포함되었으면 더 좋았겠다는 생각을 지울 수가 없는데, 그 만큼 이 영화에서 (더군다나 다른 세 배우들 틈에서도!) 빛을 발했던 배우는 레베카 홀이었다. 나머지 세 배우를 평소에 워낙에 좋아하는 터라 상대적으로 레베카 홀에 대한 기대치가 적어서 였는지 몰라도, 그녀가 연기한 '비키'를 사실상의 주인공으로 인식해서 인지는 몰라도 레베카 홀의 연기는 매우 현실적이여서 공감대를 불러일으키는 동시에 이 영화를 지구 반대편 어디에서든 있을 법한 얘기로 만들어주는데 큰 몫을 하고 있다. 어디서 많이 본 얼굴이다 했더니 크리스토퍼 놀란의 <프레스티지>에서 크리스찬 베일의 아내 역할로 출연했었다.

하비에르 바르뎀은 언제 그가 '안톤 쉬거'였느냐고 외치기라도 하는 듯 어쩌면 본연의 느끼하면서도 매력적인 남자를 능글맞게 연기하고 있다. 그가 이 영화에서 연기하는 '안토니오'의 모습에서는 마치 '라틴계 조지 클루니'가 느껴진달까? ㅎ 전 세계의 모든 남성팬들의 시기를 한 몸에 받을 만한 캐릭터를 연기한 그가 남자로서 부럽지 않다면 거짓말일듯. 참고로 하비에르 바르뎀과 페넬로페 크루즈는 1992년작 <하몽하몽>에 함께 출연했던 적이 있다. 페넬로페 크루즈는 이 영화로 아카데미 여우조연상을 수상하기도 하였는데, 개인적으로 그녀의 오랜 팬이기는 하지만 그 정도에 연기였는지에 대해서는(특히나 다른 수상 후보들에 비해)조금 부정적이긴 하다. 스페인어를 속사포처럼 쏘아부치는 그녀의 모습에서 오랜만에 '무서움'이 느껴지기도 했으며, 그 아름다움은 여전했다. 스칼렛 요한슨은 우디 알렌의 페르소나로 자리 잡으면서 부터 확실히 더 성장하고 있는 느낌이다. 레오나르도 디카프리오가 스콜세지와 함께 작업하며 그러했듯, 스칼렛 요한슨은 우디 알렌의 작품들을 통해 자신의 다양한 매력과 연기력을 선보일 수 있는 기회를 얻고 있다 하겠다. 그리고 다른 영화에서보다 훨씬 더 편하게 연기하는 느낌도 들고.




개인적으론 최근 미드 <식스 핏 언더>를 막 엔딩을 본 터라 이 영화에 출연한 두 배우가 남다르게 반가울 수 밖에는 없었는데, 주디 역할을 맡은 패트리시아 클락슨과 비키의 남편 역할을 맡은 크리스 메시나는 스크린을 통해 다시 만나니 그렇게 반가울 수가 없더라(이 둘이 이 정도인데 만약 네이트라도 나왔더라면 그 반가움의 크기는 어떠했을까. 재미있는건 크리스 메시나가 영화 속에서 연기하는 캐릭터의 모습도 '식스 핏 언더'속 인물과 많은 부분 비슷하다는 것).

<비키 크리스티나 바르셀로나>는 영화의 중요한 부분을 앗아가버린 재앙과도 같은 국내 개봉 제목으로 아쉬움이 많은 채 개봉한 작품이긴 하지만, 본래 제목에 근거한 영화는 역시나 우디 알렌의 유머러스함과 고풍스러움 그리고 배우들의 열연을 만나볼 수 있었던 그 다운 작품이었다. 국내 개봉 제목에 낚인 이들도 있을런지 모르겠지만, <비키 크리스티나 바르셀로나>를 기다렸던 영화 팬들, 우디 알렌의 팬들에게는 다시 한번 그의 매력에 흠뻑 빠질 수 있는 작품이 아닐 수 없겠다.


1. 바르셀로나. 모든 곳이 영화가 되고 로맨스가 될 듯한 그 곳!

2. 스패니쉬 기타 선율도 그렇고, 사운드 트랙이 나온다면 부담없이 구매할 수 있을 것 같네요.





글 / 아쉬타카 (www.realfolkblues.co.kr)


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  1. Favicon of http://www.zinsayascope.com BlogIcon 진사야 2009.04.22 14:09

    그래서 상영관 내에 40~50대 분들이 꽤 계셨던 거군요-ㅂ-;;;
    개봉날 봤는데 중년층 분들이 좀 계셨더라는;;;

    아무튼 국내번역제는 척살(?)해야만!!
    사운드 트랙은 필히 나왔으면 합니다. 너무 좋았어요 T_T

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.04.23 09:50 신고

      의외로 이런 홍보방법이 장년층에게는 제대로 먹히곤 해요. 근데 중요한건 이 영화는 장년층이 즐길만한 영화는 별로 아니라는 점이죠.

      정말 사운드트랙은 필히 나왔으면 합니다!

  2. Favicon of http://bloodbar.tistory.com BlogIcon 다이나모 2009.04.22 15:18

    국내용 포스터 그거야말로 진짜 뻘수고죠. 무슨...다른그림찾기도 아니고...

  3. Favicon of http://nejooso.com BlogIcon 텍사스양 2009.04.22 15:46

    오전에 이영화에 대한 블로그에는 국내제목으로 소개를 하셔서..
    원제와 국내명과는 사뭇 다르네요..
    한달 전에 신혼여행으로 가본 곳이라 느낌살려서 봐야겠습니다..

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.04.23 09:51 신고

      와~ 한 달전에 바르셀로나를 다녀오셨다니 감회가 새로우시겠는걸요?

  4. 알 수 없는 사용자 2009.04.22 16:11

    바르셀로나라는 도시가 기대됩니다. ㅎㅎ

  5. Favicon of http://gilwon.egloos.com BlogIcon 배트맨 2009.04.22 22:14

    복귀해서 테이프를 끊은 작품입니다. ^^*
    극장 예매창을 보면서 이 작품이 아직도 상영되고 있는줄 몰랐었네요.
    알고보니 제목을 이렇게 엉뚱하게 바꿔놓았더군요.
    하마터면 놓칠뻔 했었습니다.
    교차 상영으로 돌고 있길래 어젯밤 바로 달려가서 보고 왔네요.
    우디 알렌 이 양반은 여전하더군요. ^^*

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.04.23 09:52 신고

      실제로 제목을 이렇게 바꿔놓아서 아직도 개봉하지 않은걸로 생각하고 계신분들도 계시더라구요 ;;;

      우디 알렌은 여전해서 좋습니다~

  6. Favicon of https://ystazo.tistory.com BlogIcon 만물의영장타조 2009.04.23 02:30 신고

    마지막 결말이 살짝~ 아쉽긴 했어도 아주 재미있게 본 영화입니다. ^^
    복잡한 관계를 짧은 시간내에 경쾌하게 풀어서 보여줄 수 있다니... 와우!!!

  7. Favicon of http://culturemon.tistory.com/ BlogIcon 몬스터 2009.04.28 17:03

    레베카 홀... 프로스트 대 닉슨에 나왔을 때는 그냥 매력적이라고만 생각했는데
    여기서는 정말 인상적이더군요...
    영화는 정말 재밌었습니다.

  8. Favicon of http://castello.tistory.com/ BlogIcon 까스뗄로 2009.04.28 19:17

    우달련 선생님 지못미... 우리말 제목이 너무 심했어요. 아, 쥴 앤 짐을 연상해보진 않았는데... 정말 비슷한 느낌이 많네요. 구성이나 등장인물 관계도도 그렇지만... 자전거까지... 하비에르 바르뎀은 안톤 쉬거 때와 너무 달라져서 은근 웃겼어요. 한창 멋있게 나오는데도 그 뚜껑단발(...)이 생각나더라고요.

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2009.04.29 13:16 신고

      국내 개봉 제목은 정말 두고두고 얘기할 정도로 너무했죠;
      뚜껑단발 ㅋㅋ 전 다행히 전혀 떠오르지 않아 집중할 수 있었습니다 ㅎ


 

Scarlett Johansson _ Anywhere I Lay My Head

01 . Fawn 
02 . Town With No Cheer
03 . Falling Down
04 . Anywhere I Lay My Head
05 . Fannin Street 
06 . Song For Jo  
07 . Green Grass 
08 . I Wish I Was In New Orleans
09 . I Don’t Wanna Grow Up
10 . No One Knows I’m Gone
11 . Who Are You 


여배우 스칼렛 요한슨이 음반을 낸다는 소식을 처음 들었을 때는, 의례 인기있는 여배우들이
그 인기를 바탕으로 내는 앨범이 아닐까 하는 섣부른 생각도 잠시 했었지만, '스칼렛 요한슨'이었기 때문에
혹시나 했었다. 그녀는 알려진 바처럼, 나이보다 성숙한 외모 만큼이나 관심사나 취향도 또래의 소녀들과는
사뭇 다르다는 것을 알고 있었기 때문에, 그저 여배우가 내는 앨범은 아닐 수도 있겠다는 생각이었다.
이런 생각을 더 확고히 해주었던 것은 이 앨범이 단순히 스칼렛 요한슨의 솔로 앨범이 아니라,
톰 웨이츠 (Tom Waits)에 대한 일종의 트리뷰트 형식으로 만들어졌다는 소식과 TV on the Radio의 멤버이자,
Yeah Yeah Yeahs의 프로듀서이기도 한 데이비드 앤드류 시텍 (David Andrew Sitek)이 참여한,
쉽게 말해 진정성이 엿보이는 '진짜' 앨범이었기 때문이었다.

영화에서도 충분히 매력적이었던 스칼렛 요한슨의 저음은, 보컬로 승화되며 훨씬 더 매력적인 보이스를
들려주고 있다. 톰 웨이츠의 보컬은 물론 다른 뮤지션에게서는 느낄 수 없는 그 만의 독특한 매력으로
가득한 보이스이지만, 스칼렛 요한슨의 매력적인 보이스는 톰 웨이츠와는 또 다른 몽환적이면서도
나른한 느낌을 갖고 있다. 많은 전문가나 팬들이 이 앨범에 높은 점수를 주고 있는 가장 큰 원초적인 이유는
바로 다름아닌 스칼렛 요한슨의 매력적인 저음이다.

앨범에는 톰 웨이츠의 곡을 커버한 10곡과 오리지널 1곡을 수록하고 있는데,
낡고 허름한 분위기 속에서도 고급스럽게 피어나는 새로운 해석이 돋보인다.
특히 데이빗 보위가 피처링하기도 한 'Falling Down'은 이 묘한 느낌의 앨범을 잘 표현해주는 대표곡이라
할 수 있을 것이다.





Scarlett Johansson - Falling Down





  1. Favicon of http://ripley.co.kr BlogIcon comodo 2008.06.24 04:49

    이 스칼렛요한슨이 그 스칼렛요한슨인가 했는데... 그 스칼렛 요한슨이 맞군요? 깜짝 놀랬습니다.

  2. Favicon of http://intogroove.tistory.com BlogIcon 인생의별 2008.06.25 12:20

    아, 저는 기대를 너무 많이해서인가 조금 별로였어요ㅠ
    하지만 톰 웨이츠 노래를 리메이크하고, TV on the Radio의 멤버가 프로듀스로 참여한 것 등은
    뮤지션으로서의 야심 같은 게 보인다고 할까, 그래 보여서 좋았습니다ㅋ

    • Favicon of https://realfolkblues.co.kr BlogIcon 아쉬타카 2008.06.25 15:03 신고

      저는 별로 기대를 안해서인지, 거의 오리지널 뮤지션에 가까운 퀄리티에 사뭇 놀랐습니다 ^^

  3. Favicon of http://www.originalcartridges.com.au BlogIcon hp printer cartridges 2012.02.28 13:46

    해서인지, 거의 오리지널 뮤지션에 가까운 퀄리티에 사뭇 놀랐습니다 ^^



스포일러가 주된 내용임
 
 
 
 
원래 보고자 하는 영화에 대해서는 감독과 배우 정도 외에는
일부러 정보 습득을 피하는 나로서는 이 영화 <스쿠프>역시 신선한 충격이었다.
특히나 내가 기회 있을 때 마다 '이건 아니잖아'라고 얘기하곤 하는
국내 영화사에 홍보 방법이, 이번에는 분명 의도한 것 같진 않지만 결과적으론 성공한듯 하다.
 
국내 포스터는 완전히 샤방샤방 로맨스 그 자체의 내용과 문구들을 담고 있고,
해외 포스터 역시 별다른 특색을 찾을 수가 없었다고 생각했는데,
영화를 다 보고 나니 해외 포스터엔 몇가지 중요한 단서들이 있는 것을 알 수 있었다.
 
붉은 빛의 타로 카드는 물론이고,
Perpect Man, Story, Murder라는 문구는
영화를 다 보고 난 뒤라 그런지 참으로 의미심장하다.



어쩌면 완전히 로맨스 코미디 정도로 생각하고 극장을 찾았던
이들에게는 약간의 충격으로 다가왔을지도 모르겠다.
그저 유머스러운 우디 앨런 캐릭터에 집중되어 있을즈음,
나름 중심을 이끌어왔던 미스테리가 완전히 풀렸다고 결정되었을즈음,
사실상 그가 진짜 살인자라고 밝혀지게 되면서
나름 반전을 전해주기 때문이다.
개인적으로는 전작 <매치 포인트>의 영향 때문인지,
중간쯤에 실제로 피터가 살인자인가보다 하는 생각을 할 수 있었다.
 
그런데 이 영화 <스쿠프>가 중요한건,
<매치 포인트>처럼 살인자가 완전범죄에 성공하며 씁쓸하게 끝나는 것과는 달리,
이 미스테리와 반전에 크게 중점을 두지 않고
오히려 우디 앨런과 스칼렛 요한슨 콤비의 대화와 연기에 의한 유머에
더 집중하고 있다는 것을 느낄 수 있다.
 
내용적으로는 범죄 스릴러라고 할 수 있지만,
이 영화를 반전 영화라고 하기 보단, 우디 앨런식 코미디라고 부르고 싶은 것은
감독의 의도 때문일 것이다.
실제 살인자임이 밝혀지고 난 뒤에 대단한 반전인양 연출하기 보다는
그 이후에도 여전히 저 세상에서 사람들에게 마술을 선보이는 우디 앨런의 유쾌한 모습을
마지막으로 남기면서, 이 영화가 <매치 포인트>처럼 우울하고 쓸씁한, 심각한
영화가 아니라, 가볍고 쉬어가는 영화임을 얘기하고 있다.
 
특히 우디 앨런 자신은 영화 속에서 표면적으로 드러나진 않았지만,
<매치 포인트>에서 만난 스칼렛 요한슨과 이번 영화에서 배우로서
콤비를 맞추는 것에 굉장히 즐거워했었을 것 같다는 느낌을 받았다.
앞서도 말했지만 이 영화에 백미는 이 두 콤비의 대화씬들에 있는데,
우디 앨런의 여전한 유머는 물론이고, 점점 성장해가는 스칼렛 요한슨을
보는 것도 매우 즐겁다.



그리고 역시 클래식 음악에 조예가 깊은 우디 앨런은
이 영화에서도 유머러스한 분위기에 걸맞게 장면마다 그 리듬감을 더해주는
클래식들을 적소에 사용하고 있는데,
<매치 포인트>에서 클래식 음악이 비장하게 쓰인 것을 감안한다면,
<스쿠프>에서는 클래식 음악을 통해 정 반대의 효과를 얻어내고 있다.
 
무겁지도 않고 심각하지도 않지만,
시시하지 않고 말그대로 즐겁게 즐길 수 있었던 영화였다.
 
 

 
글 / ashitaka

 

In Good Company _ 리얼리티에서 오는 감동


사실 이 포스터가 아닌 스칼렛 요한슨과 남자 주인공이 클로즈업된 포스터만 보았을때

영화를 보기전 예상은, 그저 그런 로맨틱 코미디인줄로만 알았다.


더 나아가 두 남녀가 알콩달콩 러브 스토리를 이어가려는데, 여자주인공의 아버지가

남자친구를 탐탁치 않게 생각하여, 그 사이에서 오는 약간의 갈등을 코미디로 그려낸

에피소드가 주를 이루다가 마지막에는 이러저러해서 아버지의 축복아래 결혼식 장면에

'자, 치즈~'하는 사진촬영 장면으로 막을 내리는 그저 그런 영화인줄로만 알았다.


결론은 전혀 아니었다. 우리나라에 영화 홍보팀에서는 도대체 영화를 보기나 했는지 모를

카피들을 쏟아냈다.

'내 남친의 정체, 아빠에겐 비밀이예요~!!'

'이 남자 연애하고 싶다. 아빠만 아니라면..;


이런 카피들만 봐서는 도대체가 이런 영화를 좋아하는 사람들을 극장으로 불러올 수 없다.

난 다행히도 이런 거짓 찌라시의 풍파속에서도 좋은 영화를 놓치지 않게 된 경우라 할수 있을듯--;


스칼렛 요한슨의 매력은 더 이상 말할 필요가 없을듯 하나, 이 영화 '인 굿 컴퍼니'에서는

그녀는 분명 주인공이 아니다. 저 포스터가 말하듯 진정한 영화의 주인공은

두 남자 주인공인 데니스 퀘이드와 토퍼 그레이스 이다.


데니스 퀘이드가 분한 역할은 아버지로서 무엇보다도 귀한 딸 아이를 걱정하는 마음과

딸이 커버린 것을 이제는 인정해야 될지도 모른다는 감정, 오랜 세월 일해온 직장에서

합병과 구조조정으로 인해 자신의 입장과 동료 직원들간의 관계, 더나아가 한 가정의 가장으로서

갖는 책임감 등 너무나 현실적이면서도 복잡한 갈등 구조를 그려낸다.


신인인 토퍼 그레이스가 맡은 역할 역시 매우 중요하다.

매우 어린나이에 사회에서 인정받으며 겉으로는 큰 성공과 남부러울것이 없는 젊은이로

보이지만, 사실은 가정과 부모님에 대한 결핍으로 인한 그리움과 외로움,

퇴근하고 나면, 자고 나면 주위에 아무도 없는 공허함에 속으로만 몸서리치는 그런 인물이다.


극중 스칼렛 요한슨과의 짧은 만남과 이별은, 지금까지 영화 속에서 보았던 로맨스 가운데

가장 현실적인 그림을 그려내고 있다. 아마도 많은 청춘남녀들이 이 영화에서처럼 만남과

이별을 겪는다고 해도 과언이 아닐 정도로.

또한 주목해야할 점은 평범해보이는 사실적 로맨스를 값싸보이지 않게 연기한

두 젊은 배우의 연기력를 들 수 있겠다.

너무나 사실적이어서 슬프고 살짝 무섭기까지 했던 클로저와는 또 다른 느낌.

특히 영화 초반에는 방안에서 대형 화면을 배경으로 러닝 머신을 하며 전화통화를 하던

'듀리아'가 바닷가를 '실제'로 조깅하는 엔딩 장면은 근간 보았던 엔딩 장면들 가운데

가장 마음에 들었다.


// 1. 사운드 트랙도 마음에 든다. 요소요소 영화를 더 영화적으로 만들면서도

    현실적인 내용에 직접타를 가하지는 않았던 선곡 센스.

    2. 데니스 퀘이드는 절대 나에 믿음을 저버리지 않는 배우다. 

       그에 관한 자세한 잡설은 조만간 다쉬.



Iron & Wine _ Naked As We Came

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